소나타
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1. 개요
소나타는 다양한 기악곡을 지칭하는 용어로, 바로크 시대에 형식과 구조가 확립되었다. 소나타는 다악장 형식의 기악곡 또는 실내악곡으로 발전했으며, 바로크 시대에는 교회 소나타와 실내 소나타가 있었다. 고전주의 시대에는 하이든, 모차르트, 베토벤에 의해 소나타 형식이 완성되었으며, 낭만주의 시대를 거쳐 현대까지 다양한 작곡가들이 소나타를 작곡했다. 소나타는 형식뿐만 아니라 연주 음악의 규범으로서의 의미를 갖게 되었으며, 소나타 형식, 양식, 구조에 대한 연구는 음악 이론 발전에 영향을 미쳤다. 소나타는 피아노 소나타, 기악 소나타, 트리오 소나타 등 다양한 종류가 있으며, 현악 사중주, 교향곡, 협주곡 등 유사한 구성을 갖는 악곡들도 존재한다.
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| 소나타 | |
|---|---|
| 음악 형식 | |
| 종류 | 기악곡 |
| 어원 | |
| 유래 언어 | 이탈리아어 |
| 어원 (이탈리아어) | sonata (소나타) |
| 어원 (라틴어 및 이탈리아어) | sonare (소나레, "울리다"의 의미) |
| 파생어 | |
| 관련 용어 | 칸타타 (cantata, "노래하다"의 의미) |
| 지소사 | 소나티네 (sonatine) |
2. 소나타의 역사
"소나타"라는 단어가 처음 사용되기 시작했을 때는 명확한 정의 없이 다양한 기악곡을 가리키는 말이었다. 중기 바로크 음악 시대에 들어서면서 점차 형식이 확립되기 시작하여, 여러 악장으로 이루어진 기악곡 또는 실내악곡을 지칭하게 되었다. 이 시기에는 소나타 다 카메라(sonata da camera|소나타 다 카메라ita, 실내 소나타)와 소나타 다 키에자(sonata da chiesa|소나타 다 키에자ita, 교회 소나타) 같은 구체적인 형태들이 나타났다.
바로크 후기의 작곡가 도메니코 스카를라티는 수많은 단일 악장의 "소나타"를 남겼는데, 이것들은 원래 공주를 위해 쓰여진 쳄발로 연습곡이었으나 나중에 "소나타"로 불리게 된 것이다. 이처럼 초기 소나타는 다양한 형태와 의미를 지니고 있었다.
2. 1. 바로크 시대의 소나타
바로크 시대의 소나타는 16세기 초 프랑스의 샹송이 이탈리아에 전해져 기악곡으로 연주되면서 시작되었다. 초기에는 오르간이나 기악 합주용으로 작곡되었으며, '칸초니 다 소나레'(canzoni da sonareita, 악기로 연주되는 노래) 또는 칸초네라고 불렸다. 이 곡들은 여러 개의 짧은 부분으로 이루어진 1악장 형식이었다. 17세기 중엽 이후, 이탈리아 베네치아를 중심으로 성악곡인 칸타타와 구분하기 위해 '소나타'라는 용어가 사용되기 시작했다.17세기 후반에는 두 가지 주요 소나타 형식이 발전했다. 비탈리 부자(父子)와 아르칸젤로 코렐리 등에 의해 교회 소나타(sonata da chiesaita)가 주로 이탈리아에서 발전했고, 프랑스와 독일을 중심으로는 실내 소나타(sonata da cameraita)가 나타났다. 두 형식의 특징은 다음과 같다.
| 구분 | 교회 소나타 (Sonata da chiesa) | 실내 소나타 (Sonata da camera) |
|---|---|---|
| 기원 | 이탈리아 (비탈리, 코렐리 등) | 프랑스, 독일 중심 |
| 특징 | 대위법적 스타일, 진지한 분위기 | 모음곡 풍, 춤곡 악장 포함 |
| 악장 구성 (일반적) | 4악장 (느리게-빠르게-느리게-빠르게) | 전주곡 + 2~4개의 춤곡 악장 |
교회 소나타는 일반적으로 하나 또는 두 개의 바이올린과 통주 저음(basso continuoita)을 위해 작곡되었으며, 느린 서주, 푸가 풍의 빠른 악장(알레그로), 노래하는 듯한 칸타빌레의 느린 악장, 그리고 활기찬 마지막 악장으로 구성되는 경우가 많았다. 실내 소나타는 주로 이상화된 춤곡 악장들로 이루어졌다. 시간이 지나면서 이 두 형식은 서로 영향을 주고받으며 점차 하나로 융합되었다.
바로크 시대 소나타의 대부분은 트리오 소나타 양식으로 작곡되었다. 이는 화음 반주를 담당하는 통주 저음을 포함하여 독립된 3개의 성부로 이루어진 소나타를 의미한다. 보통 높은 두 성부는 2개의 바이올린이 맡고, 낮은 성부인 통주 저음은 첼로나 비올라 다 감바와 함께 하프시코드나 오르간이 연주했다.
바로크 시대의 중요한 소나타 작곡가로는 영국의 퍼셀, 프랑스의 쿠프랭, 이탈리아의 비발디, 스카를라티, 타르티니, 독일의 쿠나우, 텔레만, 헨델, 바흐, 그리고 오스트리아의 비버 등이 있다. 특히 바흐는 소나타를 예술적으로 높은 경지로 끌어올렸다는 평가를 받는다. 그의 작품 중 기악곡이 절반 가까이 되지만, 소나타는 약 4% 정도를 차지한다.
스카를라티는 하프시코드나 다른 건반 악기를 위한 500곡 이상의 독주 소나타를 남겼다. 이 곡들은 원래 '하프시코드를 위한 연습곡'(Essercizi per il gravicembaloita)으로 출판되었으나 후에 소나타로 불리게 되었다. 대부분 단일 악장의 이진 형식으로 되어 있으며, 기교적이고 당시로서는 대담한 화성 진행과 조바꿈을 보여주는 것으로 유명하다.
비발디는 70곡 이상의 소나타를 작곡했으며, 대부분 독주 소나타이고 나머지는 주로 트리오 소나타이다. 그의 소나타는 그가 동시에 작곡했던 협주곡들과 유사한 특징을 보이기도 한다.
바로크 시대 소나타의 주요 형식은 다음과 같이 요약할 수 있다.
| 형식 | 설명 | 주요 특징 |
|---|---|---|
| 교회 소나타 (Sonata da chiesa) | 교회 연주 목적 | 4악장 (느림-빠름-느림-빠름), 대위법적, 춤곡 미포함 |
| 실내 소나타 (Sonata da camera) | 궁정, 실내 연주 목적 | 전주곡 + 춤곡 악장들, 모음곡 형식 |
| 트리오 소나타 | 악기 편성에 따른 분류 (3성부) | 두 개의 선율 악기 + 통주 저음 (첼로/비올라 다 감바 + 하프시코드/오르간) |
2. 2. 고전주의 시대의 소나타
고전주의 시대의 소나타는 18세기 말에서 19세기 초에 걸쳐 하이든, 모차르트, 베토벤으로 대표되는 빈 고전파 작곡가들에 의해 완성되었으며, 이후 낭만파로 계승된 다악장 형식의 기악곡을 의미한다. 이 시기 동안 소나타라는 용어는 단순히 여러 장르나 형식을 지칭하는 말에서 점차 대규모 기악 작품의 기본적인 구성 방식을 가리키는 용어로 의미가 변화했다. 특히 1770년대 이후에는 건반 악기 독주곡이나 건반 악기와 다른 독주 악기 하나(주로 바이올린이나 첼로)를 위한 작품에 주로 사용되기 시작했다. 하이든은 1771년 자신의 첫 피아노 소나타에 이 명칭을 사용하며 이러한 경향을 이끌었다.소나타는 보통 빠르기나 성격이 다른 3개 또는 4개의 악장으로 구성된다. 전형적인 4악장 구성은 다음과 같다.
- 제1악장: 빠름(알레그로). 소나타 형식으로 쓰이며, 때로는 느린 도입부를 갖기도 한다.
- 제2악장: 느림(아다지오, 안단테, 라르고). 서정적인 성격을 가지며, 가요 형식, 소나타 형식, 또는 변주곡 형식이 사용된다. 조성은 보통 제1악장의 가까운 조이다.
- 제3악장: 보통 빠름(미뉴에트 또는 스케르초). 미뉴에트-트리오-미뉴에트 또는 스케르초-트리오-스케르초의 복합 3부 형식을 따른다. 조성은 으뜸조이며, 베토벤 이후에는 스케르초가 주류가 되었다.
- 제4악장(종악장): 빠름(알레그로 또는 프레스토). 론도 형식, 소나타 형식, 또는 론도 소나타 형식이나 변주곡 형식이 사용된다. 조성은 으뜸조이며, 으뜸조가 단조일 경우 동주조 장조로 끝나기도 한다.
그러나 고전주의 시대의 피아노 소나타나 협주곡은 대부분 3악장 구성(보통 제3악장인 미뉴에트나 스케르초 악장을 생략)을 가지며, 2악장 구성도 드물지 않게 나타난다(하이든은 1790년대까지 2악장 소나타를 작곡했다). 드물게는 1악장 또는 5악장 이상의 소나타도 존재한다. 예를 들어 베토벤의 《월광 소나타》는 느린 악장으로 시작하여 2악장 미뉴에트를 거쳐 소나타 형식의 빠른 3악장으로 끝난다.
피아노 독주를 위한 소나타를 피아노 소나타라고 하며, 바이올린 소나타, 첼로 소나타, 클라리넷 소나타 등은 보통 피아노 반주를 동반한다. 3중주곡, 4중주곡 등도 각기 3개, 4개의 악기를 위한 소나타 형식의 악곡이다. 마찬가지로 협주곡은 독주 악기(또는 독주 악기군)와 관현악을 위한 소나타로 볼 수 있으며, 교향곡 역시 관현악을 위한 소나타의 구조를 따른다.
고전주의 시대 소나타는 이탈리아의 스카를라티, 클레멘티, 만하임 악파의 슈타미츠 부자, 바흐의 아들들인 엠마누엘 바흐와 크리스티안 바흐 등에 의해 그 기틀이 마련되었고, 하이든과 모차르트를 거쳐 베토벤에 이르러 형식과 내용 면에서 절정을 맞이했다. 특히 베토벤의 32개의 피아노 소나타는 바흐의 《평균율 클라비어곡집》이 음악의 '구약성서'로 불리는 것에 비견되어 음악의 '신약성서'로 불릴 만큼 중요한 위치를 차지하며, 후대 작곡가들에게 큰 영향을 미쳤다.
주요 고전주의 시대 소나타 예시는 다음과 같다.
- 모차르트
- 피아노 소나타 8번 A단조 (K. 310)
- 피아노 소나타 11번 A장조 (K. 331/300i) "터키 행진곡"
- 피아노 소나타 16번 C장조 (K. 545) "쉬운 소나타"
- 바이올린과 건반을 위한 소나타 A장조 (K. 526)
- 하이든
- 피아노 소나타 62번 E♭장조, Hob.XVI:52
- 베토벤
- 피아노 소나타 8번 C단조 "비창"
- 피아노 소나타 14번 C♯단조 "월광"
- 피아노 소나타 23번 F단조 "열정"
- 바이올린 소나타 5번 F장조 "봄"
- 바이올린 소나타 9번 A장조 "크로이처"
- 첼로 소나타 3번 A장조
- 슈베르트 (고전주의 말기 ~ 낭만주의 초기)
- 피아노 소나타 A장조, D. 959
- 피아노 소나타 B♭장조, D. 960
2. 3. 낭만주의 시대 이후의 소나타
낭만파 이후의 소나타에서는 형식 자체의 발전은 크게 두드러지지 않았으나, 작곡가 개인의 독창적인 개성이 담긴 소나타가 많이 작곡되었다. 이 시기의 중요한 소나타 작곡가로는 베버, 슈베르트, 슈만, 쇼팽, 리스트, 브람스, 드보르자크, 프랑크, 생상스, 포레 등이 있다. 현대로 넘어와서는 스크랴빈, 드뷔시, 레거, 프로코피예프, 바르토크, 힌데미트, 쇼스타코비치, 스트라빈스키 등이 중요한 소나타 작품을 남겼다.19세기 초, '소나타'라는 용어는 단순히 특정 형식을 넘어 잘 짜인 연주 음악의 일반적인 규범으로 자리 잡았다. 음악 이론에서는 추상적인 음악 형식과 특정 작품 모두를 '소나타'로 지칭하게 되었으며, 윌리엄 뉴먼은 이를 '소나타 이념'이라고 불렀다. 예를 들어, 교향곡을 '오케스트라를 위한 소나타'로 이해하는 관점이 생겨났다.
특히 피아노를 위한 소나타는 이 시대에 활발히 작곡되었다. 쇼팽의 세 개의 소나타, 멘델스존의 소나타, 슈만의 세 개의 소나타, 리스트의 기념비적인 B단조 소나타, 그리고 이후 브람스와 라흐마니노프의 소나타 등이 대표적이다. 라흐마니노프의 첼로와 피아노를 위한 소나타 G 단조, 작품 19 (1901) 역시 이 시기의 중요한 작품 중 하나이다.[3]
19세기 초, 소나타 형식은 하이든, 모차르트, 베토벤과 같은 고전주의 거장들의 작품과 클레멘티 등 다른 작곡가들의 실제 작곡 관행을 종합하여 이론적으로 정의되었다. 이 시기에는 3악장 구성(주로 협주곡)과 4악장 구성(주로 교향곡)의 차이에 대한 논의도 이루어졌다.
하지만 소나타 형식이 지나치게 규범화되는 것에 대한 비판도 제기되었다. 음악 평론가 어니스트 뉴먼은 소나타 형식이 18세기에는 자연스러운 표현 방식이었으나, 19세기에는 작곡가의 개인적인 아이디어 전개를 방해하는 틀이 되었고, 현대에 와서는 형식만 따르는 작곡가들이 자신의 부족함을 감추는 수단으로 전락했다고 지적하기도 했다.
그럼에도 불구하고 소나타는 확장된 음악적 논리를 펼치는 데 유용한 중요한 음악 형식으로 남아 있다. 힌데미트, 프로코피예프, 쇼스타코비치, 타유페르, 우스트볼스카야, 존 윌리엄스와 같은 현대 작곡가들은 계속해서 소나타 형식으로 작품을 썼으며, 전통적인 소나타 구조를 가진 작품들은 오늘날에도 꾸준히 작곡되고 연주되고 있다. 쇼팽의 피아노 소나타 2번 '장송 행진곡', 리스트의 B단조 소나타, 브람스의 여러 기악 소나타들, 프로코피예프의 피아노 소나타 7번 '스탈린그라드' 등은 낭만주의 이후 소나타의 중요한 예시로 꼽힌다.
3. 형식으로서의 소나타
고전 시대의 소나타는 18세기 말에서 19세기 초에 걸쳐 하이든, 모차르트, 베토벤으로 대표되는 빈 고전파 작곡가들에 의해 완성되었고, 낭만주의 음악으로 계승된 다악장 형식의 기악곡을 말한다. 소나타 형식은 고전 시대부터 20세기까지 음악 구조의 가장 중요한 원칙 중 하나인 '소나타 원리'를 구현하며, 확장된 음악적 논거를 제시하는 중요한 형식으로 여겨진다.
소나타는 보통 빠르기나 성격이 다른 3개 또는 4개의 악장으로 구성된다. 전형적인 4악장 구성은 다음과 같다.
- '''제1악장''': 빠른(알레그로) 속도의 소나타 형식으로, 때로는 완만한 도입부를 갖기도 한다.
- '''제2악장''': 느린(아다지오) 악장으로, 서정적인 성격을 가지며 리트 형식, 소나타 형식, 또는 변주곡 형식 등이 사용된다. 조성은 보통 제1악장의 근친조이다.
- '''제3악장''': 조금 빠른(스케르초 또는 미뉴에트) 춤곡 악장이다. 미뉴에트-트리오-미뉴에트 또는 스케르초-트리오-스케르초의 복합 3부 형식을 따른다. 베토벤 이후에는 스케르초가 주류가 되었다. 조성은 으뜸조인 경우가 많으나, 제2악장과 순서가 바뀌기도 한다.
- '''제4악장(종악장)''': 빠른(알레그로) 피날레 악장으로, 론도 형식이나 소나타 형식이 주로 사용되며, 때로는 론도 소나타 형식이나 변주곡 형식을 취하기도 한다. 조성은 으뜸조이며, 으뜸조가 단조일 경우 같은으뜸조 장조로 끝나기도 한다.
위에 제시된 4악장 구성은 전형적인 예시일 뿐, 실제로는 다양한 구성이 존재한다. 고전 시대의 피아노 소나타나 협주곡의 상당수는 보통 제3악장(미뉴에트 또는 스케르초)을 생략한 3악장 구성을 가진다. 그 외에도 2악장 구성(하이든은 1790년대까지 이 방식을 사용)이나 드물게는 1악장, 또는 5악장 이상의 소나타도 찾아볼 수 있다. 예를 들어 베토벤의 유명한 월광 소나타는 느린 악장으로 시작하여 2악장 미뉴에트를 거쳐 소나타 형식의 3악장으로 끝난다.
고전 시대로의 전환기에는 디베르티멘토, 세레나데, 파르티타 등 다악장 기악 작품을 지칭하는 여러 이름이 있었는데, 이 중 상당수가 오늘날에는 사실상 소나타로 간주된다. '소나타'라는 용어가 이러한 작품들의 표준적인 명칭으로 자리 잡기 시작한 것은 1770년대 무렵이다. 하이든은 1771년 자신의 첫 피아노 소나타에 이 용어를 사용했으며, 이후 '소나타'는 점차 건반 악기 독주곡(피아노 소나타)이나 건반 악기와 다른 악기 하나(예: 바이올린 소나타, 첼로 소나타)를 위한 작품을 주로 가리키게 되었다. 두 명 이상의 기악 연주자를 위한 작품(예: 피아노 삼중주)에는 '소나타'라는 명칭이 점점 덜 사용되었다.
초기 고전 시대에는 3악장 구성이 일반적이었으나, 점차 4악장 구성이 표준으로 자리 잡게 되었다. 이는 현악 사중주와 교향곡에서 먼저 나타났고, 베토벤의 초기 소나타들을 통해 소나타 자체에도 정착되었다. 그럼에도 3악장이나 2악장 소나타 역시 고전 시대를 거쳐 계속 작곡되었다. 표준적인 4악장 구성의 순서는 다음과 같다.
# 알레그로, 제시부, 발전부, 재현부를 갖춘 소나타 형식.
# 느린 악장, 안단테, 아다지오 또는 라르고.
# 춤곡 악장, 주로 미뉴에트와 트리오 또는 고전 시대 후기에는 스케르초와 트리오.
# 빠른 템포의 피날레, 종종 소나타-론도 형식.
악장 순서가 이 표준에서 벗어나는 경우도 있는데, 예를 들어 베토벤의 교향곡 9번에서는 스케르초가 느린 악장 앞에 온다.
19세기 초에 이르러 '소나타'라는 용어는 단순히 특정 음악 형식을 넘어, 잘 짜인 기악 음악의 규범이자 이상적인 모델을 의미하게 되었다. 이를 윌리엄 뉴먼은 '소나타 이념'이라고 불렀다. 이 시기에는 교향곡을 '오케스트라를 위한 소나타'라고 부르기도 했다.
19세기 초 음악 이론가들은 이전 시대의 관행과 하이든, 모차르트, 베토벤, 그리고 클레멘티와 같은 고전 작곡가들의 작품을 종합하여 오늘날 우리가 아는 소나타 형식을 정의했다. 이 과정에서 3악장 구성(주로 협주곡)과 4악장 구성(주로 교향곡)의 특징과 차이에 대한 논의가 이루어졌다.
소나타 형식이 고전주의 시대의 중요한 성취였음에도 불구하고, 시간이 흐르면서 비판적인 시각도 등장했다. 음악 평론가 어니스트 뉴먼은 19세기 들어 소나타 형식이 작곡가의 개인적인 사고와 아이디어의 자유로운 전개를 방해하는 "지루한 잔재"가 되었다고 비판하기도 했다. 그는 소나타 형식이 18세기 음악적 사고방식에는 자연스러웠지만, 후대에는 창의성을 제약하는 틀이 될 수 있다고 보았다.
형식에 대한 비판에도 불구하고, 소나타는 20세기와 그 이후에도 여전히 중요한 음악 형식으로 남아있다. 힌데미트, 프로코피예프, 쇼스타코비치, 타유페르, 우스트볼스카야, 윌리엄스 등 많은 현대 작곡가들이 소나타 형식으로 작품을 썼으며, 전통적인 소나타 구조를 가진 작품들은 계속해서 작곡되고 연주되고 있다.
소나타 형식, 양식, 구조의 실제와 의미에 대한 연구는 음악 이론의 중요한 부분을 차지한다. 하인리히 쉥커, 아르놀트 쇤베르크, 찰스 로젠 등 저명한 이론가들은 소나타에 대한 중요한 분석과 이론적 저작을 남겼다. 거의 2세기 동안 음악 교육은 소나타 형식의 규칙에 대한 이해와 적용을 강조해 왔으며, 이는 서양 음악 이론의 핵심적인 부분을 이루고 있다.
소나타 형식의 핵심 원리는 조성(調性) 중심적 사고에 기반한다. ''그로브 음악 간결 사전''에 따르면, '소나타 원리'는 "보완적인 조(key)에서 처음 제시된 음악 자료가 원래의 조(home key)에서 다시 제시되어야 한다"는 원칙을 구현하는 것이다.
하인리히 쉥커는 소나타를 분석하는 독자적인 이론을 제시했다. 그는 모든 조성 음악의 바탕에는 Ursatz|으르자츠de(fundamental structure|기본 구조영어)라고 하는 기본적인 선율과 화성 구조가 존재하며, 소나타는 Unterbrechung|운터브레훙de(interruption|중단영어)이라는 과정을 통해 이 기본 구조를 확장하여 전체 작품을 구성한다고 보았다. 쉥커는 자신의 이론을 바탕으로 베토벤 피아노 소나타 악보를 편집하기도 했는데, 원본 악보를 자신의 이론에 맞게 '수정'하려는 시도는 많은 논란을 낳기도 했다. 그럼에도 쉥커의 분석 방식은 오늘날 음악 이론에서 중요한 위치를 차지하며, 많은 음악 학교에서 소나타 구조를 가르치는 데 활용되고 있다.
4. 소나타의 종류
(악기 편성에 따른 분류)
(무반주 또는 피아노 반주)