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관현악단

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목차

1. 개요

관현악단은 목관악기, 금관악기, 타악기, 현악기 등 다양한 악기들로 구성된 연주 단체로, 고대 그리스 합창단 공연 장소에서 유래했다. 오페라 공연이나 19세기 연주회 문화의 발달과 함께 규모가 커졌으며, 시대와 지역에 따라 다양한 편성과 구성을 보인다. 현대에는 필하모닉, 심포니, 실내, 오페라, 청소년 관현악단 등 다양한 유형으로 구분되며, 각 악기 파트의 수석을 중심으로 조직된다. 20세기 이후에는 녹음 기술의 발전과 함께 연주 수준이 향상되었으며, 2019년 코로나19 팬데믹으로 인해 전 세계적으로 큰 타격을 입었다.

2. 역사

'오케스트라(ορχήστρα)'라는 말은 본래 고대 그리스 합창단이 노래하고 춤추던 장소를 뜻했다.[78] 17세기 말에 다시 부활하여 18세기 초 프랑스에서는 연주자를 의미하게 되었다.[78]

고대 그리스어의 오르케스트라(ορχηστρα)에서 유래한[53] "오케스트라"(Orchestra)는 무대와 관객석 사이의 반원형 공간을 가리키며,[53] 그곳에 코러스(합창단)가 배치되어 무용, 기악, 합창 등이 행해졌다.[53] 근대에는 극장의 평토간석(1층 무대 정면의 좌석)을, 오페라 공연 등에서는 무대와 관객석 사이에서 연주하는 기악 연주자 그룹을 가리키는 명칭이 되었다.[53] 더욱 시대가 내려오면서 기악 연주자 그룹이 오페라로부터 독립하여 연주하는 경우에도 "오케스트라"라고 불리게 되었다.[53]

현재의 현악합주에 관악기가 더해진 관현악의 기원으로는 베네치아 악파의 대규모 교회 음악과 그 후의 오페라 발전이 중요하다. 고전파 시대에는 교향곡, 협주곡, 오페라 반주로 크게 발전하여 콘서트홀에서의 연주에 적합하도록 현악기를 늘려 규모가 커졌고, 클라리넷 등 새로운 악기가 추가되어 현재와 같은 형태가 되었다. 크리스토프 빌리발트 글루크의 오페라 《오르페오와 에우리디체》에서 피콜로, 클라리넷, 베이스 드럼, 트라이앵글, 심벌즈가 오케스트라에 추가되었다.

낭만파 시대에는 관악기의 수와 종류가 더욱 늘어나고, 튜블러벨/차임, 마림바, 글로켄슈필 등의 타악기가 추가되었다. 때로는 첼레스타, 피아노 등의 건반악기와 하프가 등장하기도 했다.

많은 프로 오케스트라는 상설이자 전문적인 단체이다. 독일을 중심으로 오페라하우스의 오케스트라 피트에서 활동하는 것을 주로 하는 오케스트라가 다수 존재하며,[55] 그 대부분이 오페라뿐만 아니라 연주회도 한다. 빈 국립 오페라극장의 관현악단 단원들로 조직된 빈 필하모니 관현악단이 그 한 예이다. 독일어권은 방송 교향악단이나 콘서트 오케스트라도 매우 활성화되어 있어 세계에서도 압도적인 오케스트라 강국이 되고 있다. 동서독 통일 당시에는 프로 오케스트라의 총수가 200개라고 여겨졌지만(오스트리아와 스위스는 포함되지 않음), 현재는 통일로 인해 약간 감소하고 있다. 그러나 세금 지원이 두터워 전반적으로 풀 편성 지향이 강하다.

방송국이 전속 오케스트라(방송관현악단)를 가지는 예도 많다. 큰 방송 오케스트라는 주로 국가 예산으로 운영되어 온 세계의 국영 방송국이나 공영 방송국 등이며, 방송의 역사가 긴 유럽에 많다. 라디오 프랑스, 독일의 각 지역을 담당하는 공영 방송국의 악단(바이에른, 베를린, 북독일 등), BBC (BBC 교향악단) 등이 그 예이다. 미국 NBC가 소유했던 NBC 교향악단, 일본 ABC의 ABC 교향악단등, 일본 필하모니 교향악단, NHK 교향악단, 베를린 방송 교향악단 등도 방송관현악단과 관련된 역사를 가지고 있다.

중소도시에 본거지를 두는 악단의 경우, 악단의 운영 자금의 대부분을 지방자치단체에 의존하여 운영되고 있는 경우가 있다. 이 경우, 지방 정부의 재정 상태에 악단의 운영도 좌우되기 쉽다.

반면, 독립 단체로서의 오케스트라는 정기 연주회 입장료나 레코드 녹음 계약료에 의존해야 하며, 뛰어난 계약 스폰서를 가지고 있거나, 아주 일부의 인기 악단이나 경영 형태의 개선에 성공한 악단을 제외하고는 이것만으로는 존립하기 어렵다. 해외에서는 EMI의 지원을 잃은 필하모니아 관현악단의 해산[56], 일본에서도 1972년의 일본 필하모니 교향악단의 해산·분열 등의 사례가 발생하고 있다.

매년 음악제 등에서 임시로 모인 음악가에 의해 조직되는 오케스트라도 존재한다. 바이로이트 축제 관현악단, 사이토 기넨 페스티벌 마쓰모토 시에 결성되는 사이토 기넨 오케스트라 등이 그 예이다. 통상은 악원이 개별적인 음악 활동을 하고, 콘서트 때마다 모이는 형태로 운영되고 있는 비상설 악단도 존재한다. 일본에서는 시즈오카 교향악단이나 하마마쓰 필하모니 관현악단 등이 그 예이다.

2. 1. 바로크 시대

17세기 기악 음악은 관현악단과 작곡가를 고용할 수 있는 재력 있는 귀족과 왕실만이 누릴 수 있는 특권이었다. 작곡가들은 교회 고위 성직자나 부유한 귀족 후원자에게 고용되어야만 돈을 벌 수 있었다.[79] 오늘날과 같은 관현악단의 초기 사례는 1607년 클라우디오 몬테베르디에게서 찾아볼 수 있다.[79] 만토바 공작의 후원을 받은 몬테베르디는 자신의 오페라 '오르페오'에서 현악기, 플루트, 코르넷, 트롬본 등 악단을 40명으로 편성하였다.[79] 베네치아의 성 마르코 성당 악단 등 이탈리아 북부의 여러 악단에서는 이전의 악기 편성과는 다른 방식으로 목관 악기와 금관 악기 편성을 도입하였다.[79]

루이 13세의 궁정에는 '24 바이올린'(왕을 위한 24명의 바이올린 연주자)이라는 악단이 창설되어 음악을 연주하였다.[79] 이 악단은 무용 음악의 연주 양식을 확립했을 뿐 아니라, 프랑스에서 가장 뛰어난 연주자들에게 좋은 배움의 기회였다.[79] 장바티스트 륄리는 루이 14세의 '기악 작곡가'로 임명되었을 때 '젊은 바이올린 연주자들'이라는 자신의 악단을 만들었다.[80] 이 악단은 전원이 최초로 단복을 입고 활을 같은 방향으로 움직여 호평을 받았으며, 곧 유럽 여러 나라의 모델이 되었다.[80]

바로크 시대에는 오케스트라의 규모와 구성이 표준화되지 않았다. 유럽 각 지역 간에 규모, 편성, 연주 스타일에서 큰 차이가 있었고, 따라서 오케스트라의 음향과 색채도 다양했다. 바로크 오케스트라의 규모는 파트당 한 명의 연주자로 구성된 소규모 오케스트라(혹은 앙상블)부터 파트당 여러 명의 연주자로 구성된 대규모 오케스트라까지 다양했다. 소규모 오케스트라의 예로는 바흐가 케텐에서 최대 18명의 연주자로 구성된 앙상블을 사용했던 경우를 들 수 있다. 대규모 바로크 오케스트라의 예로는 코렐리의 로마 오케스트라가 있는데, 일상적인 연주에는 35명에서 80명의 연주자로 구성되었고, 특별한 경우에는 150명으로 늘어났다.[5]

2. 2. 고전파 시대

18세기 후반, 모차르트나 베토벤처럼 궁정이나 교회에 소속되지 않고 독립적으로 활동하는 작곡가들이 나타나면서 전문 연주자들의 재산이 크게 늘어났다.[81]

모차르트의 초기 교향곡은 현악기, 오보에 두 대, 호른 두 대로만 편성되었다.[81] 그러나 1782년, 그는 궁정과 교회에서 독립하여 자신의 이상을 담은 관현악곡을 쓰기 시작했는데, 여기에는 플루트, 클라리넷, 바순, 트럼펫, 팀파니도 포함되었다.[81] 하이든과 베토벤은 근대 교향악단의 핵심을 이루었으며, 1800년경 관현악단은 평균 40명 정도의 단원으로 구성되었다.[81]

최초의 '근대' 교향악단 중 하나는 1742년 독일 만하임에서 요한 슈타미츠가 창설한 칼 테오도어 공작의 궁정 관현악단이었다.[81] 만하임 관현악단은 당시 유럽 최대 규모인 50명의 명연주자로 구성되었으며, 단원들은 긴 '크레센도'가 시작될 때 순서대로 자리에서 일어나는 것으로 청중들에게 깊은 인상을 남겼다.[81]

2. 3. 낭만주의 시대

낭만주의 시대의 음악가 리하르트 바그너는 이전의 작곡가와 달리 당시 관현악단의 악기만으로 작곡하는 데 만족하지 못하였다.[82] 그는 기존의 관현악 악기 뿐 아니라, 베이스 트럼펫과 '니벨룽의 반지'에서 연주되는 바그너 튜바와 같은 새로운 악기를 만들었다.[82] 베를리오즈도 그러한 야심찬 작곡가로서 '레퀴엠'에서 팀파니 16대를 쓸 것을 요구하였다.[82] 말러는 거대한 규모의 곡을 작곡하였는데, 그의 교향곡 8번은 350명의 어린이 합창단 뿐 아니라, 500명의 합창단과 7명의 독창자와 증원된 관현악단을 위한 작품으로, '천인 교향곡'으로 불리기도 한다.[82]

1850년대까지 관현악단의 규모는 점차 커져 1880년에는 단원이 100명이 넘는 경우도 드물지 않았다.[82] 작곡가들은 관현악단의 내적 균형이 중요하다는 것을 점차 자각하면서 관현악단을 몇 개의 개별 집단으로 보지 않고 동질의 집합체로 보게 되었다.[82]

1872년 6월 17일 미국 매사추세츠주 보스턴에서 열린 세계 평화 기념제에서 1000명의 연주자와 20,000명의 성악가로 된 당시 최대 규모의 오케스트라가 등장하였는데, 요한 슈트라우스 2세가 지휘하였다.[82] 관현악단의 규모가 커진다는 것은 비용도 증가한다는 것을 뜻한다.[82] 더 이상 국왕의 비호를 받을 수 없었던 여러 관현악단은 부유한 음악 애호가들에게 의존하게 되었다.[82] 그렇기 때문에 관현악단이 유지하는데 필요한 비용을 끌어모을 수 있도록 많은 청중을 수용하기 위하여 더욱 큰 연주회장이 세워졌다.[82]

1840년대에는 대규모 악단이 국내외를 불문하고 연주 여행을 하게 되었다.[83] 이것은 철도의 덕택으로 많은 사람과 화물이 마차보다 빨리 이동할 수 있었기 때문이다.[83] 따라서 지방 사람들도 도시에서 오랫동안 즐기던 음악을 향유할 수 있었다.[83] 그리하여 음악에 대한 관심이 살아나게 되었고, 유럽의 여러 마을에서 아마추어 악단과 합창단이 생겼다.[83] 또 교통수단의 발달로 리스트, 파가니니, 멘델스존과 같은 작곡가와 독주자도 지방을 순회하였다.[83]

이로써 이전 세대의 음악이 다시 부활하게 되었다.[83] 18세기에는 그 시대의 음악만을 연주하였지만, 19세기에는 거의 모든 연주회에서 베토벤, 모차르트, 헨델과 같은 세상을 떠난 옛 작곡가의 작품을 들을 수 있었다.[83]

18세기 후반에 시작되어 19세기 전반에 확립된 관현악단의 이른바 "표준 편성"은 하이든과 모차르트 이후 베토벤(Ludwig van Beethoven)이 요구한 악기 편성에 일반적으로 기인한다. 베토벤의 악기 편성에는 거의 항상 플루트(Western concert flute) 2대, 오보에 2대, 클라리넷 2대, 바순 2대, 호른(French horn) 2대, 트럼펫 2대가 포함되었다. 예외적으로 그의 교향곡 제4번, 바이올린 협주곡, 피아노 협주곡 제4번에서는 플루트 1대만 지정하고 있다.

베토벤은 교향곡 3번 ("영웅"), 5번, 6번, 9번에서 이러한 특별한 음색(timbral) "팔레트"의 확장을 신중하게 계산하여 혁신적인 효과를 냈다. “영웅” 교향곡의 세 번째 호른은 조화로운 유연성을 제공할 뿐만 아니라 트리오 악장에서 "합창"적인 금관 악기의 효과를 제공한다. 피콜로, 콘트라바순, 트롬본은 그의 교향곡 5번의 승리적인 피날레에 더해진다. 피콜로와 트롬본 2대는 "田園 교향곡"으로도 알려진 교향곡 6번에서 폭풍과 햇살의 효과를 전달하는 데 기여한다. 교향곡 9번은 "영웅" 교향곡과 유사한 이유로 호른 한 쌍을 더 요구한다(호른 4대는 그 이후 표준이 되었다). 베토벤이 피날레에서 피콜로, 콘트라바순, 트롬본, 조율되지 않은 타악기와 더불어 합창(choir)과 성악 독주자를 사용한 것은 교향곡의 음색 경계가 확장될 수 있다는 그의 가장 초기 제안이다. 그의 사후 수십 년 동안 교향곡의 악기 편성은 몇 가지 예외를 제외하고 베토벤의 확립된 모델을 충실히 따랐다.

다음으로 심포니 연주 관행에 큰 변화를 가져온 것은 그의 음악극을 반주하기 위해 설립된 리하르트 바그너의 바이로이트 오케스트라였다. 바그너의 무대를 위한 작품들은 전례 없는 규모와 복잡성으로 편곡되었다. 실제로 그의 ''라인의 황금'' 악보에는 하프 여섯 대가 필요하다. 따라서 바그너는 그의 영향력 있는 저서 ''지휘에 관하여''에서 설명했듯이 극장 오케스트라 지휘자의 역할을 점점 더 까다롭게 만들었다.[7] 이는 오케스트라 작곡에 혁명을 가져왔고 향후 80년 동안 오케스트라 연주의 스타일을 설정했다. 바그너의 이론은 템포, 다이내믹스, 현악기 활쓰기 및 오케스트라의 주요 연주자의 역할의 중요성을 재검토했다.

낭만파 시대에는 관악기의 수와 종류가 더욱 늘어나고, 튜블러벨/차임, 마림바, 글로켄슈필 등의 타악기가 추가되었다. 때로는 첼레스타, 피아노 등의 건반악기와 하프가 등장하기도 했다.

2. 4. 20세기와 21세기

20세기 초, 교향악단은 이전보다 규모가 커지고 재정 지원이 풍부해졌으며, 훈련도 더 잘 받았다. 그 결과 작곡가들은 더 크고 야심찬 작품을 작곡할 수 있었다. 구스타프 말러의 작품은 특히 혁신적이었다. 그의 후기 교향곡, 예를 들어 거대한 교향곡 8번에서 말러는 대규모 편성을 사용하여 관현악의 규모에 대한 한계를 극복했다. 후기 낭만주의 시대에 이르러 관현악단은 거대한 현악기와 금관악기 파트, 그리고 확장된 타악기군을 통해 가장 거대한 형태의 교향곡 표현을 지원할 수 있었다.[8]

녹음 시대가 시작되면서 연주 수준은 새로운 차원에 이르렀다. 녹음된 교향곡은 세밀하게 청취할 수 있었고, 실제 연주에서는 눈에 띄지 않을 수 있는 미세한 음정이나 앙상블의 실수조차 비평가들이 들을 수 있었기 때문이다. 20세기와 21세기를 거치면서 녹음 기술이 향상됨에 따라 녹음에서 발생하는 작은 실수는 오디오 편집이나 오버더빙으로 수정할 수 있게 되었다. 일부 오래된 지휘자와 작곡가들은 단순히 가능한 한 잘 음악을 "연주하는 것"이 표준이었던 시대를 기억할 수 있었다. 녹음으로 인해 더 넓은 청중을 확보하게 된 것과 결합되어 특정 스타 지휘자와 높은 수준의 관현악 연주에 대한 관심이 새롭게 집중되었다.[8]

3. 악기 구성

관현악단은 크게 현악기, 목관악기, 금관악기, 타악기의 네 가지 악기군으로 구성된다. 피아노, 첼레스타와 같은 건반악기는 별도로 분류되기도 한다.[1]

바로크 시대에는 하프시코드나 파이프 오르간 같은 건반악기가 바소 콘티누오 그룹의 중요한 역할을 담당했다. 바로크 시대의 오케스트라는 실내악 또는 실내 관현악의 범주로 분류되기도 한다. 1749년 게오르크 프리드리히 헨델이 작곡한 관현악 모음곡 「왕궁의 불꽃놀이 음악」은 100명이라는 대규모 악단에 의해 연주되었다.

후기 바로크 음악의 관현악 편성은 다음과 같다.



고전파 시대에는 교향곡, 협주곡, 오페라 반주로 발전했으며, 클라리넷 등 새로운 악기가 추가되었다. 크리스토프 빌리발트 글룩의 오페라 《오르페오와 에우리디체》에서 피콜로, 클라리넷, 큰북, 트라이앵글, 심벌즈가 오케스트라에 추가되었다. 고전파 음악 전성기에는 표준 편성이 존재하지 않았고, 오보에 2와 호른 2, 현악 5부에 더해 후원자의 명령으로 편성이 결정되는 경우가 많았다.

낭만파 시대에는 관악기의 수와 종류가 더욱 늘어나고, 튜블러벨/차임, 마림바, 글로켄슈필 등의 타악기가 추가되었다. 때로는 첼레스타, 피아노 등의 건반악기와 하프가 등장하기도 했다.

악보에 나타난 오케스트라의 편성 규모는 목관악기 각 세션의 인원수에 따라 이중관 편성, 삼중관 편성, 사중관 편성 등으로 나타낸다. 관악기는 원칙적으로 악보에 쓰여진 각 파트를 1명씩 맡지만, 실제 연주회에서는 배관이라 하여 관악기를 2배로 하거나, 어시스턴트 연주자가 붙는 경우도 있다.

20세기와 21세기에는 새로운 레퍼토리의 요구에 따라 오케스트라 편성이 확장되었고, 고전 모델 악기와 새로 개발된 전기 악기 및 전자 악기들을 다양하게 조합하여 사용하게 되었다.

3. 1. 현악기군

현악기는 제1바이올린(12~16), 제2바이올린(10~14), 비올라(8~12), 첼로(6~10), 콘트라베이스(6~10), 하프로 구성된다.[1] 현악 5부의 각 악기별 인원은 연주자에게 맡겨지는 경우가 많지만, 현대에는 일반적으로 다음과 같은 패턴을 따른다.

관악기 규모형제1바이올린제2바이올린비올라첼로콘트라베이스풀트 비율
이중관 편성8형8명6명4명3명1~2명4：3：2：1：1
이중관 편성10형10명8명6명4명2~4명5：4：3：2：1
이중관 편성12형12명10명8명6명4명6：5：4：3：2
삼중관 편성14형14명12명10명8명6명7：6：5：4：3
사중관 편성16형16명14명12명10명8명8：7：6：5：4
사중관 편성18형18명16명14명12명8~10명9：8：7：6：5
오중관 편성20형20명18명16명14명10명10：9：8：7：5


3. 2. 목관악기군

플루트 (2), 피콜로, 오보에 (2), 잉글리시 호른, 클라리넷 (2), 베이스 클라리넷, 바순 (2), 콘트라바순[17]

3. 3. 금관악기군

호른(4), 트럼펫(3), 트럼본(3), 튜바[17]

플루겔호른, 코르넷이 추가로 사용되기도 한다.[17] 코르넷은 표트르 일리치 차이콥스키의 발레 ''백조의 호수'', 클로드 드뷔시의 ''바다'', 그리고 엑토르 베를리오즈의 여러 관현악 작품에 등장한다.

유포니엄은 몇몇 후기 낭만주의와 20세기 작품에 등장하며, 구스타프 홀스트의 ''행성''과 리하르트 슈트라우스의 ''영웅의 생애''가 대표적이다.

바그너 튜바는 리하르트 바그너의 니벨룽의 반지와 안톤 브루크너의 E장조 7번 교향곡 등에 등장한다.[18]

바로크 시대의 오케스트라에서는 금관악기는 각 파트 1명 정도였다.

후기 바로크 음악의 규모가 큰 관현악 편성의 예는 다음과 같다.

  • 금관악기
  • * 트럼펫(D관) 2~3 (축제적인 곡에서 자주)
  • * 호른 2 (경우에 따라)

3. 4. 타악기군

팀파니, 큰북, 작은북, 트라이앵글, 탬버린, 심벌즈, 탐탐, 실로폰, 글로켄슈필 등

3. 5. 건반악기군

피아노, 오르간, 첼레스타, 하프시코드 등이 있다.[17]

3. 6. 기타 악기

핵심 관현악 편성 외에도 다양한 악기가 때때로 사용된다.[17] 플루겔호른과 코르넷이 그 예이다. 색소폰과 클래식 기타는 19세기부터 21세기에 걸친 일부 악보에 등장한다. 모리스 라벨이 모데스트 무소르그스키의 ''전람회의 그림''을 편곡한 작품이나 세르게이 라흐마니노프의 ''교향시곡''과 같이 일부 작품에서는 주요 독주 악기로만 등장하지만, 라벨의 ''볼레로'', 세르게이 프로코피예프의 로미오와 줄리엣 모음곡 1번과 2번, 랄프 본 윌리엄스의 교향곡 6번과 9번, 그리고 윌리엄 월턴의 벨사자르의 향연 등 다른 많은 작품에서는 관현악단의 일원으로 포함된다.

유포니엄은 몇몇 후기 낭만주의와 20세기 작품에 등장하며, 일반적으로 "테너 튜바"로 표시된 파트를 연주하는데, 구스타프 홀스트의 ''행성''과 리하르트 슈트라우스의 ''영웅의 생애''가 포함된다. 바그너 튜바는 금관악기군의 변형된 악기로, 리하르트 바그너의 니벨룽의 반지와 슈트라우스, 이고르 스트라빈스키(봄의 제전에서 주요 악기로 등장), 벨라 바르토크 등의 다른 몇몇 작품에 등장하며, 안톤 브루크너의 E장조 7번 교향곡에서도 두드러지게 중요한 역할을 한다.[18] 코르넷은 표트르 일리치 차이콥스키의 발레 ''백조의 호수'', 클로드 드뷔시의 ''바다'', 그리고 엑토르 베를리오즈의 여러 관현악 작품에 등장한다.

20세기 관현악단은 그 이전의 관현악단보다 훨씬 유연했다.[17] 20세기 중후반에는 현대 고전 음악의 발전과 함께 작곡가가 실제로 악기를 직접 선택할 수 있게 되었다. 예를 들어 전기 기타와 같은 전기 악기, 신디사이저와 같은 전자 악기, 온드 마르티노,[19] 트라우토니움[20]과 같은 악기, 비서구 악기, 또는 반도네온[21], 프리 베이스 아코디언[22][23], 하모니카[24][25], 주스 하프[26], 만돌라[26], 수중 타악기[27][26] 등 전통적으로 관현악단에서 사용되지 않던 다른 악기들을 추가하는 것이다.

프로그램의 작품에 따라 다양한 전자악기 또는 전자악기가 오케스트라에서 사용될 수 있다. 이 연주자들은 일반적으로 상주 오케스트라 단원이 아니며, 하나 이상의 콘서트를 위해 계약으로 고용된 프리랜서이다. 악기에는 다음이 포함될 수 있다.

  • 테레민
  • 옹드 마르테노
  • 일렉트릭 기타 & 일렉트릭 베이스 기타
  • 일렉트릭 더블 베이스
  • 일렉트릭 바이올린, 일렉트릭 비올라 & 일렉트릭 첼로
  • 일렉트릭 오르간 (해먼드)
  • 그랜드 디지털 뮤직 키보드 (로리)
  • 일렉트릭 피아노
  • 키타
  • 디지털 아코디언
  • 링 모듈레이터
  • 신시사이저
  • 싱클라비어
  • 노바코드
  • 클라비넷
  • 전자 관악기
  • 일렉트릭 하프
  • 디지털 드럼 키트
  • 기타 전자악기
  • 타자기 또는 릴-투-릴 테이프 플레이어와 같은 비음악 악기

4. 유형별 구분

관현악단은 다양한 유형으로 구분된다. 주요 유형으로는 필하모닉 오케스트라, 교향악단, 실내 관현악단, 오페라 관현악단, 청소년 관현악단 등이 있으며, 그 외에도 다양한 형태의 관현악단이 존재한다.
(각 유형에 대한 설명은 하위 섹션에 상세히 기술되어 있으므로 여기서는 생략한다.)필하모닉이나 교향악단 등의 명칭을 사용하지 않는 경우도 있는데, 왕립 콘서트허바우 관현악단처럼 상주 공연장 명칭을 악단 이름에 함께 사용하거나, 파리 관현악단과 같이 지역 명칭과 관현악단 두 단어만으로 표기하기도 한다. 독일에서는 베를린 국립 관현악단처럼 'Orchester' 대신 'Kapelle'를 쓰는 경우도 있는데, 이는 궁정악단에서 파생된 것이다. 뉴욕 필하모닉과 같이 관현악단 명사를 생략하고 '필하모닉' 혹은 '심포니'만으로 명칭을 정하는 경우도 있다.

영화음악 녹음이나 음악제 등을 위해 일시적으로 결성되는 임시 관현악단도 있다. 바이로이트 축제 관현악단처럼 음악제 이름을 사용하는 악단도 있으며, 사이토 기념 관현악단과 같은 비상설 관현악단도 존재한다.

19세기 말~20세기 초에는 살롱 문화의 유행으로 살롱 오케스트라가 활동했고, 재즈의 영향으로 재즈 오케스트라라는 명칭의 빅밴드도 나타났다. 20세기에는 팝스 콘서트를 위한 팝스 오케스트라도 활동하고 있다.

중국이나 대한민국 등 동양권 국가에서는 자국의 전통 악기 연주자들을 중심으로 하는 민족 관현악단이나 국악관현악단이 조직되어 활동하고 있다. 한국에서는 영어 명칭에 대한 합의가 아직 이루어지지 않아 다양한 표기가 공존하고 있다. 조선민주주의인민공화국에서는 민족악기와 서양악기를 혼합한 '배합관현악'이 많이 활동하고 있지만, 영어 표기 시에는 'orchestra'라는 단어만 사용한다.

4. 1. 필하모닉 오케스트라

필하모닉 오케스트라는 '음악 애호'라는 뜻을 가진 단어로, 19세기경 음악 애호가들이 중심이 되어 만든 '필하모닉 협회(philharmonic society)' 산하의 관현악단을 지칭한다. 그러나 바르샤바 국립 필하모닉 오케스트라, 헝가리 국립 필하모닉 오케스트라, 중국 필하모닉 오케스트라처럼 국립 혹은 시립 관현악단 중에서도 필하모닉 오케스트라라는 명칭을 사용하는 경우가 있다. '베를린 필', '뉴욕 필'처럼 줄여서 부르기도 한다.[54]

4. 2. 교향악단 (심포니 오케스트라)

19세기 들어 지불 능력이 있는 청중들에게 입장료를 받고 극장 등에서 개최하는 연주회 문화가 일반화되기 시작했는데, 공연의 중심 곡목은 대부분 교향곡이었다. 이러한 교향곡의 비중이 악단 명칭의 표기에도 영향을 미친 경우이며, 교향곡(symphony)과 관현악단(orchestra)의 합성어이다.

4. 3. 실내 관현악단 (체임버 오케스트라)

실내 관현악단(체임버 오케스트라)은 교향악단과 마찬가지로 실내악(chamber music)과 관현악단(orchestra)의 합성어이다. 어원에서 알 수 있듯이 비교적 소규모로 편성되어 작은 크기의 공연장에서 주로 연주하는 관현악단을 일컫는다. 필하모닉 오케스트라나 교향악단 등 정규 관현악단이 대개 70~120명의 연주자들로 구성되는 데 반해, 실내 관현악단은 적게는 10여 명에서 많게는 30~50명 가량의 인원으로 구성된다.[54]

아르메니아 국립 실내 오케스트라


바이올린족 현악기들로만 편성되는 현악 합주단 중에도 실내 관현악단 명칭을 쓰는 단체도 있으며, 오르페우스 실내 관현악단을 비롯한 몇몇 악단들은 지휘자 없이 활동하기도 한다. 명칭에 필하모닉이나 심포니가 같이 표기되는 경우도 있는데, 이러한 형태의 악단들은 대개 대규모 관현악단의 단원들이 모여 결성한 경우가 많다. 체코 필하모닉 오케스트라 단원들이 주축이 된 체코 필하모닉 실내 관현악단을 예로 들 수 있다.

4. 4. 오페라 관현악단

오페라나 발레 등 무대작품 공연 때는 대개 무대와 객석 사이에 위치한 공간인 오케스트라 피트(orchestra pit)에서 연주하는 관현악단이 반주를 담당하는데, 이러한 형태로 주로 활동하는 관현악단을 오페라 관현악단이라고 한다. 대부분 해당 오페라단이나 오페라극장 전속인 경우가 많다. 피트 내 공간이 무대보다 좁은 극장들이 많기 때문에, 현악 주자들의 숫자가 다른 정규 편성의 관현악단보다 적은 경우도 있다.

오페라단의 비시즌기에는 관현악단 단독 혹은 합창단과 함께 연주회를 개최하는 경우도 있으며, 빈 필하모닉 오케스트라같이 빈 국립오페라 관현악단의 단원들이 자발적으로 연주회용 악단을 결성해 활동하는 경우도 있다.[55] 반대로 연주회 전문 관현악단인 베를린 필하모닉 오케스트라의 경우에는 잘츠부르크 부활절 음악제에서 오페라 관현악단의 역할을 맡기도 한다.

4. 5. 청소년 관현악단

청소년 관현악단은 명칭 그대로 성인이 아닌 청소년들이 주축이 되어 구성되는 관현악단이다. 악단에 따라 필하모닉이나 심포니 등의 명칭을 병기하기도 하며, 소규모인 경우 실내 관현악단 명칭이 병기되기도 한다. 법적으로는 성인이지만 대학생 신분의 연주자들이 주축이 되는 악단도 청소년 교향악단에 포함시키고 있다. 독일 청소년 필하모닉 오케스트라, 구스타프 말러 청소년 관현악단, 베네수엘라 시몬 볼리바르 청소년 관현악단, 서동시집 관현악단, 서울시 유스 오케스트라 등이 대표적인 예이다.

4. 6. 그 외

필하모닉이나 교향악단 등의 명칭을 사용하지 않는 관현악단도 있다. 상주 공연장 명칭을 악단 이름에 함께 사용하는 경우가 있는데, 왕립 콘서트허바우 관현악단, 라이프치히 게반트하우스 관현악단, 베를린 콘체르트하우스 관현악단, 취리히 톤할레 관현악단이 대표적인 예이다. 더 단순하게 지역 명칭과 관현악단 두 단어만으로 표기하기도 하는데, 파리 관현악단, 필라델피아 오케스트라, 클리블랜드 오케스트라, 미네소타 오케스트라 등을 예로 들 수 있다.

독일의 경우 관현악단에 일반적으로 사용되는 명사인 'Orchester' 가 아닌 'Kapelle'를 쓰는 경우도 있다. 이는 주로 고전시대 이전에 왕이나 황제 등 군주들이 자신들의 직속 악단으로 거느리던 '궁정악단(Hofkapelle)'에서 파생된 것이다. 베를린 국립 관현악단, 드레스덴 국립 관현악단, 바이마르 국립 관현악단 등이 그 예이다. 이외에도 관현악단 명사를 생략하고 '필하모닉' 혹은 '심포니'만으로 정식 명칭을 정해 활동하는 악단들도 있으며, 뉴욕 필하모닉, 로스앤젤레스 필하모닉, 샌프란시스코 심포니 등을 대표적인 예로 들 수 있다.

정단원이 아니거나 임시 단원들이 많은 임시 관현악단들도 있다. 이러한 악단들은 대개 영화음악 녹음이나 음악제 등의 행사를 위해 일시적으로 결성되는 경우가 많다. 영화음악용 악단들은 이름없이 단순한 '오케스트라'라고 표기되거나 '스튜디오 관현악단(Studio Orchestra)' 혹은 '세션 관현악단(Session Orchestra)'이라는 명칭으로 표기되기도 한다.

음악제 등을 위해 창단되는 악단은 해당 음악제의 이름을 사용하기도 한다. 매년 여름에 바그너의 오페라 작품들을 전문적으로 공연하는 바이로이트 축제 관현악단을 대표적인 예로 들 수 있다. 이외에도 오자와 세이지가 마츠모토 음악제를 위해 창단한 사이토 기념 관현악단이나 정명훈이 아시아 연주자들을 모아 창단한 아시아 필하모닉 오케스트라도 비상설 관현악단의 예로 들 수 있다.

19세기 말에서 20세기 초에는 상류 계층들의 살롱 문화가 유행하면서 살롱이나 카페 등 비교적 소규모 공간에서 공연하기 위한 악단들이 많이 활동했다. 이들은 엄밀히 보면 실내악단의 범주에 속하지만, 많은 악단들이 '살롱 오케스트라(Salon Orchestra)'이라는 이름으로 활동했다. 미국에서 유입된 재즈나 블루스 등의 영향으로 빅밴드를 모방한 악단이 생겼을 때에도 관현악단이라는 명칭을 사용하기도 했다. 지금도 유럽뿐 아니라 미국에서도 '재즈 오케스트라(Jazz Orchestra)'라는 명칭의 빅밴드를 찾아볼 수 있다.

20세기 들어 클래식 외에도 팝, 영화음악, 재즈 등 여러 장르의 대중적인 레퍼토리를 곡목으로 삼아 팝스 콘서트가 열리게 되었고, 이러한 음악회를 위해 '팝스 오케스트라(Pops Orchestra)'도 활동하고 있다. 팝스 오케스트라는 독립 단체로 활동하거나 기존 관현악단들이 팝스 시즌에 이름을 바꾸어 활동하는 경우가 많다. 보스턴 교향악단의 단원들이 주축이 되는 보스턴 팝스 오케스트라와 헐리우드에서 영화음악 녹음을 위한 임시 악단의 단원들로 주로 활동하는 프리랜서 연주자들을 고용해 편성하는 헐리우드 보울 오케스트라 등이 유명하다.

중국이나 대한민국 등 동양권 국가들에서는 서양 관현악의 배치법과 연주 형식에 영향을 받아 자국의 전통 악기 연주자들을 중심으로 관현악단을 조직해 연주 활동을 하고 있다. 이 경우에는 '민족 관현악단' 이나 '국악관현악단' 등의 명칭으로 서양식 악단과 구분하고 있다. 중국에서는 이러한 형태의 악단을 영어로 'Chinese Orchestra'라고 표기하고 있으며, 중국 외에도 싱가포르나 말레이시아 등지의 화교 음악인들이 비슷한 악기 구성과 편성으로 창단한 악단들도 많이 따르고 있다.

한국에서는 아직 영어 명칭에 대한 합의점이 마련되어 있지 않다. 국립국악관현악단의 'National Orchestra of Korea' 같이 특별히 전통음악이라는 명칭을 사용하지 않거나 KBS 국악관현악단의 'KBS Traditional Music Orchestra' 같이 전통음악 악단임을 강조하는 영문 표기 양자가 공존하는 형태로 지속되고 있다. 조선민주주의인민공화국에서는 자국에서 개량한 민족악기를 주로 사용하는 민족 관현악단 외에 민족악기와 서양악기를 혼합해 편성하는 '배합관현악'이라는 형태의 악단이 많이 활동하고 있으나, 이 경우에도 영어 표기시 단순히 'orchestra'라는 단어만을 사용해 특별히 배합관현악이라는 점을 강조하지는 않고 있다.

5. 소속별 구분

개인이나 민간 단체가 운영하는 관현악단 외에도 국가나 지방 자치 단체 등에서 운영하는 악단들은 대개 국립(National/State)이나 왕립(Royal), 시립(Civic/City of~/Municipal), 주립(State), 도립(Provincial) 등의 명칭이 추가로 붙는 경우가 많다. 그러나 로열 필하모닉 오케스트라의 경우에는 명칭처럼 왕립 악단은 아니며, 로열 필하모닉 협회라는 음악 단체의 이름을 빌려 창단했을 뿐이다.[1] 반대로 소속을 표기하지 않는 경우도 종종 있다.[1]

방송국 혹은 언론사 소속의 관현악단들도 해당 방송국이나 언론사의 명칭을 같이 사용하며, 바이에른 방송 교향악단, 북독일 방송 교향악단, KBS 교향악단, 요미우리 일본 교향악단 등을 예로 들 수 있다.[1] 과거 사회주의 국가였던 러시아의 경우에는 국립 가운데에도 대통령 직속(Presidential)의 러시아 대통령 관현악단이나 구 소련 시절 활동하던 문화성(Ministry of Culture) 소속의 소련 문화성 교향악단(현 러시아 국립 카펠라 교향악단) 같은 좀 더 세분화된 분류를 사용하기도 한다.[1]

6. 운영 및 조직

관현악단은 개인이나 민간 단체가 운영하기도 하지만, 국가나 지방 자치 단체에서 운영하는 경우도 많다. 국가나 지방자치단체에서 운영하는 악단들은 대개 국립(National/State), 왕립(Royal), 시립(Civic/City of~/Municipal), 주립(State), 도립(Provincial) 등의 명칭을 추가로 사용한다. 그러나 로열 필하모닉 오케스트라처럼 명칭과 달리 왕립 악단이 아닌 경우도 있고, 바이에른 방송 교향악단, 북독일 방송 교향악단, KBS 교향악단, 요미우리 일본 교향악단처럼 소속을 명확히 밝히는 경우도 있다.[28] 러시아와 같이 과거 사회주의 국가였던 곳에서는 대통령 직속이나 문화성 소속 등 더 세분화된 분류를 사용하기도 한다.

오케스트라 지휘


악기 파트와 각 파트 내부에는 일반적으로 서열이 존재한다. 각 파트에는 파트를 이끌고 오케스트라 독주를 연주하는 '수석'이 있다. 제1바이올린 수석은 콘체르트마이스터(영국에서는 오케스트라 "리더")라고 불리며, 현악 파트의 리더이자 지휘자 다음으로 오케스트라 전체의 2인자로 여겨진다. 콘체르트마이스터는 공연 전 조율을 이끌고, 바이올린 또는 현악 파트 전체의 활쓰기를 결정하는 등 중요한 역할을 담당한다. 트롬본 수석은 저음 금관 파트의 리더, 트럼펫 수석은 금관 파트 전체의 리더로 여겨진다. 오보에는 300년 된 관례에 따라 오케스트라의 조율 음을 제공하기도 한다.[28] 대부분의 파트에는 보조 수석이 있어 수석 부재 시 그 역할을 대신한다.

현대에는 음악가들이 일반적으로 지휘자의 지휘를 받지만, 초기 오케스트라에는 지휘자가 없었고 콘체르트마이스터나 하프시코드 연주자가 이 역할을 담당했다. 일부 현대 오케스트라에서는 지휘자 없이 연주하기도 한다.

대만 타이페이에서 지휘봉을 사용하여 국립대만사범대학 심포니 오케스트라를 지휘하는 허 아포(Apo Hsu)


지휘자는 템포 설정, 앙상블 구성원들의 정확한 투입 보장, 프레이징 조율 등 음악 공연을 이끄는 역할을 한다.[3] 지휘자는 주로 손짓과 지휘봉을 사용하여 음악가들과 소통하며, 공연 전 리허설에서 구두 지시를 통해 자신의 해석을 전달한다.[45] 바로크 음악 시대에는 하프시코드 연주자나 제1바이올리니스트(콘체르트마이스터)가 그룹을 이끌기도 했다. 지휘자는 공연할 작품을 선택하고 악보를 연구하여 자신의 해석을 구상하며, 리허설 일정, 콘서트 시즌 기획, 오디션 및 단원 선발, 앙상블 홍보 등 조직적인 문제도 담당한다.[46]

낭만주의 음악 시대에 많았던 오케스트라 편성이 현재는 "표준적인 편성"으로 여겨진다. 고전 음악 연주에는 소규모, 근대 작품 연주에는 대규모 오케스트라가 사용되기도 한다. 오케스트라 구성원 수는 단체와 작품에 따라 다르며, 임시 참가 연주자를 추가하여 연주하는 경우도 있다.

많은 경우 지휘자는 오케스트라의 일원이 아니며, 연주회마다 다른 지휘자가 지휘한다. 그러나 "상임 지휘자"(혹은 "수석 지휘자", "음악 감독")는 장기간 오케스트라와 함께하며 오케스트라의 개성을 특징짓기도 한다. 빌럼 멩겔베르크와 암스테르담 콘세르트헤바우 관현악단(50년), 예브게니 무라빈스키와 레닌그라드 필하모니 교향악단(50년), 헤르베르트 폰 카라얀과 베를린 필하모니 관현악단, 카를 뵘과 빈 필하모니 관현악단, 오자와 세이지와 신일본 필하모닉 교향악단, 보스턴 심포니 오케스트라, 사이토 키넨 오케스트라 등이 대표적인 예이다. 상임 지휘자 이외의 지휘자를 "객원 지휘자"라고 부르며, 많은 오케스트라에서는 객원 지휘자를 통해 공연 레퍼토리를 보충하거나 예술적 향상을 목표로 한다.

오케스트라 내에는 다음과 같은 직책들이 존재한다.

  • 콘체르트마이스터/콘체르트미스트리스: 제1바이올린 수석 연주자로, 오케스트라 전체 연주를 정리하고 지휘자와 협력한다.
  • 수석: 악기별 첫 번째 연주자로, 파트 내에서 조정을 하고 지시를 내린다.
  • 차석, 부수석: 수석을 보좌한다.
  • 라이브러리언: 악보를 관리한다.
  • 인스펙터: 연주 외적인 부분에서 악단 전체를 총괄한다.
  • 스테이지 매니저: 공연 관련 무대 준비 및 진행을 총괄한다.

6. 1. 2019년 코로나바이러스감염증 세계적 유행의 영향

코로나바이러스감염증-19(COVID-19) 세계적 유행으로 2020년부터 전 세계 오케스트라는 큰 타격을 받았다. 감염 예방을 위해 콘서트 개최가 불가능해져 수입이 중단되었고, 단원들에게 지급할 급여가 대폭 줄거나 중단되어 전 세계적으로 단원들이 대량 해고되는 상황이 발생했다.[57] 심지어 존속이 어려워 폐쇄 위기에 몰린 오케스트라도 많았다.

오케스트라의 경제적 피해는 다양한 경로로 발생했다. 팬데믹 기간 동안 관객의 국경 간 이동이 중단되었고, 관광 도시는 관광객 감소로 세수가 급감하여 시 재정이 악화되었다. 이는 시 운영 오케스트라 예산 감소 또는 중단으로 이어졌다.[57]

미국 샌안토니오 심포니 오케스트라는 2021년 9월, 장기간의 팬데믹으로 인한 재정난을 이유로 단원을 72명에서 42명으로 줄이고, 해고되지 않은 단원의 급여도 3분의 2로 줄이겠다고 통보했다. 단원들은 이에 반발하여 파업을 하기도 했다.[58]

일본오케스트라연맹에 따르면, 가맹 37개 오케스트라 중 단원이 급여만으로 생계를 유지할 수 있는 곳은 원래 절반 정도였지만, 일본에서의 코로나19 팬데믹의 사회적 영향으로 많은 공연이 중단·연기되어 급여가 더욱 감소했다. 학교 강의도 휴교로 중단되어 오케스트라 수입 감소로 단체 존속 위기가 발생했다. 오케스트라에 소속되지 않은 프리랜서 연주자는 공연 중단과 강사 일 감소로 개인 수입이 더욱 줄었다.[59]

7. 한국의 관현악단

관현악단과 교향악단이라는 용어는 혼용되거나 오용되는 경우가 많다. 특히 일본의 영향을 받은 한국에서도 이러한 사례를 쉽게 찾아볼 수 있다.[1]

일본 필하모닉 오케스트라가 '일본 필하모니 교향악단'이라는 이중 표기를 사용한 것이나, 베를린 필하모닉 오케스트라를 '베를린 필하모니 교향악단'으로 번역하는 것이 대표적인 예시이다. 북한에서도 2008년 뉴욕 필하모닉의 평양 방문 당시 '뉴욕 교향악단'이라는 명칭을 사용했다.[1]

서울 시립 교향악단의 경우처럼 한국어 명칭과 영어 명칭이 달라 혼란을 야기하기도 한다. 서울시향은 영어 명칭으로 'Seoul Philharmonic Orchestra'를 사용하면서, 같은 명칭을 사용하는 민간 악단인 서울 필하모닉 오케스트라와 법정 분쟁을 겪었다. 부산 시립 교향악단, 대전 시립 교향악단 등도 유사한 이중 표기 문제를 안고 있다.[1]

이러한 문제는 뉴욕 필하모닉이 과거 '뉴욕 필하모닉 교향악단'이라는 명칭을 사용했던 것에서 기인하기도 하지만, 이는 뉴욕 필이 뉴욕 교향악단을 흡수 합병하면서 생긴 특수한 경우였다.[1]

과거 한국에서는 필하모닉 오케스트라와 교향악단의 차이를 공연료, 초빙 연주자, 청중의 재력 등으로 구분한다는 잘못된 인식이 퍼져 논란이 일기도 했다. 그러나 영국의 런던 교향악단과 같이 교향악단이 필하모닉 오케스트라보다 열등하다는 것은 결코 아니며, 사회주의 국가에서는 오히려 교향악단 명칭을 선호하는 경향도 있었다.[1]

7. 1. 주요 관현악단

관현악단은 흔히 '교향악단'과 같은 개념으로 취급되지만, 이 둘은 명확히 구분되어야 한다. 그러나 두 단어가 혼용되거나 오용되어 혼란을 주는 경우가 있는데, 일본의 영향을 받은 한국에서도 이러한 사례를 찾아볼 수 있다.

일본에서는 일본 필하모닉 오케스트라가 '일본 필하모니 교향악단(Japan Philharmonic Symphony Orchestra)'이라는 이중 표기를 사용한 적이 있으며, 한국에서도 베를린 필하모닉 오케스트라를 '베를린 필하모니 교향악단'으로 번역한 사례가 있다. 북한에서도 2008년 뉴욕 필하모닉이 평양을 방문했을 때 '뉴욕 교향악단'이라는 번역 명칭을 사용했다.

서울 시립 교향악단은 한국어 명칭은 시립 교향악단이지만, 영어 명칭을 'Seoul Philharmonic Orchestra'로 사용하면서 같은 영어 명칭을 사용하는 민간 악단인 서울 필하모닉 오케스트라와 법정 소송을 겪기도 했다. 부산 시립 교향악단, 대전 시립 교향악단 등 다른 시립 악단들도 이러한 이중 표기를 사용하고 있다.

뉴욕 필하모닉이 뉴욕 필하모닉 교향악단이라는 명칭으로 활동했던 것이 이러한 이중 표기나 오역의 원인으로 볼 수 있지만, 이는 뉴욕 필이 뉴욕 교향악단을 흡수 합병했을 때 그 사실을 알리기 위해 사용한 것이므로 주의해야 한다.

한국에서는 필하모닉 오케스트라와 교향악단의 차이를 공연 입장료, 초빙 독주자의 명성, 청중들의 재력 등으로 평가한다는 기준이 제시되어 논란이 되기도 했다. 그러나 영국의 런던 교향악단처럼 교향악단이 필하모닉 오케스트라보다 반드시 열등한 것은 아니다. 사회주의 국가에서는 소수 부르주아 중심이라는 인상을 주는 필하모닉 오케스트라 대신 교향악단이라는 명칭을 사용하기도 했다.

러시아에서는 약칭으로 '필하모닉 오케스트라'라고 부르는 악단도 정식 명칭에 '교향악단'을 중복 사용하는 경우가 있다. 모스크바 필하모닉 오케스트라, 상트페테르부르크 필하모닉 오케스트라가 그 예이다. 그러나 소련 붕괴 후 창단된 악단 중에는 이러한 이중 표기의 모호함을 가중시키는 비슷한 명칭의 악단들이 많아 공연이나 음반 발매 시 혼란을 주고 있으며, 유명 악단과 이름이 비슷하다는 점을 악용해 사기 행각을 벌이는 사례도 있어 주의해야 한다. 모스크바 필하모닉 오케스트라의 공식 명칭은 'Академический симфонический оркестр Московской филармонии', 즉 '모스크바 필하모닉 아카데미 교향악단'이다.

7. 2. 국악관현악단

관현악단과 교향악단을 혼용하거나 오용하는 사례는 일본의 영향을 받은 한국에서도 찾아볼 수 있다.

일본에서는 일본 필하모닉 오케스트라가 '일본 필하모니 교향악단(Japan Philharmonic Symphony Orchestra)'이라는 이중 표기를 사용한 적이 있으며, 한국에서도 베를린 필하모닉 오케스트라를 '베를린 필하모니 교향악단'으로 번역한 사례가 있다. 북한에서도 2008년 뉴욕 필하모닉이 평양을 방문했을 때 '뉴욕 교향악단'이라는 번역 명칭을 사용했다.

서울 시립 교향악단은 한국어 명칭은 시립 교향악단이지만, 영어 명칭은 'Seoul Philharmonic Orchestra'로 사용하면서 같은 영어 명칭을 사용하는 민간 악단인 서울 필하모닉 오케스트라와 법정 소송을 겪기도 했다. 부산 시립 교향악단, 대전 시립 교향악단 등 다른 시립 악단들도 이러한 이중 표기를 계속 사용하고 있다.

이러한 이중 표기나 오역은 뉴욕 필하모닉이 뉴욕 필하모닉 교향악단이라는 명칭으로 활동했던 것에서 비롯되었을 수 있지만, 이 경우에는 뉴욕 필이 뉴욕 교향악단을 흡수 합병했을 때 그 사실을 알리기 위해 사용한 것이므로 주의해야 한다.

한국에서는 한동안 필하모닉 오케스트라와 교향악단의 차이를 공연 입장료, 독주자의 명성, 청중들의 재력 등으로 평가한다는 식의 기준이 제시되어 논란이 되기도 했다. 그러나 영국의 런던 교향악단처럼 교향악단이 필하모닉 오케스트라보다 무조건 열등한 것은 아니다. 사회주의 국가에서는 소수의 부르주아들이 중심이 된다는 인상을 주는 필하모닉 오케스트라 대신 교향악단이라는 명칭을 자국의 1급 악단에도 많이 사용했다.

러시아의 경우, 약칭으로 '필하모닉 오케스트라'라고 부르는 악단이라도 정식 명칭에 '교향악단'을 중복 사용하는 경우가 있다. 모스크바 필하모닉 오케스트라, 상트페테르부르크 필하모닉 오케스트라가 그 예이다. 그러나 소련 붕괴 후 창단된 악단 중에는 이러한 이중 표기의 모호함을 가중시키는 비슷한 명칭의 악단이 많아 공연 개최나 음반 발매 시 혼란을 주고 있으며, 유명 악단과 이름이 비슷하다는 점을 악용해 사기 행각을 벌이는 사례도 있어 주의해야 한다. 모스크바 필하모닉 오케스트라의 공식 명칭은 Академический симфонический оркестр Московской филармонииru, 즉 '모스크바 필하모닉 아카데미 교향악단'이다.

참조

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[55] 문서 吉田秀和は著書『ヨーロッパの響、ヨーロッパの姿』において、欧州のオペラ上演の半数以上がドイツで行われていると述べている。
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[63] 문서 第1ヴァイオリンが12名。
[64] 문서 Pult：譜面台のことで、2人で1つの譜面台を見ることから、1プルトは2名に相当する。
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[72] 문서 木下正道・オーケストラのためのサラユーケル・武満徹作曲賞本選会
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