예술활동
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1. 개요
예술 활동은 고대 그리스 시대부터 존재해 온 개념으로, '테크네'라는 단어로 예술과 공예를 함께 지칭했다. 예술은 시각 예술, 무대 예술, 문학, 요리 등 다양한 분야로 분류되며, 시대와 지역에 따라 표현 방식과 가치가 다르게 나타난다. 고대와 중세 시대에는 종교적 주제를 다룬 예술이 주를 이루었으며, 동양 미술은 서양 미술과 다른 스타일을 보여주었다. 현대에는 건축, 도자 예술, 개념 미술, 드로잉, 회화, 사진, 조각 등 다양한 시각 예술 형태가 존재하며, 문학, 공연 예술, 다학제적 예술 등 다양한 형태로 발전해왔다. 예술은 비평을 통해 가치를 평가받고, 교육을 통해 전파되며, 정치와 사회에 영향을 미치는 중요한 활동이다.
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- 예술 - 문학
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2. 역사와 분류
예술은 문화와 역사를 통틀어 기술, 창의성, 상상력을 가진 사람들이 수행한 다양한 행위나 객체로 간주되며, 하나의 그룹으로 여겨진다. 이러한 활동에는 회화, 조각, 음악, 연극, 문학 등이 포함된다. 예술은 인간의 창의적 기술을 사용하는 방식 또는 적용 방식을 의미하며, 일반적으로 시각적인 형태를 띤다.
예술의 역사적 변천 과정과 다양한 분류 기준에 대한 자세한 내용은 아래 하위 섹션에서 다룬다.
2. 1. 고대와 중세
고대 그리스에서는 예술과 공예를 '테크네'라는 하나의 단어로 불렀다. 고대 그리스 예술은 동물의 형상을 숭배하는 것에서 시작하여 근육, 균형, 아름다움, 해부학적으로 정확한 비율을 표현하는 기술을 발전시켰다. 고대 로마의 예술은 신들을 이상화된 인간의 모습으로 묘사했으며, 각 신을 구별하는 특징적인 상징물(예를 들어 제우스의 벼락)을 함께 표현했다.
중세 시대의 비잔틴 및 고딕 미술에서는 당시 사회를 지배했던 교회의 영향력이 강하게 나타난다. 교회와 국가가 긴밀하게 연결되어 있었기 때문에, 예술 작품 역시 기독교적인 주제를 다루는 경우가 많았다.
동양 미술은 일반적으로 서양의 중세 미술과 유사한 특징을 보인다. 작품 표면의 패턴과 '국부 색상'을 중요하게 다루었는데, 이는 빛이나 그림자에 따른 색의 변화를 표현하기보다는 대상이 가진 고유의 색(예: 빨간 옷의 경우 순수한 빨간색)을 단순하게 칠하는 방식을 의미한다. 이러한 특징은 국부 색상이 뚜렷한 윤곽선으로 정의된다는 것이다(현대적 동등물은 만화). 이러한 특징은 예를 들어, 인도 미술, 티베트 미술, 일본 미술 등에서 잘 나타난다.
한편, 이슬람 미술은 종교적인 이유로 살아있는 존재, 특히 사람이나 동물을 직접적으로 묘사하는 것을 피하는 경향이 있다. 대신 아름다운 서예나 정교한 기하학적 무늬를 사용하여 종교적인 의미를 표현한다.
2. 2. 동서양의 예술
고대 그리스에서 예술과 공예는 '테크네'라는 하나의 개념으로 여겨졌다. 고대 그리스 예술은 동물의 형상을 숭배하는 것에서 출발하여, 인체의 근육, 균형, 아름다움, 해부학적으로 정확한 비율을 표현하는 기술로 발전했다. 고대 로마의 예술은 신들을 이상화된 인간의 모습으로 묘사했으며, 각 신을 상징하는 특징적인 요소(예: 제우스의 벼락)를 함께 표현했다.
중세 시대의 비잔틴 및 고딕 미술에서는 교회와 국가의 긴밀한 관계 속에서 교회의 영향력이 강했기 때문에 기독교적인 주제가 예술의 중심을 이루었다.
동양 미술은 일반적으로 서양의 중세 미술과 유사하게 표면의 무늬나 고유색(빛이나 그림자에 따른 색 변화가 아닌, 대상 본연의 색)을 강조하는 경향이 있었다. 이러한 특징은 색상을 뚜렷한 윤곽선으로 구분하는 방식에서 잘 나타나며(현대의 만화와 유사하다), 이는 인도 미술, 티베트 미술, 일본 미술 등에서 찾아볼 수 있다.
이슬람 미술은 종교적인 이유로 사람이나 동물 등 살아있는 존재를 직접적으로 묘사하는 것을 피하는 경향이 있다. 대신 서예나 기하학적인 문양을 통해 종교적인 내용을 표현한다.
2. 3. 예술의 분류
예술은 전통적으로 회화, 건축, 조각, 문학, 음악, 연극, 영화의 일곱 가지로 분류되어 왔다.[1] 일부에서는 이 중 문학, 회화, 조각, 음악을 핵심적인 네 가지 예술로 보고, 나머지는 파생된 것으로 간주하기도 한다. 예를 들어, 연극은 연기를 포함한 문학, 무용은 동작으로 표현된 음악, 노래는 문학과 목소리가 결합된 음악으로 보는 식이다.
현대에 와서는 이러한 분류가 확장되기도 한다. 프랑스어권 학계에서는 종종 영화를 "여덟 번째 예술"로, 만화를 "아홉 번째 예술"로 칭하며 전통적인 7가지 예술 분류에 덧붙인다. 또한, 미식학과 같은 문화 분야도 때때로 예술의 한 형태로 여겨진다.
주요 예술 분야는 다음과 같이 나누어 볼 수 있다.
3. 시각 예술
시각 예술은 눈으로 인지할 수 있는 형태와 이미지를 통해 아이디어나 감정을 표현하는 예술 분야를 아우른다. 주로 공간, 형태, 색, 선 등을 활용하여 작품을 창작하며, 다양한 매체와 기법이 사용된다. 대표적인 시각 예술 분야로는 건축, 도자 예술, 개념 미술, 드로잉, 회화, 사진, 조각 등이 있다. 이러한 분야들은 각각 독자적인 역사와 특성을 지니며 서로 영향을 주고받으며 발전해왔다.
3. 1. 건축
건축은 건축물과 구조물을 설계하는 예술이자 과학이다. 더 넓은 정의로는 가구 제작과 같은 미시적 수준에서부터 도시 계획, 도시 디자인, 조경 건축과 같은 거시적 수준에 이르기까지, 인공적인 환경의 설계를 포괄한다. '건축'이라는 단어는 라틴어 architectūra|아르키텍투라la에서 유래했으며, 이는 "주 건축가, 공사 감독관"을 의미하는 architectus|아르키텍투스la에서 파생되었다. 건축 설계는 일반적으로 건설을 위한 비용 및 타당성 문제뿐만 아니라, 소비자를 위한 기능과 미학 역시 중요한 고려 대상이 된다.
현대적인 용법에서 건축은 복잡한 대상이나 시스템에 대한 암시적이거나 외관상의 계획을 창조하거나 추론하는 예술이자 학문으로 이해되기도 한다. 일부 유형의 건축은 공간, 부피, 질감, 빛, 그림자 또는 추상적인 요소를 조작하여 심미적인 만족감을 추구한다. 건축 작품은 때때로 문화적, 정치적 상징으로 여겨지거나 그 자체로 예술 작품으로 간주될 수 있다. 건축가의 역할은 시대에 따라 변화해 왔지만, 사람들이 쾌적하게 거주할 수 있는 환경을 설계하고 구현하는 데 있어 핵심적인 역할을 수행해 왔다.
3. 2. 도자 예술
도자 예술은 세라믹 재료, 특히 점토를 사용하여 만드는 예술이다.[2] 도기, 타일, 인형, 조각, 식기 등 매우 다양한 형태로 만들어질 수 있다. 어떤 도자기는 순수 미술 작품으로, 또 다른 것들은 장식 미술, 산업 디자인 또는 응용 미술 작품으로 분류된다. 도자기는 고고학에서 중요한 유물로 다뤄지기도 한다.
도자 예술은 한 사람이 만들 수도 있고, 여러 사람이 협력하여 만들 수도 있다. 도자기 공장이나 세라믹 공장에서는 여러 사람이 디자인, 제작, 장식 과정을 분담한다. 반면, 예술 도자기로 여겨지는 작품 중에는[3] 도예가나 도공이 자신의 스튜디오에서 직접 만드는 스튜디오 도자기도 있다. 단, 유리나 유리 조각(''테세라'')으로 만든 모자이크는 도자 예술의 범주에 포함되지 않는다.[4]
3. 3. 개념 미술
개념 미술은 작품과 관련된 개념 또는 아이디어가 전통적인 미적 및 재료적 관심사보다 우선하는 미술이다.[5] 1960년대에 이 용어가 처음 사용되었을 때는 텍스트로 표현되어 시각 예술과 관련된 전통적인 시각적 기준을 거부하는, 아이디어 기반 미술의 엄격하고 집중된 실천을 의미했다. 그러나 1990년대 영국 젊은 예술가들 및 터너상과의 연관성을 통해, 특히 영국에서는 개념 미술이 회화나 조각 같은 전통적인 기술을 사용하지 않는 모든 현대 미술을 가리키는 용어로 의미가 확장되기도 했다.[6]3. 4. 드로잉
드로잉은 다양한 도구와 기법을 사용하여 이미지를 만드는 수단이다. 일반적으로 도구의 압력을 가하거나 도구를 표면 위로 움직여 표면에 표시를 하는 것을 포함한다. 일반적인 도구로는 흑연 연필, 펜과 잉크, 잉크 붓, 왁스 색연필, 크레용, 목탄, 파스텔, 마커 등이 있다. 이와 유사한 효과를 내는 디지털 도구도 사용된다. 드로잉에 사용되는 주요 기법은 선 드로잉, 해칭, 교차 해칭, 무작위 해칭, 스크리블, 점묘법, 블렌딩이다. 드로잉에 능숙한 예술가는 '드로프터', '드래프트우먼' 또는 '드로우트스맨'이라고 불린다.[7] 드로잉은 삽화, 만화, 애니메이션과 같은 문화 산업에서 사용되는 예술 작품을 만드는 데 사용될 수 있다. 만화는 프랑스어권 학계에서 종종 "아홉 번째 예술"(le neuvième art프랑스어)이라고 불리며, 전통적인 "7개의 예술"에 추가된다.3. 5. 회화
회화는 자기 표현의 한 형태로 여겨진다.[8] 드로잉, 제스처 (예: 제스처 페인팅), 구성, 내러티브 (예: 내러티브 미술), 또는 추상 (예: 추상 미술) 등 미적 양식을 통해 예술가의 표현적이고 개념적인 의도를 나타낼 수 있다. 회화는 극사실주의,[9] 추상,[10] 내러티브,[11] 상징주의 (상징주의 미술),[12] 감정적 (표현주의),[13] 또는 정치적인 주제 (예술 행동주의) 등 다양한 주제를 가질 수 있다.[14]
일부 현대 화가들은 모래, 시멘트, 짚, 나무 또는 머리카락 가닥과 같은 다양한 재료를 작품의 질감에 사용한다. 장 뒤뷔페 또는 안젤름 키퍼의 작품이 그 예시이다.[15][16]
3. 6. 사진
예술 형식으로서의 사진은 사진작가의 창의적인 비전에 따라 제작된 사진을 의미한다. 예술 사진은 뉴스 이벤트를 시각적으로 기록하는 보도 사진과 제품 또는 서비스를 광고하는 데 중점을 둔 상업 사진과 대조를 이룬다.[17]3. 7. 조각
조각은 3차원 공간에서 표현되는 시각 예술의 한 분야이며, 조형 예술에 속한다. 전통적인 조각은 돌, 금속, 세라믹, 나무 등의 재료를 사용하여 깎아내는 방식(조각)이나 덧붙이는 방식(모델링)으로 제작되었다. 하지만 모더니즘 이후 조각은 재료와 제작 과정 선택에 있어 훨씬 자유로워졌다. 다양한 재료를 깎거나 붙이고, 용접하거나 주조하는 등 여러 기법을 활용하여 작품을 만들 수 있다.[18][19][20]4. 문학 예술
문학은 언어를 매개로 하는 예술의 한 분야로, '문학 예술' 또는 '언어 예술'이라고도 불린다. 글쓰기를 통한 표현뿐만 아니라 말로 전해지는 구술 문학도 포함한다.
예술 활동은 다양한 형태로 나타나며, 문학 외에도 다음과 같은 주요 분야들이 있다.
4. 1. 문학의 정의와 범위
문학은 '문자에 대한 지식'이라는 의미를 가지며, 이는 ''옥스퍼드 영어 사전''에 처음 제시된 정의이다. '문학 예술' 또는 '언어 예술'이라고도 불린다. '문학'이라는 말은 '개별 문자'를 뜻하는 라틴어 littera|리테라lat에서 유래했다. 서양 문화권에서는 주로 산문(소설과 논픽션 포함), 희곡, 시와 같은 글쓰기 작품들을 문학으로 분류해왔다. 하지만 전 세계적으로 문자는 물론 말로 전해지는 예술적인 언어 표현, 즉 구술 문학 역시 중요한 부분을 차지한다. 여기에는 서사시, 전설, 신화, 민요, 그 외 다양한 형태의 구술 시나 민속과 같은 장르가 포함될 수 있다. 한편, 그림과 이야기를 결합한 만화는 프랑스어권 학계에서 '아홉 번째 예술'(le neuvième art|르 뇌비엠 아르fra)로 불리기도 한다.4. 2. 만화
그림이나 다른 시각 예술과 이야기를 결합한 만화는 프랑스어권 학계에서 '아홉 번째 예술'(le neuvième art|르 뇌비엠 아르프랑스어)이라고 불린다.5. 공연 예술
공연 예술은 춤, 음악, 연극, 오페라, 마임과 같이 인간의 연기가 주요 결과물인 예술 형태를 포함한다. 이러한 연기 요소는 공연 예술을 시각 예술이나 문학 예술과 같은 다른 분야와 구별하는 중요한 특징이다. 시각 예술이나 문학 예술은 감상하기 위해 반드시 연기가 필요하지는 않다.
공연 예술의 각 분야는 본질적으로 시간적인 성격을 지닌다. 즉, 결과물이 일정한 시간 동안 수행되는 것을 의미한다. 공연 결과물은 대본이나 악보처럼 반복될 수 있는 형태이거나, 매번 새롭게 즉흥적으로 이루어지는 형태로 나눌 수 있다.
관객 앞에서 공연 예술에 참여하는 예술가들을 '연기자'라고 부르며, 여기에는 배우, 마술사, 코미디언, 무용가, 음악가, 가수 등이 포함된다. 공연 예술은 또한 작곡가나 무대 기술자와 같이 필수적인 역할을 하는 다른 예술가나 작업자들의 지원을 받는다. 연기자들은 의상이나 무대 분장과 같은 도구를 사용하여 자신의 신체적 외모를 바꾸기도 한다.[21]
5. 1. 춤
춤은 일반적으로 표현의 한 형태로 사용되거나 사회적, 영적 또는 공연 환경에서 제시되는 인간의 움직임을 의미한다. 안무는 춤을 만드는 기술이며, 이를 수행하는 사람은 안무가라고 불린다. 춤을 구성하는 요소에 대한 정의는 사회, 문화, 미학, 예술 및 도덕적 제약에 따라 다르며, 민속 춤과 같은 기능적 움직임에서 발레와 같은 정형화된 거장 기술에 이르기까지 다양하다. 스포츠에서 체조, 피겨 스케이팅, 싱크로나이즈드 스위밍은 춤의 한 분야이다. 무술에서 "형"은 춤에 비유된다.[22]5. 2. 음악
음악은 소리의 조합을 매체로 하는 예술 형식으로 정의된다. 학자들은 음악이 일반적으로 몇 가지 핵심 요소로 구성된다는 데 동의하지만, 그 정확한 정의에 대해서는 논쟁이 있다. 일반적으로 식별되는 측면에는 음높이 (선율과 화음을 지배), 지속 시간 ( 리듬 및 템포 포함), 강도 (다이내믹 포함), 음색이 있다. 문화 보편성으로 여겨지지만, 음악의 정의는 자연, 초자연, 인류에 대한 다양한 관점을 기반으로 하기 때문에 전 세계적으로 매우 다양하다. 음악은 작곡과 연주로 구분되며, 즉흥 연주는 중간적인 전통으로 간주될 수 있다. 음악은 장르와 하위 장르로 나눌 수 있지만, 장르 간의 경계선과 관계는 미묘하고, 개인적인 해석에 열려 있으며, 논란의 여지가 있다.
5. 3. 연극
연극 또는 극장(그리스어 θέατρον|테아트론el에서 유래했으며, 이는 '보다'라는 뜻의 theasthai|테아스타이el와 관련 있다[23])은 연설, 몸짓, 음악, 무용, 음향 및 볼거리를 조합하여 관객 앞에서 이야기를 연기하는 공연 예술 분야이다.[24] 표준적인 이야기체 대화 방식 외에도 오페라, 발레, 마임, 가부키, 고전 인도 무용, 중국 경극과 같은 다양한 형태를 포함한다.[25][26][27][28]6. 다학제적 예술
예술 작품 중에는 영화, 오페라, 퍼포먼스 아트와 같이 여러 예술 분야를 통합하는 영역이 존재한다.[29] 오페라는 음악, 연극, 미술 등 다양한 요소를 결합하며, 작곡가 리하르트 바그너는 이를 게자무트쿤스트베르크(Gesamtkunstwerk, "총체예술") 개념으로 발전시켰다.[30] 17세기에 등장한 고전 발레 역시 오케스트라 음악과 무용이 결합된 다학제적 예술의 한 형태이다.[30] 이후 퍼포먼스 아트 등 여러 분야를 창의적으로 융합하려는 시도가 이어졌다.[31] 이처럼 다학제적 예술은 각기 다른 예술 분야의 경계를 넘나들며 새로운 형태의 예술적 표현과 경험을 창출한다.
6. 1. 오페라
오페라는 여러 예술 분야가 통합된 영역 중 하나로, 종종 음악 공연 예술로 분류된다. '오페라'라는 이탈리아어 단어는 '작품'을 의미하는데, 이는 오페라가 다양한 예술 분야를 하나의 예술적 경험으로 결합하기 때문에 붙여진 이름이다. 전통적인 오페라 작품은 무대, 의상, 연기, 리브레토, 가수, 그리고 오케스트라와 같은 요소들을 활용한다.[29]
작곡가 리하르트 바그너는 그의 연작 ''니벨룽의 반지''(Der Ring des Nibelungen|데어 링 데스 니벨룽겐de)에서 볼 수 있듯이, 여러 분야를 오페라라는 하나의 작품으로 융합하는 것을 중요하게 생각했다. 그는 자신의 작품에 오페라라는 용어 대신 게자무트쿤스트베르크(Gesamtkunstwerk, "총체예술")라는 용어를 사용했으며, 이는 영어로 "음악극"이라고도 불린다. 이를 통해 바그너는 음악만큼이나 문학적, 연극적 요소의 중요성을 강조했다.[30]
6. 2. 퍼포먼스 아트
19세기 후반, 20세기, 그리고 21세기에 들어서면서 퍼포먼스 아트와 같이 여러 예술 분야를 창의적인 방식으로 융합하는 작품들이 나타났다. 퍼포먼스 아트는 시간의 흐름에 따라 진행되는 공연 예술의 한 형태로, 미리 정해진 혹은 비교적 자유로운 구조 안에서 다양한 악기, 사물(오브젝트), 그리고 예술 형식을 결합하는 특징을 지닌다. 이러한 과정에서 즉흥적인 요소가 포함될 수도 있다. 퍼포먼스 아트는 대본이 있을 수도 있고 없을 수도 있으며, 무작위적이거나 또는 신중하게 구성될 수 있다. 경우에 따라서는 관객의 참여가 이루어지기도 한다.[31]존 케이지는 스스로를 작곡가라기보다는 퍼포먼스 아티스트로 여겼는데, 그는 전통적인 악기 편성을 위한 곡보다는 퍼포먼스 아트의 성격을 띤 작품을 주로 선보였다. 케이지가 1940년에 작곡한 ''리빙 룸 뮤직''(Living Room Musiceng)은 일반적인 가정의 거실에서 찾을 수 있는 물건들, 즉 멜로디가 없는 사물들을 악기로 활용하는 4중주곡이다.[31]
7. 기타 예술
7. 1. 응용 미술
응용 미술은 매일 사용되는 기능적 대상에 디자인과 장식을 적용하여 미학적으로 만족스럽게 만드는 것이다. 응용 미술은 산업 디자인, 삽화, 상업 미술과 같은 분야를 포함한다.[32] "응용 미술"이라는 용어는 순수 미술과 구별하여 사용되며, 순수 미술은 아름다운 대상을 만들거나 지적 자극을 제공하는 것을 목표로 하지만 기본적인 일상 기능은 없는 예술로 정의된다. 실제로 이 둘은 종종 중첩된다.7. 2. 비디오 게임
비디오 게임은 시각적인 요소나 사운드와 같이 논란의 여지가 없는 예술적 요소뿐만 아니라, 상호작용적인 특성에서 비롯되는 경험까지 포함하는 다학제적 작품이다. 비디오 게임 커뮤니티 내에서는 비디오 게임을 예술의 한 형태로 분류해야 하는지, 그리고 AAA 게임 개발자나 인디 게임 개발자와 같은 비디오 게임 개발자를 예술가로 분류해야 하는지에 대한 논쟁이 있다.[33] 게임계의 오토르로 여겨지기도 하는 비디오 게임 디자이너 고지마 히데오는 2006년에 비디오 게임을 예술 형식이라기보다는 서비스의 일종이라고 주장하기도 했다. 사회 과학 분야의 문화 경제학자들은 비디오 게임을 즐기는 것이 오히려 전통적인 예술 형식에 참여하는 데 도움이 될 수 있다는 연구 결과를 내놓기도 했다. 2011년 미국 국립 예술 기금은 비디오 게임을 "예술 작품"의 정의에 포함시켰으며, 스미소니언 미국 미술관은 2012년에 ''비디오 게임의 예술''(The Art of Video Games)이라는 전시회를 개최했다.8. 예술 비평
미술 비평은 예술에 대한 논의 또는 평가이다.[34][35][36] 일반적으로 미술 평론가는 미학 또는 아름다움의 이론이라는 맥락에서 예술을 비평한다.[35][36] 미술 비평의 목표는 예술 감상의 합리적인 기반을 추구하는 것이지만,[34][35][36] 그러한 비평이 지배적인 사회 정치적 상황을 초월할 수 있는지는 의문이다.[37]
다양한 예술 사조로 인해 미술 비평은 서로 다른 기준을 사용할 수 있는 여러 분야로 나뉘었다.[36][38] 비평 분야에서 가장 흔한 구분은 미술사의 한 형태인 역사적 비평과 평가, 그리고 현재 활동하는 예술가의 작품에 대한 동시대 비평이다.[34][35][36]
비평이 예술 창작보다 위험 부담이 적은 활동이라는 인식에도 불구하고, 현재 예술에 대한 평가는 시간이 지나면서 수정될 수 있다.[35] 과거의 비평가들은 현재 높이 평가받는 예술가들(예: 인상주의 초기 작품)을 낮게 평가했다는 이유로 비판받기도 한다.[36][40][39] 일부 예술 사조는 비평가들이 경멸적으로 붙인 이름이었으나, 나중에 해당 양식의 예술가들이 원래의 부정적인 의미를 잊고 명예로운 이름처럼 사용하기도 했다(예: 인상주의, 입체주의).[40][41][42] 예술가들은 비평가들과 때로는 불편한 관계를 맺어왔다. 일반적으로 예술가들은 자신의 작품이 전시되고 판매되기 위해 비평가들의 긍정적인 평가를 필요로 한다.[35][43]
미학, 인지, 지각과 같은 많은 요소가 예술에 대한 판단에 영향을 미친다. 미학 이론, 실용주의 이론, 표현주의 이론, 형식주의 이론, 상대주의 이론, 절차주의 이론, 모방 이론, 의례 이론, 인지 이론, 포스트모던 이론 등은 예술을 비평하고 감상하는 다양한 이론 중 일부이다. 미술 비평과 감상은 미학이나 형식에 대한 개인적인 선호, 디자인의 요소와 원칙, 사회적 및 문화적 수용 여부에 따라 주관적일 수 있다.[44]
9. 예술 교육
교육에서의 예술은 예술적 경험을 통한 학습에 대한 교육 연구 및 실천 분야이다. 이 맥락에서 예술은 공연 예술 교육 (무용, 연극, 음악), 문학 및 시, 스토리텔링, 영화 속 시각 예술 교육, 공예, 디자인, 디지털 아트, 미디어 및 사진 등을 포함할 수 있다.[45]
10. 예술과 정치
예술과 정치, 특히 다양한 종류의 예술과 권력 사이에는 역사와 문화 전반에 걸쳐 강력한 관계가 존재한다.[46] 예술은 사건과 정치에 반응하면서 정치적, 사회적 차원을 모두 갖게 되며, 때로는 논란의 중심이 되거나 정치적, 사회 변화의 원동력이 되기도 한다.[47]
예술가는 자유사상을 가지는 경향이 있다. 예를 들어, 존경받는 작가인 푸시킨은 러시아 관료와 특히 차르의 심기를 불편하게 만들었다.[48] 푸시킨은 행정부의 일원으로서 국가에 봉사하며 관습적인 미덕을 찬양하는 글을 써야 했지만, 실제로는 운율의 참신함, 감각적인 상상의 대담함, 그리고 권력자를 조롱하는 성향 등 위험한 자유사상을 드러내는 독립적이고 비판적인 시를 썼기 때문이다.[48]
예술가들은 자신의 작품을 통해 정치적 견해를 표현하고 사회 변화를 촉구하기도 한다. 이러한 활동은 혐오 발언과 같은 부정적인 영향을 미칠 수도 있지만, 아트비즘처럼 긍정적인 사회 운동으로 나타나기도 한다.[49] 한편, 정부는 예술을 선전의 도구로 사용하여 자신들의 의제를 홍보하기도 한다.[50]
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