미국의 음악
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1. 개요
미국의 음악은 다양한 장르와 스타일을 포괄하며, 미국 사회의 여러 측면과 밀접하게 연관되어 있다. 초기에는 아프리카계 미국인의 블루스, 재즈, 가스펠, 래그타임 등이 미국 대중음악의 기반을 다졌으며, 20세기에는 컨트리, R&B, 록, 힙합 등 다양한 장르가 발전했다. 20세기 후반에는 라틴 음악과 일렉트로닉 댄스 뮤직도 중요한 역할을 했다. 미국의 음악은 싱코페이션과 비대칭 리듬, 콜 앤드 레스폰스 형식 등 독특한 특징을 가지며, 사회 계급, 인종, 민족, 지리, 종교, 언어, 성별 등과 연관되어 다양성을 보여준다. 미국 정부는 음악 산업을 규제하고, 지적 재산권을 보호하며, 음악 교육과 학술 연구를 지원한다.
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| 미국의 음악 | |
|---|---|
| 지도 정보 | |
| 기본 정보 | |
| 국가 | 미국 |
| 정식 명칭 | 아메리카 합중국 |
| 위치 | 북아메리카 |
| 음악적 특징 | 다양하고 다문화적인 영향 다양한 장르와 스타일 대중음악 강세 기술 혁신 수용 |
| 장르 | |
| 주요 장르 | 블루스 재즈 컨트리 음악 로큰롤 힙합 음악 R&B |
| 기타 장르 | 클래식 음악 행진곡 가스펠 음악 뮤지컬 펑크 테크노 하우스 |
| 특징 | |
| 다문화 영향 | 유럽 (영국, 아일랜드, 프랑스) 아프리카 라틴 아메리카 아시아 원주민 문화 |
| 음악 산업 | 세계 최대 규모의 음악 산업 |
| 음악 교육 | 학교 및 대학에서 다양한 음악 교육 제공 |
| 기술 혁신 | 디지털 음악 및 스트리밍 기술 선도 |
| 주요 음악 도시 | |
| 주요 도시 | 뉴욕 로스앤젤레스 내슈빌 시카고 애틀랜타 뉴올리언스 |
| 음악 단체 | |
| 주요 단체 | 미국 작곡가 협회 (ASCAP) 미국 음반 산업 협회 (RIAA) 미국 레코딩 아카데미 (GRAMMY) |
| 문화적 영향 | |
| 세계적 영향력 | 세계 대중음악 트렌드 주도 음악 스타일과 패션에 영향 영화, 텔레비전, 광고 등 다양한 매체에 음악 사용 |
| 역사 | |
| 초기 역사 | 원주민 음악 전통 아프리카 노예들의 음악 유입 유럽 이주민들의 음악 유입 |
| 19세기 | 블루스와 재즈의 탄생 래그타임 음악 발전 컨트리 음악의 초기 형태 |
| 20세기 | 로큰롤, R&B, 힙합 음악의 등장 대중음악의 급격한 성장 음반 산업의 발전 |
| 21세기 | 디지털 음악 시대 스트리밍 서비스의 대중화 다양한 장르와 스타일의 공존 |
| 관련 정보 | |
| 관련 문서 | 미국 문화 |
2. 역사
미국에서 음악은 인종 관계에 큰 영향을 받았다. 유럽과 아프리카 음악이 섞이면서 블랙 뮤직이 탄생했고, 이는 역사 연구의 주요 주제이다. 식민지 시대에는 서아프리카의 다양한 음악 스타일이 노예들을 통해 섞였지만, 당시 블랙 뮤직에 대한 기록은 거의 없다.[157] 19세기 중반, 미국 흑인 민속 전통은 널리 알려졌고, 가스펠, 민스트럴 쇼, 노동요 등을 통해 블랙 뮤직은 미국 음악의 주류가 되었다.[157] 블루스, 재즈, 리듬 앤 블루스(R&B), 록큰롤, 소울 음악, 힙합 등은 블랙 뮤직에서 비롯되었으며, 인종 장벽을 넘어 미국 대중음악에 큰 영향을 미쳤다. 반면 컨트리 음악은 아프리카, 유럽, 아메리카 원주민, 하와이 전통을 포함하지만, 오랫동안 백인 음악으로 여겨졌다.[158]
미국 음악은 경제적, 사회적 계층에 따라 다르게 창작되고 소비된다. 교향악은 상류층의 후원을 받는 반면, 시골풍 민속 음악 연주자들은 대체로 가난하다. 하지만 이러한 구분은 절대적이지 않으며, 때로는 "느껴지는" 것에 불과하다.[159] 컨트리 음악은 노동자 계급의 정체성을 반영하는 상업적 장르이며,[160] 지리적 정체성과도 관련이 있어 주로 시골풍이다. R&B나 힙합은 전통적으로 도시적인 장르로 인식된다.[161]
2. 1. 초기 역사
식민지 시대 이전 아메리카 원주민들은 다양한 부족만큼이나 독특한 음악을 가지고 있었다. 이들의 음악은 대체로 영적인 성격을 띠었으며, 피리와 다양한 타악기가 사용되었다.식민지 시대에는 유럽 각지(영국, 프랑스, 스페인 등)에서 음악이 유입되었다. 특히 앵글로색슨 문화는 미국의 민속 음악과 대중음악의 기반을 형성하는 데 큰 영향을 미쳤다. 셰이커 교도와 같은 종교 공동체들은 자신들만의 독자적인 음악 문화를 발전시키기도 했다.
노예 제도를 통해 서아프리카 음악의 특징(콜 앤드 리스폰스, 복잡한 리듬 등)이 미국으로 유입되었다. 이는 노동가, 필드 홀러, 영가 등 아프리카계 미국인 민속 음악의 탄생으로 이어졌다.
3. 주요 특징
미국의 음악은 싱코페이션과 비대칭 리듬, 길고 불규칙한 선율을 사용하는 것이 특징이다. 이러한 특징은 "미국 대륙의 광활한 지리"와 "미국 생활의 개인적 자유 의식"을 반영하는 것으로 여겨진다.[2] 콜 앤드 레스폰스 형식과 같은 미국 음악의 독특한 요소는 아프리카의 기법과 악기에서 유래되었다.
미국 음악과 유럽 음악의 관계는 미국 음악 학자들 사이에서 논쟁의 대상이었다. 어떤 학자들은 유럽의 기법과 스타일을 더 많이 채택해야 한다고 주장했지만, 다른 학자들은 미국적인 스타일을 존중하는 음악적 민족주의를 옹호했다. 현대 고전 음악 학자인 존 워던 스트러블(John Warthen Struble)은 미국과 유럽 음악을 비교하면서, 미국은 수 세기 동안의 음악적 진화를 거치지 않았기 때문에 미국 음악은 본질적으로 독특하다고 결론지었다. 미국의 음악은 수십, 수백 개의 원주민과 이민자 그룹의 음악이 미국 남북 전쟁 이전까지 지역적으로 고립되어 발전하다가, 남북 전쟁 시기에 군 부대에서 사람들이 모여 음악 스타일과 관행을 교류하면서 형성되었다. 스트러블은 남북 전쟁의 발라드를 "미국에 고유한 것으로 간주할 수 있는 눈에 띄는 특징을 지닌 최초의 미국 민속 음악"이라고 평가했다.[48]
남북 전쟁 이후 시대에는 미국 예술, 문학, 음악이 전반적으로 발전했다. 이 시기의 아마추어 음악 단체는 미국 대중음악의 탄생으로 볼 수 있다. 음악 저술가 데이비드 이웬(David Ewen)은 이러한 초기 아마추어 밴드가 고전 음악의 깊이와 드라마를 쉬운 기법과 결합하여 복잡성을 없애고 직접적인 표현을 선호했다고 설명했다. 또한, 그는 영어 가사를 사용한 점을 언급하며, 이는 남북 전쟁 이후 미국의 전반적인 각성의 일부였고, 미국 예술가들이 미국적인 주제를 다룬 시대였다고 평가했다.[3] 이 시기에 블루스, 가스펠, 재즈, 컨트리 음악의 뿌리가 형성되었고, 20세기에는 리듬 앤 블루스, 록 앤 롤, 힙합 음악 등으로 발전하며 미국 대중음악의 핵심이 되었다.
3. 1. 사회적 정체성과의 연관성
미국의 음악은 사회 계급, 인종, 민족, 지리, 종교, 언어, 성별, 성적 지향 등 미국 사회 및 문화 정체성의 여러 측면과 밀접하게 연관되어 있다.[4]음악과 인종의 관계는 미국에서 음악적 의미를 결정하는 가장 강력한 요인으로 여겨진다. 아프리카계 미국인 음악 정체성의 발전은 미국 음악사의 끊임없는 주제였다. 식민지 시대 아프리카계 미국인 음악에 대한 기록은 거의 없지만, 이 시기에 서아프리카 전역의 스타일, 노래 및 악기가 유럽 스타일 및 악기와 혼합되어 노예들이 새로운 장르와 자기 표현을 만들어냈다. 19세기 중반까지는 독특한 아프리카계 미국인 민속 전통이 널리 알려졌고, 영가, 민스트럴 쇼, 노예 노래를 통해 아프리카계 미국인 음악 기법, 악기 및 이미지가 미국 주류 음악의 일부가 되었다.[4]
블루스, 재즈, 리듬 앤 블루스, 록 앤 롤, 소울, 힙합 등 아프리카계 미국인 음악 스타일은 미국 대중 음악의 필수적인 부분이 되었다. 이러한 스타일은 모든 인종의 미국인들이 소비했지만, 아프리카계 미국인 스타일과 관용구로 만들어진 후 결국 인종에 관계없이 공연과 소비에서 일반화되었다. 반면, 컨트리 음악은 아프리카와 유럽뿐만 아니라 아메리카 원주민과 하와이 전통에서 유래했으며 오랫동안 백인 음악의 한 형태로 여겨져 왔다.[5]
경제적 및 사회적 계급은 음악의 창작과 소비를 통해 미국의 음악을 구분한다. 상류층의 심포니 애호가 후원과 시골 및 소수 민족 민속 음악의 일반적으로 가난한 연주자들과 같이, 계급에 기반한 음악적 분열은 절대적인 것이 아니며, 실제보다 인식되는 측면이 더 클 때도 있다.[6] 예를 들어, 미국 대중 컨트리 음악은 "청취자가 실제로 노동 계급이든 아니든 노동 계급 정체성에 호소하도록" 설계된 상업적 장르이다.[7] 컨트리 음악은 지리적 정체성과도 밀접하게 관련되어 있으며, 특히 시골 출신이고 기능적이며, R&B와 힙합과 같은 다른 장르는 본질적으로 도시적이라고 인식된다.[8]
미국의 역사 대부분에서 음악 제작은 "여성화된 활동"이었다.[9] 19세기에 아마추어 피아노와 노래는 중산층과 상류층 여성에게 적절한 것으로 여겨졌다. 여성들은 초기 대중 음악 공연의 주요 부분이었지만, 기록된 전통은 빠르게 남성이 더 지배하게 되었다. 대부분의 남성 중심의 대중 음악 장르에는 여성 연주자도 포함되며, 종종 주로 여성에게 어필하는 틈새 시장에서 활동하는데, 여기에는 갱스터 랩과 헤비메탈이 포함된다.[10]
3. 2. 다양성
미국은 세계 각국의 영향을 받아 독특한 새로운 문화 표현 방식을 만들어내는 문화적 용광로라고 불린다. 미국 음악은 이식과 혼합 기법, 악기 및 장르를 통해 끊임없이 진화해 왔기 때문에, 특정 문화에 음악 요소의 기원을 귀속시키는 것은 본질적으로 문제가 있다. 외국 음악 요소는 교육 및 봉사 활동에 대한 공식적인 후원, 그리고 노예 제도를 통한 서아프리카 음악 이식이나 이민을 통한 아일랜드 음악 이식과 같은 비공식적인 과정을 통해 미국에 들어왔다. 미국의 음악은 밀접한 접촉을 통한 문화 간 혼합의 결과인데, 예를 들어 노예 제도는 여러 부족 출신 사람들을 좁은 거주 공간에 섞어 놓았고, 이는 토착, 라틴 및 유럽 음악 요소와의 추가적인 혼합을 통해 공유된 음악 전통을 만들었다.[11] 미국의 민족, 종교, 인종 다양성은 루이지애나 크리올의 프랑스-아프리카 음악, 테하노 음악과 같이 원주민, 멕시코 및 유럽 요소가 융합된 음악, 슬랙키 기타를 포함한 현대 하와이 음악과 같은 혼합 장르를 만들어냈다.문화 간 음악 이식 과정은 비판 없이 이루어진 것은 아니다. 20세기 중반의 포크 리바이벌은 특정 정치적 목표를 홍보하기 위해 여러 농촌 사람들의 음악을 도용했는데, 이는 일부 사람들에게 "다른 사람들의 노래의 상업적 상품화...그리고 의미의 불가피한 희석"을 야기했는지에 대한 의문을 제기하게 했다. 특히 백인 미국인에 의해, 그리고 백인 미국인을 위해 대중 음악에서 아프리카계 미국인의 음악 기법, 이미지 및 개념을 사용하는 것은 적어도 19세기 중반 스티븐 포스터의 노래와 민스트럴 쇼 이후로 광범위하게 행해져 왔다. 미국 음악 산업은 주류 및 중산층 미국인에게 더 받아들여지기 쉽다는 이유로 아프리카계 미국인 음악의 백인 연주자를 적극적으로 대중화하려고 시도했다. 이 과정은 베니 굿맨, 에미넘, 엘비스 프레슬리와 같은 스타의 부상과 블루아이드 소울, 록어빌리와 같은 인기 스타일과 관련이 있다.[11]
4. 장르별 특징
미국은 다양한 장르의 음악이 발전해 온 곳이다. 민속 음악은 여러 민족 집단에 따라 다양하게 나타나며, 아프리카계 미국인 음악은 블루스와 가스펠로 대표된다. 이들은 서아프리카 음악의 영향을 받아 유럽 음악과 혼합되었다. 식민지 시대에는 잉글랜드, 프랑스, 스페인 등의 음악 스타일과 악기가 도입되었다. 20세기 초에는 폴카, 우크라이나 및 폴란드 바이올린 연주, 아슈케나지, 클레즈머, 라틴 음악 등 다양한 민속 음악의 중심지가 되었다.
고전 음악은 유럽의 예술, 교회 음악, 콘서트 음악 전통에 뿌리를 두고 있다. 19세기 후반까지 많은 미국 작곡가들은 유럽 스타일을 따랐지만, 안토닌 드보르자크의 영향으로 미국적인 고전 음악 스타일을 만들기 시작했다. 20세기에는 재즈와 블루스 등 다양한 요소를 통합한 조지 거슈인, 애런 코플랜드, 찰스 아이브스 등의 작곡가들이 등장했다.
대중음악은 래그타임이나 틴 팬 앨리에서 시작되었지만, 르네상스 시대의 광엽과 발라드 등 다양한 전통에서 기원을 찾을 수 있다. 초기 대중음악은 토마스 페인(Thomas Paine)의 "자유의 나무(The Liberty Tree)"와 같은 애국적인 민요였으며, "양키 두들(Yankee Doodle)"과 같은 피프 음악이 유명했다. 남북 전쟁 이후에는 민스트럴 쇼가 등장하여 스티븐 포스터(Stephen Foster)와 같은 인기 작곡가를 배출했다. 20세기 초에는 존 필립 수사(John Philip Sousa)가 군악 행진곡을 작곡하여 인기를 얻었다.
- '''블루스'''는 아프리카계 미국인 민속 음악에서 유래하여 현대 미국 대중음악의 기반이 되었다. 초기 블루스는 호응창 형태의 보컬 음악이었으며, 영적 음악과 결합하여 가스펠 음악의 기반이 되었다. 레그타임은 싱코페이션 리듬과 색채를 특징으로 하는 피아노 스타일로, 스콧 조플린(Scott Joplin)이 대표적인 작곡가이다. 1920년대에는 클래식 여성 블루스 가수들이 인기를 얻었고, 레이스 뮤직 분야가 개척되었다. 델타 블루스 음악가 로버트 존슨(Robert Johnson)과 피에드몬트 블루스 음악가 블라인드 윌리 맥텔(Blind Willie McTell) 등이 블루스 발전에 큰 영향을 미쳤다.
- '''재즈'''는 스윙과 블루 노트, 즉흥 연주를 특징으로 하는 음악 장르이다. 서아프리카 음악 전통과 블루스, 레그타임, 유럽 군악대 음악에서 뿌리를 찾는다. 루이 암스트롱(Louis Armstrong)과 얼 하인즈(Earl Hines)는 재즈 발전에 중요한 역할을 했으며, 스캣(scat singing)을 대중화했다. 1930년대에는 스윙 재즈가 인기를 얻었고, 1940년대에는 비밥(bebop)이 등장하여 하드 밥(hard bop)과 프리 재즈(free jazz)로 발전했다. 찰리 파커(Charlie Parker)와 디지 길레스피(Dizzy Gillespie) 등이 비밥의 혁신가였다.
- '''컨트리 음악'''은 아프리카계 미국인 블루스와 영적인 음악, 애팔래치아 민속 음악의 융합으로 시작되었다. 초기 컨트리 음악은 바이올린, 반조, 기타 등의 악기를 사용했으며, 1927년 지미 로저스와 카터 패밀리의 녹음이 상업적 컨트리 음악의 시작으로 여겨진다. 행크 윌리엄스는 컨트리 음악의 발전에 큰 영향을 미쳤으며, 1960년대에는 내슈빌 사운드가 등장했다. 조니 캐시와 같은 공연자들은 인기를 유지했으며, 1970년대에는 아웃로 컨트리가 등장했다. 1980년대에는 얼터너티브 컨트리가 등장했으며, 2000년대에는 가스 브룩스와 같은 록 지향적인 컨트리 음악 아티스트들이 인기를 얻었다.
- '''리듬 앤 블루스'''(R&B)는 1930년대와 1940년대에 등장한 음악 장르로, 루이 조던과 같은 밴드 리더들이 초기 R&B 사운드를 혁신했다. 1960년대에는 모타운 레코드가 큰 성공을 거두었으며, 포 탑스, 템테이션스, 슈프림스, 스티비 원더 등이 대표적인 아티스트이다. 소울 음악은 리듬 앤 블루스와 가스펠의 결합으로 1950년대 후반에 시작되었으며, 레이 찰스, 샘 쿡, 제임스 브라운 등이 대표적인 아티스트이다. 1960년대 후반에는 아레사 프랭클린이 인기를 얻었으며, 소울은 펑크 등 다양한 장르로 분화되었다. 1980년대에는 컨템포러리 R&B가 등장하여 마이클 잭슨, 프린스, 휘트니 휴스턴 등이 인기를 얻었다. 1990년대에는 뉴 잭 스윙, 힙합 소울, 네오 소울 등이 등장했으며, 메리 제이 블라이지, 알 켈리, 디엔젤로, 에리카 바두, 알리샤 키스, 로린 힐 등이 대표적인 아티스트이다.
- '''팝 음악'''은 1950년대 중반 미국과 영국에서 현대적 형태로 시작되었으며, 빙 크로스비는 "노래의 제왕" 또는 "대중음악의 제왕"이라는 별명을 얻은 최초의 아티스트 중 한 명이었다. 1980년대에는 MTV와 같은 음악 텔레비전 채널의 부상으로 마이클 잭슨과 마돈나와 같은 아티스트들이 인기를 얻었다.
4. 1. 민속 음악
미국의 민속 음악은 전국에 걸쳐 다양한 민족 집단에 걸쳐 다양하다. 북미 원주민 부족들은 각자 독특한 민속 음악을 연주하며, 그 대부분은 영적인 성격을 띤다. 아프리카계 미국인 음악에는 블루스와 가스펠이 포함되는데, 이들은 노예들이 아메리카 대륙으로 가져온 서아프리카 음악의 후손으로 서유럽 음악과 혼합되었다. 식민지 시대에는 잉글랜드, 프랑스 및 스페인 스타일과 악기가 아메리카 대륙으로 들어왔다. 20세기 초 미국은 폴카, 우크라이나 및 폴란드 바이올린 연주, 아슈케나지, 클레즈머 및 여러 종류의 라틴 음악을 포함하여 전 세계의 민속 음악의 주요 중심지가 되었다.북미 원주민들은 현재 미국이라고 불리는 곳에서 다양한 스타일과 기법을 사용하여 최초의 민속 음악을 연주했다. 그러나 북미 원주민 전통 음악에는 특히 화성과 다성의 부재, 보컬 및 내림 음계 사용과 같은 몇 가지 공통점이 있다. 전통 악기에는 피리와 타악기의 여러 종류, 예를 들어 드럼, 흔들개 및 쉐이커가 사용된다.[12] 유럽과 아프리카와의 접촉이 이루어진 이후로 북미 원주민 민속 음악은 유럽 민속 무용 및 테하노 음악과 같은 이질적인 스타일과의 융합으로 새로운 방향으로 발전했다. 현대 북미 원주민 음악은 전통적인 스타일의 춤과 음악이 공연되는 부족 간의 모임인 파우와우로 가장 잘 알려져 있을 것이다.[13]
원래 미국의 13개 식민지는 모두 이전 영국령이었으며, 앵글로 문화는 미국 민속 및 대중 음악의 주요 기반이 되었다. 많은 미국 민속 노래는 편곡에서 영국 노래와 동일하지만 새로운 가사를 사용하며, 종종 원곡의 패러디이다. 미국-앵글로 노래는 또한 펜타토닉 선율이 적고, 반주가 덜 두드러지지만(드론 사용이 더 많음) 장조 선율이 더 많다는 특징이 있다.[14] 앵글로-아메리카 전통 음악에는 다양한 광고지 발라드, 유머러스한 이야기와 허풍 이야기, 그리고 광산, 난파선 및 살인에 관한 재난 노래가 포함된다. 조 마가락(Joe Magarac), 존 헨리, 제시 제임스와 같은 전설적인 영웅들은 많은 노래의 일부이다. 영국 출신의 민속 무용에는 사각무가 포함되는데, 이는 콰드릴에서 유래하여 미국식 혁신인 춤추는 사람들에게 지시하는 콜러와 결합되었다.[15] 쉐이커로 알려진 종교적 공동체 사회는 18세기 동안 영국에서 이주하여 자신들만의 민속 무용 스타일을 개발했다. 그들의 초기 노래는 영국 민속 노래 모델로 거슬러 올라갈 수 있다.[16] 다른 종교 사회들도 미국 역사 초기에 아미시 음악, 하모니 사회, 펜실베이니아의 에프라타 수도원과 같이 자신들만의 독특한 음악 문화를 확립했다.[17]
오늘날 아프리카계 미국인 인구의 조상들은 노예로 미국으로 끌려와 주로 남부의 농장에서 일했다. 그들은 서아프리카 전역의 수백 개 부족 출신이었으며, 서아프리카 음악의 특징인 호응 보컬과 복잡한 리듬 음악[18]뿐만 아니라 싱코페이션 비트와 변화하는 악센트를 가지고 왔다.[19] 아프리카 음악의 리듬 있는 노래와 춤에 대한 초점은 신세계로 가져와 아프리카인들이 "음악을 통해 과거와의 연속성을 유지"하는 데 도움이 된 독특한 민속 문화의 일부가 되었다. 미국의 최초 노예들은 작업 노래, 밭 노래[20] 및 기독교화 이후 찬송가를 불렀다. 19세기에 종교적 열정의 대각성이 전국, 특히 남부 사람들을 사로잡았다. 주로 뉴잉글랜드 설교자들이 작곡한 프로테스탄트 찬송가는 남부 전역의 독실한 기독교인들 사이에서 열린 야영 집회의 특징이 되었다. 흑인들이 이 찬송가의 각색 버전을 부르기 시작했을 때, 그들은 흑인 영적이라고 불렸다. 영적 노래, 작업 노래 및 밭 노래의 이러한 뿌리에서 블루스, 재즈 및 가스펠이 발전했다.
영적 음악(Spirituals)은 주로 남부 농장의 노예들이 부른 종교적 신앙의 표현이었다.[21] 19세기 중후반, 영적 음악은 미국 남부를 넘어 퍼져나갔다. 1871년 피스크 대학교는 영적 음악을 전국적으로 유행시킨 선구적인 그룹인 피스크 주빌리 가수단의 본거지가 되었다. 이 그룹을 모방하여 복음 4중창이 등장했고, 20세기 초 잭레그(jackleg)와 설교하는 가수들의 부상과 함께 다양화가 진행되어 인기 있는 가스펠 음악 스타일이 탄생했다.
블루스는 아프리카 노동가요, 들판 함성, 외침의 조합이다.[22] 20세기 첫 10년 동안 남부 시골 지역에서 발전했다. 블루스의 가장 중요한 특징은 3도가 플랫(flat)하거나 불확정인 블루스 음계를 사용하는 것과 전형적으로 슬퍼하는 가사이다. 이러한 요소들은 20세기 이전 아프리카계 미국인 민속 음악에도 존재했지만, 현대 블루스의 체계화된 형태(AAB 구조 등)는 20세기 초까지 존재하지 않았다.[23]
미국은 수많은 민족 집단으로 이루어진 용광로이다. 이들 중 많은 사람들은 고국의 민속 전통을 이어오면서 종종 외국 음악의 독특한 미국식 스타일을 만들어냈다. 일부 국적의 사람들은 뉴잉글랜드의 카보베르데 음악[24], 캘리포니아의 아르메니아 음악[25], 뉴욕시의 이탈리아 음악과 우크라이나 음악[26]처럼 그들이 모여 사는 지역에 지역적인 음악 장면을 만들어냈다.
크리올인들은 다양한 비앵글로-색슨계 조상을 가진 공동체로, 대부분 미국이 루이지애나를 매입하기 전에 루이지애나에 살았던 사람들의 후손이다. 카주인들은 캐나다의 아카디아를 떠난 후 루이지애나에 도착한 프랑코폰 집단이다.[27] 주요 항구 도시인 루이지애나주 뉴올리언스는 카리브해 분지 전역의 사람들을 위한 용광로 역할을 해왔다. 그 결과 카주 음악과 크리올 음악의 다양하고 혼합적인 스타일이 탄생했다.
스페인과 그 후 멕시코는 멕시코-미국 전쟁까지 텍사스주 전체를 포함한 현재 미국의 서부 대부분을 지배했다. 텍사스가 미국에 합병된 후, 주에 살고 있던 원주민 테하노들은 남쪽 이웃과는 문화적으로 별개로 발전하기 시작했고, 다른 텍사스인들과도 문화적으로 구별되었다. 초기 테하노 음악의 발전에 중추적인 역할을 한 것은 마리아치와 코리도와 같은 전통적인 멕시코 형식과 19세기 후반 독일과 체코 정착민들이 도입한 유럽 대륙 스타일의 조화였다.[28] 특히 아코디언은 20세기 초 테하노 민속 음악가들에 의해 채택되었고, 텍사스와 멕시코 북부의 아마추어 음악가들에게 인기 있는 악기가 되었다.
4. 2. 클래식 음악
고전 음악은 최초의 식민 개척자들과 함께 미국에 전해졌다. 유럽 고전 음악은 유럽 예술, 교회 음악, 콘서트 음악의 전통에 뿌리를 두고 있다. 많은 미국 고전 음악 작곡가들은 19세기 후반까지 유럽 모델 내에서 전적으로 작업하려고 시도했다. 안토닌 드보르자크가 1892년부터 1895년까지 미국을 방문했을 때, 그는 미국 고전 음악은 유럽 작곡가들을 모방하는 대신 자체 모델이 필요하다는 생각을 반복했으며, 이는 후대 작곡가들이 독특한 미국식 고전 음악 스타일을 만들도록 영감을 주었다.[29]
식민지 시대에는 현재 고전 음악으로 간주되는 두 가지 독립적인 영역이 있었다. 하나는 아마추어 작곡가와 교육자들과 관련이 있는 것으로, 그들의 스타일은 원래 단순한 찬송가에서 비롯되어 시간이 지남에 따라 세련됨을 더해갔다. 다른 식민지 시대의 전통은 필라델피아와 볼티모어와 같은 대서양 중부 도시들의 전통으로, 유럽 모델 내에서 거의 전적으로 활동한 많은 저명한 작곡가들을 배출했다. 이들 작곡가 대부분은 영국 출신이었으며, 당시 저명한 영국 작곡가들의 스타일로 작곡했다.[30]
고전 음악은 식민지 시대에 미국으로 전해졌다. 이 시대의 많은 미국 작곡가들은 유럽 모델로만 작곡했지만, 서플라이 벨처와 저스틴 모건과 같이 "초기 뉴잉글랜드 학파"로 알려진 일부 작곡가들은 유럽 모델과 거의 완전히 독립적인 스타일을 개발했다.[31] 미국의 초기 작곡가들 중에는 보스턴 출신으로 1770년대에 애국적인 찬송가를 작곡한 윌리엄 빌링스가 있다.[32] 그는 또한 "미국 교회 합창단의 창립자이자, 피치 파이프를 최초로 사용한 음악가이자, 교회 예배에 비올론첼로를 최초로 도입한 사람"으로 영향력이 있었다.[33] 이들 작곡가 중 많은 수가 아마추어 가수들이었으며, 아마추어들이 연주하기에 적합한 새로운 형태의 성악곡을 개발했고, 당시 유럽 표준으로는 기이하다고 여겨질 수 있는 화성법을 사용하는 경우가 많았다.[34]
19세기 초 미국은 앤서니 하인리히와 같이 독특하고 의도적으로 미국 스타일로 작곡하고 교향악단을 위해 작곡한 최초의 미국 작곡가인 다양한 작곡가들을 배출했다. 윌리엄 헨리 프라이와 조지 프레더릭 브리스토우를 비롯한 다른 많은 작곡가들은 미국 고전 음악 스타일을 지지했지만, 그들의 작품은 매우 유럽적인 성향을 띠었다. 그러나 유럽에서 인정받은 최초의 미국 작곡가는 존 놀스 페인이었다. 페인의 사례는 에이미 비치, 에드워드 맥도웰, 호레이쇼 파커와 같은 "제2 뉴잉글랜드 학파" 작곡가들에게 영감을 주었다.[36]
루이 모로 고트쇼크는 19세기 미국에서 가장 기억에 남는 작곡가일 것이다. 음악 역사가 리처드 크로포드는 그를 "토착 또는 민속 주제와 리듬을 콘서트홀 음악에 도입한 것"으로 알려져 있다고 말했다. 고트쇼크의 음악은 다양한 라틴 아메리카, 카리브해, 아프리카계 미국인, 카주인, 크리올 음악의 고향인 루이지애나 주 뉴올리언스의 문화적 혼합을 반영했다.[37]
20세기 초가 되자 많은 미국 작곡가들은 재즈와 블루스에서 아메리카 원주민 음악에 이르기까지 다양한 요소들을 작품에 통합하기 시작했다. 뉴욕 클래식 음악계에는 뉴욕주 엘마이라 출신의 찰스 그리피스가 있었는데, 그는 1914년부터 가장 혁신적인 작품들을 발표하기 시작했다. 뉴욕 출신 작곡가 중 가장 유명한 사람은 조지 거슈인이다. 틴 팬 알리와 브로드웨이 극장의 작곡가였던 거슈인의 작품은 재즈의 영향을 크게 받았다. 거슈인의 작품은 미국 클래식 음악에 더욱 초점을 맞추게 했고, 전례 없는 국제적인 관심을 끌었다. 거슈인에 이어 주요 작곡가는 브루클린 출신의 애런 코플랜드였는데, 그는 미국 민속 음악의 요소들을 사용했지만, 기법과 형식은 유럽적이었다. 후에 그는 발레와 연속 음악으로 전향했다.[38] 찰스 아이브스는 지속적인 국제적인 중요성을 지닌 초기 미국 클래식 작곡가 중 한 명으로, 독특한 미국식 스타일의 음악을 만들었지만, 그의 음악은 1954년 사후까지는 거의 알려지지 않았다.
20세기 후반의 많은 작곡가들, 예를 들어 존 케이지, 존 코릴리아노, 테리 라일리, 스티브 라이히, 존 애덤스, 미구엘 델 아길라는 모더니즘과 미니멀리즘 기법을 사용했다. 라이히는 페이징이라는 기법을 발견했는데, 이는 두 개의 음악적 활동이 동시에 시작되어 반복되면서 점차 동기화가 벗어나 자연스러운 발전을 만들어내는 기법이다. 라이히는 비서구 음악에도 매우 관심이 많았으며, 그의 작품에 아프리카 리듬 기법을 통합했다.[39] 최근의 작곡가들과 연주가들은 볼티모어 출신의 필립 글래스, 머리디스 몽크 등의 미니멀리즘 작품의 영향을 강하게 받고 있다.[40]
4. 3. 대중음악
미국은 현대 세계에서 많은 대중 음악가와 작곡가를 배출했으며, 음악 녹음의 시작과 함께 미국 음악가들은 대중음악 분야를 계속해서 이끌어 왔다. 대중음악의 역사는 대부분 미국의 래그타임이나 틴 팬 앨리부터 시작하지만, 다른 역사가들은 ''대중음악''의 기원을 르네상스 시대로 거슬러 올라가 광엽과 발라드, 그리고 다른 대중적인 전통을 통해 추적하기도 한다.[43]
초기 대중음악은 독립 혁명 당시의 애국적인 민요였으며, 여기에는 토마스 페인(Thomas Paine)의 "자유의 나무(The Liberty Tree)"가 포함된다. 초기 애국가는 값싼 광고지로 인쇄되어 식민지 전역에 퍼져 가정과 공공 집회에서 연주되었다.[44] 특히 피프 음악이 유명했고, 미국 독립 혁명 당시 전장에서 연주되었다. 이러한 피프 음악 중 가장 오래 지속된 것은 오늘날에도 여전히 잘 알려진 "양키 두들(Yankee Doodle)"이다.[45] "만세, 콜럼비아(Hail, Columbia)"는 주요 작품[46]이었으며, "성조기여 영원하라(The Star-Spangled Banner)"가 채택될 때까지 비공식 국가가문으로 남아 있었다.
남북 전쟁 당시에는 다양한 미국 음악의 흐름이 서로 교류하기 시작했는데, 이 과정은 발전하는 철도 산업과 여행과 통신을 더 쉽게 만든 다른 기술 발전에 의해 촉진되었다. 군 부대에는 전국 각지의 사람들이 포함되어 있었고, 그들은 빠르게 곡조, 악기, 기술을 교환했다. 전쟁은 엄청난 인기를 얻고 유지된 독특한 미국 노래를 만드는 원동력이었다.[48] 남북 전쟁 시대의 가장 인기 있는 노래에는 다니엘 데커터 에멧(Daniel Decatur Emmett)이 작곡한 "딕시"가 포함된다.[49]
남북 전쟁 이후 민스트럴 쇼는 최초의 독특한 미국 음악 표현 형태가 되었다. 민스트럴 쇼는 희극적인 스케치, 다양한 공연, 춤, 음악으로 구성된 미국 고유의 오락 형태로, 일반적으로 백인들이 검정 얼굴 분장(blackface)을 하고 공연했다. 민스트럴 쇼는 음악 공연에서 흑인 요소를 사용했지만 단순화된 방식으로만 사용했다. 쇼의 줄거리는 흑인을 타고난 노예이자 바보로 묘사하여 결국 노예제 폐지 운동과 관련되게 되었다.[51] 민스트럴 쇼는 다니엘 데커터 에멧(Daniel Decatur Emmett)과 버지니아 민스트럴(Virginia Minstrels)이 고안했다.[52] 민스트럴 쇼는 미국 음악사에서 최초로 기억에 남는 인기 작곡가들을 배출했다. 토마스 D. 라이스(Thomas D. Rice), 다니엘 데커터 에멧(Daniel Decatur Emmett), 그리고 가장 유명하게는 스티븐 포스터(Stephen Foster)이다.
작곡가 존 필립 수사(John Philip Sousa)는 20세기 초 미국 대중음악에서 가장 인기 있는 경향과 밀접한 관련이 있다. 과거 미국 해병대 군악대의 악대장이었던 수사는 "고향과 조국에 대한 향수"를 반영한 "영원히 빛나는 성조기(The Stars and Stripes Forever)"와 같은 군악 행진곡을 작곡하여 멜로디에 "감동적이고 남성적인 특징"을 부여했다.[53][54]
20세기 초 미국 뮤지컬은 많은 대중가요의 주요 원천이었으며, 형제인 조지와 아이라 거슈인(Ira Gershwin)과 같은 극장 작곡가와 작사가는 미국 구어체와 음악을 사용한 독특한 미국 극장 스타일을 만들었다. 뮤지컬은 인기 있는 노래와 빠른 속도의 줄거리를 특징으로 했는데, 줄거리는 종종 사랑과 로맨스를 중심으로 전개되었다.[55]
- '''블루스'''
블루스는 아프리카계 미국인 민속 음악의 한 장르로, 현대 미국 대중음악의 상당 부분을 기반으로 한다. 초기 블루스는 19세기 후반과 20세기 초 미시시피 델타 지역에서 발전했다. 가장 초기의 블루스 음악은 주로 호응창 형태의 보컬 음악으로, 화성이나 반주 없이 형식적인 음악 구조 없이 이루어졌다. 노예와 그 후손들은 들판에서 외치는 소리와 함성을 각색하여 열정적인 독창으로 바꿈으로써 블루스를 만들어냈다.[56] 아프리카계 미국인 교회와 부흥회의 기독교 영적 음악과 결합되면서 블루스는 가스펠 음악의 기반이 되었다. 현대 가스펠은 1920년대 아프리카계 미국인 교회에서 시작되었는데, 신자들이 즉흥적으로, 종종 음악적으로 자신의 신앙을 선포하는(간증하는) 형태였다. 토마스 A. 도르시(Thomas A. Dorsey)와 같은 작곡가들은 전통적인 찬송가와 영적 음악에 블루스와 재즈 요소를 사용한 가스펠 작품을 작곡했다.[57]
레그타임은 원래 싱코페이션 리듬과 색채를 특징으로 하는 피아노 스타일이었다.[23] 주로 워킹 베이스를 사용하는 댄스 음악의 한 형태이며, 일반적으로 소나타 형식으로 작곡된다. 레그타임은 아프리카계 미국인 케이크워크 댄스가 발전한 형태이며, 유럽 행진곡[58]과 대중가요, 지그 및 19세기 말 북부 도시의 대규모 아프리카계 미국인 밴드가 연주하는 다른 춤곡 등 다양한 스타일이 혼합되어 있다. 가장 유명한 레그타임 연주자이자 작곡가는 "메이플 리프 래그"와 같은 작품으로 알려진 스콧 조플린(Scott Joplin)이다.[59]
블루스는 1920년대 베시 스미스(Bessie Smith)와 같은 클래식 여성 블루스 가수들이 인기를 얻으면서 미국 대중음악의 한 부분이 되었다. 동시에 레코드 회사들은 아프리카계 미국인 대상의 블루스가 대부분인 레이스 뮤직이라는 분야를 개척했다. 이 중 가장 유명한 아티스트들은 후대의 블루스와 블루스에서 파생된 장르의 발전에 큰 영감을 주었는데, 전설적인 델타 블루스 음악가 로버트 존슨(Robert Johnson)과 피에드몬트 블루스 음악가 블라인드 윌리 맥텔(Blind Willie McTell)이 포함된다. 1950년대에는 마할리아 잭슨(Mahalia Jackson)이 이끄는 블루스풍 가스펠도 미국 주류에서 인기를 얻었다.[60] 블루스 장르는 1950년대 머디 워터스(Muddy Waters)와 리틀 월터(Little Walter)와 같은 시카고 블루스 음악가들과 1960년대 영국 침공과 미국 포크 음악 부흥 시기에 미시시피 존 허트(Mississippi John Hurt)와 게리 데이비스 목사(Reverend Gary Davis)와 같은 컨트리 블루스 음악가들이 재발견되면서 큰 부흥을 맞았다.
- '''재즈'''
재즈가 오랫동안 제한적인 인기를 얻었지만, 루이 암스트롱(Louis Armstrong)은 그의 친구 피아니스트 얼 하인즈(Earl Hines)와 함께 재즈 발전에 중요한 역할을 한 최초의 대중 스타 중 한 명이 되었다. 암스트롱, 하인즈, 그리고 그들의 동료들은 즉흥 연주자들이었으며, 단 하나의 멜로디에 수많은 변주를 만들어낼 수 있었다. 암스트롱은 또한 무의미한 음절(보컬)을 부르는 즉흥적인 보컬 기법인 스캣(scat singing)을 대중화했다. 암스트롱과 하인즈는 ''스윙''이라고 불리는 일종의 팝 빅 밴드 재즈의 부상에 영향을 미쳤다. 스윙은 일반적으로 더블 베이스와 드럼으로 구성된 강력한 리듬 섹션, 중간에서 빠른 템포, 그리고 대부분의 재즈에 공통적인 스윙 노트와 같은 리듬 장치를 특징으로 한다. 스윙은 주로 1930년대 재즈와 블루스 및 틴 팬 앨리의 요소가 융합된 것이다.[59] 스윙은 다른 종류의 재즈보다 더 큰 밴드를 사용했고, 이는 밴드 리더들이 자료를 엄격하게 편곡하게 하여 이전에 재즈의 필수적인 부분이었던 즉흥 연주를 억제했다. 스윙은 아프리카계 미국인 댄스의 주요 부분이 되었고, 스윙 댄스라는 인기 댄스와 함께하게 되었다.
재즈는 후대 대중 음악의 모든 주요 스타일의 많은 연주자들에게 영향을 미쳤지만, 재즈 자체는 스윙 시대처럼 다시는 미국 대중 음악의 주요 부분이 되지 못했다. 그러나 20세기 후반 미국의 재즈계는 마일스 데이비스(Miles Davis)와 같은 인기 크로스오버 스타들을 배출했다. 20세기 중반, 재즈는 비밥(bebop)으로 시작하여 다양한 하위 장르로 발전했다. 비밥은 빠른 템포, 멜로디가 아닌 조화 구조를 기반으로 한 즉흥 연주, 그리고 플랫 5도의 사용을 특징으로 하는 재즈의 한 형태이다. 비밥은 1940년대 초중반에 개발되었으며, 나중에 하드 밥(hard bop)과 프리 재즈(free jazz)와 같은 스타일로 발전했다. 찰리 파커(Charlie Parker)와 디지 길레스피(Dizzy Gillespie)를 포함한 이 스타일의 혁신가들은 뉴욕시의 작은 재즈 클럽에서 등장했다.[62]
- '''컨트리 음악'''
컨트리 음악은 주로 아프리카계 미국인 블루스와 영적인 음악과 애팔래치아 민속 음악의 융합으로, 1920년대부터 대중에게 적응되어 대중화되었다. 컨트리 음악의 기원은 주로 아일랜드와 영국 음악을 바탕으로 아프리카와 유럽 대륙 음악이 섞인 남부 시골 민속 음악에 있다.[63] 초기 앵글로-켈트 계열의 곡조, 댄스 음악 및 발라드는 현대 컨트리 음악(당시에는 "힐빌리 음악"으로 알려짐)의 초기 전신이었다. 초기 힐빌리 음악은 블루스의 요소를 차용하고 19세기 대중가요의 여러 측면을 활용하여 상업적 장르로 발전하여 결국 "컨트리 앤 웨스턴"으로, 그리고 단순히 "컨트리"로 알려지게 되었다.[64] 초기 컨트리 음악의 악기는 유럽에서 유래한 바이올린과 아프리카에서 유래한 반조를 중심으로 구성되었으며, 나중에 기타가 추가되었다.[65] 20세기 초 하와이 음악 그룹의 인기로 인해 우쿨렐레와 스틸 기타와 같은 현악기가 일반화되었다.[66]
상업적 컨트리 음악의 뿌리는 일반적으로 1927년 음악 발굴가 랄프 피어가 지미 로저스와 카터 패밀리를 녹음한 시점으로 거슬러 올라간다.[68] 당시 대중적 성공은 매우 제한적이었지만, 소규모 수요로 인해 일부 상업적 녹음이 이루어졌다. 제2차 세계 대전 이후 컨트리 음악과 같은 특정 장르에 대한 관심이 증가하면서 몇몇 주요 팝 스타들이 등장했다.[69] 당시 가장 영향력 있는 컨트리 음악가는 앨라배마 출신의 블루지한 컨트리 가수 행크 윌리엄스였다.[60]
10년 동안 혼키통크의 거친 음색은 점차 희미해졌고 내슈빌 사운드가 더 대중 지향적으로 변해갔다. 쳇 애킨스와 같은 프로듀서들은 힐빌리 요소를 제거하고 부드러운 악기와 고급 제작 기술을 사용하여 내슈빌 사운드를 만들었다. 결국 내슈빌의 대부분의 레코드는 이 스타일로 제작되었으며, 현악기와 합창단이 통합되기 시작했다.[71]
그러나 1960년대 초, 내슈빌 사운드는 많은 전통주의자 공연자와 팬들에게 너무 물이 희석된 것으로 여겨져 베이커스필드 사운드와 같은 여러 지역 장면을 만들어냈다. 그러나 오랜 문화적 아이콘인 조니 캐시와 같이 인기를 유지한 공연자들도 있었다.[72] 베이커스필드 사운드는 1950년대 중반에서 후반에 윈 스튜어트와 벅 오웬스와 같은 공연자들이 웨스턴 스윙과 록의 요소, 예를 들어 브레이크비트를 자신의 음악에 사용하기 시작하면서 시작되었다.[73] 1960년대에는 머틀 해거드와 같은 공연자들이 이 사운드를 대중화했다. 1970년대 초, 해거드는 아웃로 컨트리의 일원이었으며, 윌리 넬슨과 웨일런 제닝스와 같은 싱어송라이터들과 함께했다.[62] 아웃로 컨트리 음악은 록 지향적이었고, 가사는 내슈빌 사운드의 단정한 컨트리 가수들과는 달리 공연자들의 범죄 행각에 초점을 맞추었다.[74] 1980년대 중반까지 컨트리 음악 차트는 팝 가수들이 지배했고, 드와이트 요컴과 같은 공연자들의 부상으로 혼키통크 스타일의 컨트리 음악이 부활하기 시작했다. 1980년대에는 언클 투펠로와 같은 얼터너티브 컨트리 공연자들이 등장했는데, 이들은 주류 컨트리 음악의 대중 지향적인 스타일을 반대했다. 2000년대 초, 록 지향적인 컨트리 음악 아티스트들은 특히 가스 브룩스를 중심으로 미국에서 가장 많이 팔리는 공연자 중 하나로 남았다.[75]
- '''리듬 앤 블루스''' 와 '''소울 음악'''
'리듬 앤 블루스'(rhythm and blues)의 약자인 R&B는 1930년대와 1940년대에 등장한 음악 장르이다. 초기 R&B는 큰 리듬 유닛이 "비명을 지르는 블루스 가수들 뒤에서 맹렬하게 연주하며 (그들은) 여러 전기 악기와 휘몰아치는 리듬 섹션 위에서 들리기 위해 소리쳐야 했다"로 구성되었다.[76] R&B는 음반사들이 선정적인 가사와 강렬한 리듬 때문에 대부분의 청중, 특히 중산층 백인들에게 적합하지 않다고 생각했기 때문에 광범위하게 녹음되거나 홍보되지 않았다.[77] 루이 조던과 같은 밴드 리더들은 소규모 관악 섹션과 두드러진 리듬 악기를 사용하여 초기 R&B의 사운드에 혁신을 가져왔다. 1940년대 말까지 그는 여러 히트곡을 발표하며 와이노니 해리스와 존 리 후커와 같은 동시대 가수들에게 길을 열었다.
모타운 레코드는 1960년대 초중반에 미국 흑인 음악의 뿌리를 가진 음악을 제작하여 음악 산업과 소비자 시장에서 인종 차별을 무릅쓰고 큰 성공을 거두었다. "리듬 앤 블루스"라는 용어를 만들어낸 음악 저널리스트 제리 웨클러는 모타운에 대해 한때 이렇게 말했다. "[그들은] 종이에 적으면 불가능하다고 말해야 할 일을 해냈다. 그들은 흑인 음악을 가져다가 백인 미국 십대들에게 직접 전달했다." 베리 고디는 1959년 미시간주 디트로이트에 모타운을 설립했다. 이 회사는 1960년대 초반까지 흑인 대중 음악의 주요 제작사로 부상하여 제품을 "모타운 사운드" 또는 "젊은 미국 사운드"로 판매했는데, 이는 소울, 펑크, 디스코, R&B의 요소를 결합한 것이었다.[80] 주목할 만한 모타운 가수들로는 포 탑스, 템테이션스, 슈프림스, 스모키 로빈슨, 스티비 원더, 잭슨 5가 있다.
소울 음악은 리듬 앤 블루스와 가스펠의 결합으로 1950년대 후반 미국에서 시작되었다. 가스펠 음악의 기법을 사용하고 보컬리스트를 더 강조하며 세속적인 주제를 사용하는 것이 특징이다. 레이 찰스, 샘 쿡, 제임스 브라운의 1950년대 녹음은 일반적으로 소울의 시작으로 여겨진다. 찰스의 ''모던 사운즈''(1962) 음반은 소울과 컨트리 음악, 컨트리 소울의 융합을 특징으로 하며 당시 음악에서 인종 장벽을 허물었다.[82] 쿡의 가장 유명한 노래 중 하나인 "A Change Is Gonna Come"(1964)는 1960년대에 걸쳐 클래식이자 미국 시민권 운동의 국가로 받아들여졌다.[83] 올뮤직에 따르면, 제임스 브라운은 "복음적인 열정이 담긴 그의 보컬과 복잡한 폴리리듬 비트를 통해" "흑인 미국 음악에서 두 번의 혁명을 일으켰다. 그는 R&B를 소울로 바꾸는 데 가장 큰 역할을 한 인물 중 한 명이었고, 대부분의 사람들이 동의하듯이 소울 음악을 1960년대 후반과 1970년대 초반의 펑크로 바꾸는 데 가장 큰 역할을 한 인물이었다."[84]
순수 소울은 오티스 레딩과 테네시주 멤피스의 스타크 레코드의 다른 아티스트들에 의해 대중화되었다. 1960년대 후반에는 애틀랜틱 소속 가수 아레사 프랭클린이 미국에서 가장 인기 있는 여성 소울 스타로 부상했다.[86] 또한 이 무렵 소울은 사이키델릭 록과 다른 스타일의 영향을 받아 여러 장르로 분화되었다.[88] 1960년대의 사회적, 정치적 격변은 마빈 게이와 커티스 메이필드와 같은 아티스트들에게 강력한 사회적 비판을 담은 앨범을 발표하도록 영감을 주었고, 다른 한편으로는 댄스 지향적인 음악이 되어 펑크로 발전했다.
1970년대 중반에는 필리 소울 그룹 더 오제이스와 블루 아이드 소울 그룹 홀 앤 오츠와 같은 세련되고 상업적인 밴드들이 주류에서 성공을 거두었다. 1970년대 말까지 소울을 포함한 대부분의 음악 장르는 디스코의 영향을 받았다. 1970년대 후반과 1980년대 초반에 일렉트로 음악과 펑크의 영향이 도입되면서 소울 음악은 더 거칠고 덜 세련되게 제작되어 다시 ''R&B''라고 불리는 음악 장르가 되었는데, 이는 일반적으로 이전의 리듬 앤 블루스와 구별하여 ''컨템포러리 R&B''로 구분된다.
최초의 컨템포러리 R&B 스타들은 1980년대에 등장했는데, 댄스 팝 스타 마이클 잭슨, 펑크의 영향을 받은 가수 프린스, 그리고 티나 터너와 휘트니 휴스턴과 같은 여성 보컬리스트들이었다.[75] 마이클 잭슨과 프린스는 다양한 장르의 요소들을 절충적으로 사용한 덕분에 컨템포러리 R&B와 대중 음악에서 가장 영향력 있는 인물로 여겨져 왔다.[94]
1983년까지 대중 음악 크로스오버 개념은 마이클 잭슨과 불가분의 관계를 맺게 되었다. ''스릴러''는 전례 없는 성공을 거두며 미국에서만 1천만 장 이상 판매되었다. 1984년까지 이 앨범은 140개 이상의 골드 및 플래티넘 상을 수상했고, ''기네스 세계 기록''에서 역대 최고 판매 기록으로 인정받았으며, 오늘날까지도 그 자리를 유지하고 있다.[97] MTV에서 방송된 "빌리 진"은 흑인 아티스트로서는 최초였으며, 이로써 작은 화면에서 팝 음악의 "색깔 장벽"을 허물었다.[97] ''스릴러''는 미국 국립 영화등록부에서 인정받은 유일한 뮤직비디오이다.
재닛 잭슨은 프린스의 전 동료 지미 잼 앤 테리 루이스와 세 번째 스튜디오 앨범 ''컨트롤''(1986)에서 협업했고, 이 앨범의 두 번째 싱글 "너티"는 테디 라일리가 만들어낸 장르인 뉴 잭 스윙 사운드의 기원으로 여겨져 왔다.[94] 라일리가 키스 스웻의 ''메이크 잇 라스트 포에버''(1987), 가이의 ''가이''(1988), 바비 브라운의 ''돈트 비 크루얼''(1998)에서 한 작업은 1990년대 중반까지 뉴 잭 스윙을 컨템포러리 R&B의 주요 요소로 만들었다.[94] 뉴 잭 스윙은 보컬 음악의 스타일과 경향으로, 종종 랩 구절과 드럼 머신을 특징으로 했다.[60]
휘트니 휴스턴과 머라이어 캐리가 채택한 가스펠 전통인 멜리스마의 사용은 1980년대 후반부터 1990년대까지 컨템포러리 R&B 가수들의 기본이 되었다.[94] 휘트니 휴스턴의 R&B 히트곡에는 "올 더 맨 댓 아이 니드"(1990)와 "아이 윌 올웨이즈 러브 유"(1992)가 포함되는데, 후자는 2천만 장 이상의 전 세계 판매고를 기록하며 역사상 여성 가수가 부른 최고 판매량의 피지컬 싱글이 되었다.
힙합은 1980년대 후반에 뉴 잭 스윙을 통해, 그리고 힙합 소울과 네오 소울이라는 관련 하위 장르를 통해 컨템포러리 R&B에 영향을 미치기 시작했다. 힙합 소울과 네오 소울은 1990년대 후반에 발전했다. 메리 제이 블라이지, 알 켈리, 바비 브라운의 작품을 특징으로 하는 전자는 컨템포러리 R&B와 힙합 비트의 혼합이고, 갱스터 랩의 이미지와 주제가 나타날 수 있다. 후자는 1960년대와 1970년대 스타일의 소울 보컬과 일부 힙합의 영향을 결합한 더 실험적이고 날카롭고 일반적으로 주류에서 덜 알려진 혼합으로, 디엔젤로, 에리카 바두, 알리샤 키스, 로린 힐의 작품을 통해 일부 주류 인정을 받았다.[99] 디엔젤로의 호평을 받은 앨범 ''부두''(2000)는 음악 평론가들에 의해 걸작이자 네오 소울 장르의 기초로 인정받았다.[100][101][102]
- '''팝 음악'''
팝 음악은 1950년대 중반 미국과 영국에서 현대적 형태로 시작된 대중음악의 한 장르이다. 1950년대와 1960년대에 팝 음악은 록큰롤과 그것이 영향을 준 청소년 지향적인 스타일을 포함했다. 레코드 차트에 등장하는 음악의 대부분이 팝 음악으로 여겨지지만, 이 장르는 차트 음악과 구별된다. 빙 크로스비는 "노래의 제왕" 또는 "대중음악의 제왕"이라는 별명을 얻은 최초의 아티스트 중 한 명이었다. 1970년대 후반에 등장한 인디 팝은 당시 새롭던 자신들의 음악을 녹음하고 발매하기 위해 대형 레이블과 레코드 계약을 맺을 필요 없이 밴드를 결성한다는 전제하에 현대 팝 음악의 화려함과는 또 다른 출발을 알렸다.[104] 1980년대 초에는 MTV와 같은 음악 텔레비전 채널의 부상으로 팝 음악의 홍보에 큰 영향을 미쳤는데, 이는 "마이클 잭슨과 마돈나와 같이 시각적으로 강한 매력을 가진 아티스트들을 선호"했다.
5. 정부, 정치, 법률과의 관계
미국 정부는 음악 산업을 규제하고, 지적 재산권 법을 집행하며, 특정 종류의 음악을 홍보하고 수집한다. 미국 저작권법에 따라 음반과 작곡을 포함한 음악 작품은 유형의 형태로 고정되는 즉시 지적 재산으로 보호된다. 저작권자는 종종 자료를 보관하는 미국 의회도서관에 자신의 작품을 등록한다. 또한 미국 의회도서관은 20세기 초부터 포크 음악을 녹음하기 위해 연구원을 파견하는 등 문화적, 음악적으로 중요한 자료를 적극적으로 찾아왔다. 이러한 연구원에는 미국의 선구적인 포크송 수집가인 앨런 로맥스가 포함되는데, 그의 작품은 20세기 중반의 루츠 리바이벌(roots revival)에 영감을 주었다. 연방 정부는 또한 음악가 및 기타 예술가에게 보조금을 할당하는 국립예술기금(National Endowments for the Arts)과 국립인문학기금(National Endowment for the Humanities), 연구 및 교육 프로그램을 수행하는 스미스소니언 협회(Smithsonian Institution), 그리고 비영리 및 텔레비전 방송사에 자금을 지원하는 공영방송공사(Corporation for Public Broadcasting)에도 자금을 지원한다.[143]
음악은 오랫동안 미국의 정치에 영향을 미쳐왔다. 정당과 운동은 종종 음악과 노래를 사용하여 이상과 가치를 전달하고 정치 행사에서 오락을 제공한다. 윌리엄 헨리 해리슨의 대통령 선거 운동은 음악으로부터 큰 이익을 본 최초의 선거 운동이었으며, 그 이후로 주요 후보들이 노래를 사용하여 대중의 열정을 불러일으키는 것이 표준 관행이 되었다. 최근 수십 년 동안 정치인들은 종종 주제가를 선택했는데, 그중 일부는 상징적인 것이 되었다. 예를 들어 "해피 데이즈 아 히어 어게인"(Happy Days Are Here Again)이라는 노래는 미국 민주당과 프랭클린 D. 루즈벨트의 1932년 선거 운동 이후로 관련되어 왔다. 그러나 1950년대 이후로 음악은 정치에서 중요성이 감소하여 거의 또는 전혀 음악이 없는 텔레비전 선거 운동으로 대체되었다. 특히 1960년대에는 특정 형태의 음악이 정치적 항의와 더 밀접하게 관련되었다. 가스펠 음악 스타인 마할리아 잭슨은 미국 시민권 운동의 중요 인물이 된 반면, 미국의 포크 음악 부흥은 1960년대 반문화와 베트남 전쟁 반대 운동의 확산에 기여했다.[144]
6. 음악 산업과 경제
미국은 2014년 기준 총 소매액 49억달러로 세계 최대 음악 시장을 보유하고 있다.[145] 미국의 음악 산업은 레코드 회사부터 라디오 방송국, 지역 오케스트라에 이르기까지 다양한 분야를 포함한다. 전 세계 음악 산업의 총 수익은 약 400억달러이며, 미국 내 수익은 약 120억달러이다.[146] 세계 주요 음반사 대부분이 미국에 본사를 두고 있으며, 미국 레코딩 산업 협회(RIAA)에 의해 대표된다. 주요 음반사들은 특정 장르 또는 음반 프로듀서와 관련된 레코드 레이블 중 하나에 계약한 아티스트들의 음반을 제작한다. 음반사는 광고, 공개 공연 및 콘서트, 텔레비전 출연 등을 통해 아티스트를 홍보하고 마케팅할 수도 있다. 음반사는 인기 있는 녹음 음악과 관련된 제품을 생산하는 다른 음악 미디어 회사와 제휴할 수 있는데, MTV와 같은 텔레비전 채널, ''롤링 스톤''과 같은 잡지, 라디오 방송국 등이 있다.
최근 몇 년 동안 음악 산업은 인터넷을 통한 저작권이 있는 음악의 다운로드 증가로 혼란에 휩싸였다. 많은 음악가와 RIAA는 저작권이 있는 음악을 불법으로 다운로드한 팬들을 처벌하려고 했다.[147]
미국의 라디오 방송국은 종종 인기 음악을 방송한다. 각 라디오 방송국은 포맷 또는 재생할 노래의 범주를 가지고 있으며, 이는 일반적인 장르 분류와 유사하지만 동일하지는 않다. 미국의 많은 라디오 방송국은 지역 소유 및 운영되며 다양한 녹음을 제공할 수 있다. 클리어 채널과 같은 대기업이 소유한 방송국은 일반적으로 더 작고 반복적인 플레이리스트로 포맷된다. 녹음의 상업적 판매는 ''빌보드'' 잡지가 추적하며, 다양한 분야의 녹음 음악 판매에 대한 여러 음악 차트를 편집한다. ''빌보드'' 핫 100은 싱글에 대한 최고의 팝 음악 차트이며, 앨범은 ''빌보드'' 200에 의해 추적된다.[148] 미국 가정에서 녹음된 음악은 흔하지만, 음악 산업의 수익 대부분은 소수의 애호가로부터 나온다. 예를 들어, 앨범 판매의 62%는 음악 구매 고객의 25% 미만에서 나온다.[149] 미국의 총 CD 판매량은 2005년 을 넘었고, 싱글 판매량은 300만 장에 조금 못 미쳤다.[150]
주요 음반사가 미국의 음악 산업을 지배하고 있지만, 독립 음악 산업(인디 음악)도 존재한다. 대부분의 인디 음반 레이블은 작은 지역을 제외하고는 소매 유통이 제한적이거나 전혀 없다. 아티스트는 때때로 인디 레이블에 녹음하여 충분한 찬사를 받아 주요 레이블과 계약을 맺기도 하지만, 다른 아티스트들은 평생 인디 레이블에 남는 것을 선택하기도 한다. 인디 음악은 일반적으로 주류 음악과 유사한 스타일일 수 있지만, 종종 접근하기 어렵거나 특이하거나 다른 사람들에게 매력적이지 않을 수 있다. 인디 음악가는 종종 팬과 다른 사람들이 다운로드하고 들을 수 있도록 인터넷을 통해 노래의 일부 또는 전부를 공개한다.[147] 다양한 종류의 녹음 아티스트 외에도 미국에는 지역 오케스트라, 결혼식 가수 및 밴드, 라운지 가수, 나이트클럽 DJ 등 녹음을 거의 하지 않는 수많은 전문 음악가 분야가 있다. 미국 음악가 연맹은 미국의 가장 큰 전문 음악가 노조이다. 그러나 연맹 회원의 15%만이 안정적인 음악 일자리를 가지고 있다.[151]
7. 음악 교육과 학술 연구
음악은 미국의 교육에서 중요한 부분이며, 대부분 또는 모든 학교 시스템의 일부이다. 음악 교육은 일반적으로 공립 초등학교에서 의무 교육이며, 그 이후에는 선택 과목이다.[152]
미국에서 음악에 대한 학술적 연구는 음악사, 음악학 외에도 음악과 사회 계급, 인종, 민족 및 종교적 정체성, 성별 및 성적 지향과의 관계를 연구하는 것을 포함한다. 미국 음악에 대한 학문적 연구는 19세기 후반 앨리스 플레처와 프랜시스 라 플레슈가 오마하족의 음악을 연구하면서 시작되었는데, 이는 미국 민족학국과 피바디 고고학 및 민족학 박물관을 위한 연구였다. 1890년대와 20세기 초에는 미국의 원주민, 히스패닉계, 아프리카계 미국인, 앵글로색슨계 미국인들을 대상으로 음악학적 녹음이 이루어졌다. 이들 중 다수는 미국 의회 도서관에서 일했는데, 처음에는 도서관 음악 부서장인 오스카 소넥의 지휘 아래 있었다.[153] 이러한 연구자들에는 미국 민요 보관소의 설립자인 로버트 W. 고든, 존 로맥스와 앨런 로맥스가 포함되는데, 앨런 로맥스는 20세기 미국 민속 문화의 뿌리 부흥에 영감을 준 여러 민요 수집가 중 가장 유명한 인물이었다.[154]
20세기 초 미국 음악에 대한 학문적 분석은 유럽에서 유래한 고전 음악 전통을 가장 가치 있는 연구 대상으로 해석하는 경향이 있었고, 일반 대중의 민요, 종교 음악, 전통 음악은 저급하고 예술적 또는 사회적 가치가 거의 없다고 폄하했다. 1930년 존 태스커 하워드의 ''우리의 미국 음악''은 미국에서 작곡된 주로 콘서트 음악에 초점을 맞춘 표준 분석이 되었다.[155] 찰스 시거의 음악학적 분석 이후로 미국 음악사는 종종 인종과 조상에 대한 인식과 밀접하게 관련되어 있다고 설명되어 왔다.[153] 길버트 체이스의 ''미국의 음악: 순례자들로부터 현재까지''는 미국 전체의 음악을 조사하고 민속 전통을 콘서트홀 음악보다 문화적으로 더 중요한 것으로 인식한 최초의 주요 작품이었다. 체이스의 다양한 미국 음악 정체성에 대한 분석은 학계의 주류 견해로 남아 있다.[155] 그러나 1960년대와 1970년대까지 미국 대부분의 음악 학자들은 유럽 음악을 계속 연구했으며, 미국 음악의 특정 분야, 특히 유럽에서 유래한 고전 및 오페라 스타일, 그리고 때로는 아프리카계 미국인 재즈에만 국한되었다. 보다 현대적인 음악학자와 민족음악학자들은 국가 음악 정체성에서부터 특정 미국 역사 시대의 특정 공동체의 개별 스타일과 기법에 이르기까지 다양한 주제를 연구했다.[153] 미국 음악에 대한 최근 저명한 연구에는 1983년 찰스 햄의 ''신세계의 음악''과 2001년 리처드 크로포드의 ''미국의 음악 생활''이 있다.[156]
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