일본의 미술
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1. 개요
일본의 미술은 선사 시대부터 현대에 이르기까지 다양한 시대와 양식을 거치며 발전해 왔다. 조몬 시대의 토기, 야요이 시대의 금속 공예, 고분 시대의 고분과 하니와 등 선사 시대 유물은 일본 미술의 기원을 보여준다. 고대에는 불교의 전래와 함께 대륙 문화가 유입되어 아스카 시대의 불상 조각, 나라 시대의 불교 미술이 발달했다. 헤이안 시대에는 야마토에가 등장하여 일본적 회화 양식이 확립되었으며, 가마쿠라 시대에는 사실주의적 경향이 나타나 초상화와 조각이 발달했다. 무로마치 시대에는 선종의 영향으로 수묵화가 유행했고, 아즈치모모야마 시대에는 가노파가 등장하여 장식적인 회화를 발전시켰다. 에도 시대에는 우키요에와 난화가 유행하며, 서민 문화와 중국 문화를 반영한 다양한 예술이 발전했다. 메이지 시대 이후 서양 미술의 영향을 받아 서양화와 일본화가 공존하며 발전했으며, 현대에는 다양한 형태와 아이디어를 포괄하는 예술이 나타나고 있다. 일본의 전통 미학인 와비사비, 미야비, 시부이, 조하큐 등은 일본 미술 전반에 걸쳐 중요한 역할을 하고 있다.
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| 일본의 미술 | |
|---|---|
| 일본 미술 | |
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| 개요 | |
| 유형 | 시각 예술 |
| 국가 | 일본 |
| 역사 | |
| 시기 | 조몬 시대 야요이 시대 고훈 시대 아스카 시대 나라 시대 헤이안 시대 가마쿠라 시대 무로마치 시대 모모야마 시대 에도 시대 메이지 시대 다이쇼 시대 쇼와 시대 헤이세이 시대 레이와 시대 |
| 종류 | |
| 회화 | 야마토에 우키요에 분진가 수묵화 |
| 조각 | 불상 |
| 공예 | 도자기 칠기 조각 직물 |
| 건축 | 일본 건축 |
| 서예 | 서예 |
| 관련 항목 | |
| 관련 항목 | 일본 정원 분재 이케바나 다도 일본 갑옷 일본도 만화 애니메이션 비디오 게임 |
| 일본 미술 (日本美術, にほんびじゅつ) | |
| 정의 | 일본의 미술 |
2. 선사 시대
일본 열도에 사람이 살기 시작하면서부터 만들어진 예술 작품을 다룬다.
=== 조몬 시대 ===
조몬 시대(縄文時代, 기원전 10,500년경 ~ 기원전 300년경)의 이름은 찰흙 그릇 표면에 장식된 끈 자국에서 유래되었다.[2] 조몬인들은 수렵 채집 생활을 하였으나, 후에 조직적인 농업을 실천하고 수백, 수천 명의 인구를 가진 도시를 건설했다.[2] 이들은 흙 바닥에 얕게 판 나무와 짚으로 된 수혈 주거에 살았으며, 화려하게 장식된 토기 저장 용기, 도구(土偶)라고 불리는 찰흙 인형, 수정 보석을 만들었다.[2]
초기 조몬 시대(기원전 5000년 ~ 기원전 2500년)에는[2] 마을이 발견되기 시작했고, 물을 끓이는 데 사용된 도자기 냄비와 같은 일상적인 물건들이 발견되었다. 이 시대에 발견된 냄비는 바닥이 평평했고, 대나무와 같은 재료로 정교한 디자인이 새겨져 있었다. 일부 초기 조몬 토우는 가슴과 넓은 엉덩이의 형태로 미루어 보아 다산과 관련된 물건으로 사용되었을 것으로 여겨진다.[2]
중기 조몬 시대(기원전 2500–1500년)는[2] 초기 조몬 시대와 여러 면에서 달랐다. 이들은 덜 유목 생활을 했으며 마을에 정착하기 시작했다. 그들은 수집하고 사냥한 식량을 가공하는 데 유용한 도구를 만들어 삶을 더 쉽게 만들었다. 이 시대에 발견된 수많은 미적으로 아름다운 도자기를 통해 그들이 안정적인 경제와 더 많은 여가 시간을 가졌다는 것을 알 수 있다. 또한 중기 조몬 시대 사람들은 특정한 기능을 위한 용기, 예를 들어 저장용 항아리를 개발하면서 조상들과 차이를 보였다.[2] 이 용기의 장식은 초기 조몬 도자기보다 더 사실적이었다.[2]
후기 및 최종 조몬 시대(기원전 1500년~기원전 300년)에는[2] 날씨가 추워지면서 정착민들이 산에서 이주했다. 주요 식량원은 물고기였으며, 이로 인해 어구와 기술이 발달했다. 또한, 선박의 증가로 각 가구마다 자체적인 비축량이 있었음을 시사한다. 후기 및 최종 조몬 시대에 발견된 일부 선박은 손상되었는데, 이는 의식에 사용되었음을 나타낼 수 있다.[2]
=== 야요이 시대 ===
야요이 시대에는 야요이인들이 기원전 300년경 일본에 도착하여[6] 습지 벼농사, 구리 무기 및 청동 방울(도타쿠) 제작, 물레 성형 및 가마 소성 도자기 기술을 가져왔다.[6] 야요이인들은 기원전 350년경 일본 열도에 도착하여 논농사 문화와 금속기 생산 기술을 가져왔으며, 동모, 동탁, 동경을 제작하고 흙가래로 쌓아올려 노천 소성한 야요이 토기를 사용했다.
=== 고분 시대 ===
일본 선사 시대의 세 번째 단계인 고분 시대(c. 300 – 710 AD)는[2] 내부 발전 또는 외부 세력에 기인한 야요이 시대 문화의 변형을 나타낸다. 이 시대는 무덤 문화와 청동 거울, 그리고 무덤 외부에 세워진 ''하니와''라고 불리는 점토 조각과 같은 다른 유물로 가장 유명하다.[7]
일본 선사 시대의 제3단계인 고분 시대 (서기 250년경~646년 전후)에는 국내의 발전과 외부적 요인에 의한 야요이 문화의 변혁이 일어난다. 이 시대는 분묘 문화와 이에 부수하여 만들어진 동경이나 하니와라고 불리는 구운 토기토기 등의 공예품이 가장 주목할 만하다.
고분 시대 전반에 걸쳐 이러한 무덤의 특징은 언덕과 능선에 세워진 작은 무덤에서 평지에 지어진 훨씬 더 큰 무덤으로 진화했다.[7] 일본에서 가장 큰 무덤인 닌토쿠 천황의 무덤은 46개의 봉분을 수용하고 있으며 열쇠 구멍 모양을 하고 있는데,[8] 이는 후기 고분 무덤에서 발견되는 뚜렷한 특징이다.[7] 다이센릉 고분은 열쇠 구멍 모양을 하고 있으며[62], 이 형태는 고분에서 볼 수 있는 독특한 특징이다[61]。
2. 1. 조몬 시대
조몬 시대(縄文時代, 기원전 10,500년경 ~ 기원전 300년경)의 이름은 찰흙 그릇 표면에 장식된 끈 자국에서 유래되었다.[2] 조몬인들은 수렵 채집 생활을 하였으나, 후에 조직적인 농업을 실천하고 수백, 수천 명의 인구를 가진 도시를 건설했다.[2] 이들은 흙 바닥에 얕게 판 나무와 짚으로 된 수혈 주거에 살았으며, 화려하게 장식된 토기 저장 용기, 도구(土偶)라고 불리는 찰흙 인형, 수정 보석을 만들었다.[2]초기 조몬 시대(기원전 5000년 ~ 기원전 2500년)에는[2] 마을이 발견되기 시작했고, 물을 끓이는 데 사용된 도자기 냄비와 같은 일상적인 물건들이 발견되었다. 이 시대에 발견된 냄비는 바닥이 평평했고, 대나무와 같은 재료로 정교한 디자인이 새겨져 있었다. 일부 초기 조몬 토우는 가슴과 넓은 엉덩이의 형태로 미루어 보아 다산과 관련된 물건으로 사용되었을 것으로 여겨진다.[2]
중기 조몬 시대(기원전 2500–1500년)는[2] 초기 조몬 시대와 여러 면에서 달랐다. 이들은 덜 유목 생활을 했으며 마을에 정착하기 시작했다. 그들은 수집하고 사냥한 식량을 가공하는 데 유용한 도구를 만들어 삶을 더 쉽게 만들었다. 이 시대에 발견된 수많은 미적으로 아름다운 도자기를 통해 그들이 안정적인 경제와 더 많은 여가 시간을 가졌다는 것을 알 수 있다. 또한 중기 조몬 시대 사람들은 특정한 기능을 위한 용기, 예를 들어 저장용 항아리를 개발하면서 조상들과 차이를 보였다.[2] 이 용기의 장식은 초기 조몬 도자기보다 더 사실적이었다.[2]
후기 및 최종 조몬 시대(기원전 1500년~기원전 300년)에는[2] 날씨가 추워지면서 정착민들이 산에서 이주했다. 주요 식량원은 물고기였으며, 이로 인해 어구와 기술이 발달했다. 또한, 선박의 증가로 각 가구마다 자체적인 비축량이 있었음을 시사한다. 후기 및 최종 조몬 시대에 발견된 일부 선박은 손상되었는데, 이는 의식에 사용되었음을 나타낼 수 있다.[2]
2. 2. 야요이 시대
야요이 시대에는 야요이인들이 기원전 300년경 일본에 도착하여[6] 습지 벼농사, 구리 무기 및 청동 방울(도타쿠) 제작, 물레 성형 및 가마 소성 도자기 기술을 가져왔다.[6] 야요이인들은 기원전 350년경 일본 열도에 도착하여 논농사 문화와 금속기 생산 기술을 가져왔으며, 동모, 동탁, 동경을 제작하고 흙가래로 쌓아올려 노천 소성한 야요이 토기를 사용했다.2. 3. 고분 시대
일본 선사 시대의 세 번째 단계인 고분 시대(c. 300 – 710 AD)는[2] 내부 발전 또는 외부 세력에 기인한 야요이 시대 문화의 변형을 나타낸다. 이 시대는 무덤 문화와 청동 거울, 그리고 무덤 외부에 세워진 ''하니와''라고 불리는 점토 조각과 같은 다른 유물로 가장 유명하다.[7]
일본 선사 시대의 제3단계인 고분 시대 (서기 250년경~646년 전후)에는 국내의 발전과 외부적 요인에 의한 야요이 문화의 변혁이 일어난다. 이 시대는 분묘 문화와 이에 부수하여 만들어진 동경이나 하니와라고 불리는 구운 토기토기 등의 공예품이 가장 주목할 만하다.
고분 시대 전반에 걸쳐 이러한 무덤의 특징은 언덕과 능선에 세워진 작은 무덤에서 평지에 지어진 훨씬 더 큰 무덤으로 진화했다.[7] 일본에서 가장 큰 무덤인 닌토쿠 천황의 무덤은 46개의 봉분을 수용하고 있으며 열쇠 구멍 모양을 하고 있는데,[8] 이는 후기 고분 무덤에서 발견되는 뚜렷한 특징이다.[7] 다이센릉 고분은 열쇠 구멍 모양을 하고 있으며[62], 이 형태는 고분에서 볼 수 있는 독특한 특징이다[61]。
3. 고대
아스카 시대와 나라 시대에는 일본 정부의 소재지가 542년부터 645년까지는 아스카 계곡에[2], 784년까지는 나라시에 위치했기 때문에, 일본에 최초로 대륙 아시아 문화가 유입되었다.
불교의 전래는 중국과 일본 간의 접촉에 최초의 자극을 제공했다. 일본인들은 아이디어와 소리를 문자로 변환하는 시스템, 역사학, 효율적인 관료제와 같은 복잡한 정부 이론, 그리고 예술에 가장 중요한 새로운 기술, 새로운 건축 기법, 더 발전된 청동 주조 방법, 새로운 회화 기법과 매체 등 중국 문화의 여러 측면을 자국의 문화에 유용하게 통합할 수 있다는 것을 인식했다.
7세기와 8세기 내내, 일본과 아시아 대륙 간의 주요 접촉의 초점은 불교의 발전에 있었다. 일부 학자들은 불교가 일본에 공식적으로 도입된 552년부터 일본의 수도가 나라에서 옮겨진 784년 사이의 시기에 적용할 적절한 이름과 중요한 날짜에 대해 동의하지 않는다. 가장 일반적인 명칭은 스이코 시대(552–645), 하쿠호 시대 (645–710), 덴표 시대 (710–784)이다.
가장 초기의 일본 불상 조각품은 6세기와 7세기에 제작된 것으로 추정된다.[9] 이들은 궁극적으로 서기 1세기에서 3세기 사이에 제작된 그리스-불교 미술의 간다라 양식에서 유래되었으며, 유려한 의복 패턴과 사실적인 표현이 특징이다.[10] 여기에 중국적인 예술적 특성이 더해졌다. 중국 북위 불교 미술이 한반도에 유입된 후, 다양한 이주민 집단에 의해 불교 성상이 일본으로 전해졌다.[11] 특히, 반가사유상 형태는 고류지의 미륵 보살상과 추구지의 석가모니 상에서 볼 수 있듯이 고도로 발전된 고대 그리스 미술 양식으로 발전하여 일본에 전해졌다.[12] 많은 역사가들은 한국을 단순히 불교를 전파하는 역할만 한 것으로 묘사한다.[13] 삼국시대, 특히 백제는 538년 또는 552년에 일본에 불교 전통을 도입하고 형성하는 데 중요한 역할을 했다.[14]
이들은 우리 시대의 처음 몇 세기 동안 이루어진 실크로드 미술의 최종 지점을 보여준다. 다른 예로는 일본 풍신 풍신, [15] 인왕 수호신,[16] 그리고 사찰 장식의 거의 고전 고대적인 꽃무늬의 발전에서 찾을 수 있다.[17]
일본에 현존하는 가장 초기의 불교 건축물이며, 극동에서 가장 오래된 목조 건물은 나라의 남서쪽에 위치한 호류지에서 찾아볼 수 있다. 7세기 초, 쇼토쿠 태자의 개인 사찰로 처음 건립되었으며, 41개의 독립적인 건물로 구성되어 있다. 가장 중요한 건물은 주 예배당 또는 금당과 오층 탑으로, 지붕이 있는 회랑으로 둘러싸인 탁 트인 공간의 중앙에 서 있다. 중국식 예배당 양식의 금당은 도자기로 된 입모야 또는 합각 지붕으로 덮인 기둥-보 구조의 2층 건물이다.
금당 내부의 넓은 직사각형 플랫폼에는 이 시대의 가장 중요한 조각품들이 있다. 중앙에는 최근 세상을 떠난 쇼토쿠 태자를 기리기 위해 조각가 토리 부시 (7세기 초 활동)가 청동으로 주조한 석가 삼존불 (623)이 있으며, 양옆에는 두 보살이 배치되어 있다. 플랫폼의 네 모퉁이에는 650년경에 나무로 조각된 사방의 수호신이 있다. 호류지에는 또한 ''금당''의 나무 모형인 옥충기가 보관되어 있는데, 이 옥충기는 옻칠과 혼합된 광물 안료로 제작된 인물화로 장식된 높은 나무 받침대 위에 놓여 있다.
8세기 사찰 건축은 나라의 도다이지를 중심으로 이루어졌다. 각 지방의 사찰 네트워크의 본부로 건설된 도다이지는 일본 불교 숭배 초기에 세워진 가장 야심 찬 종교 단지이다. 주 불당 또는 ''대불전''에 안치된 16.2m (53피트) 높이의 불상은 부처의 본질을 나타내는 노사나불이며, 도다이지는 천황이 후원하는 불교와 그 전파의 중심지를 나타낸다. 원래 조각상의 파편 몇 점만 남아 있으며, 현재의 불전과 중앙 불상은 에도 시대의 재건축물이다.
대불전을 중심으로 완만한 경사면에 여러 개의 부속 전당이 자리 잡고 있다. 주 존상이 불공견삭관음 (불공견삭관음입상, 가장 인기 있는 보살)인 법화당, 건조 칠기 (옻칠을 한 천을 나무 뼈대에 씌워 형태를 만듦)로 제작되었으며, 웅장한 진흙 조각품인 사천왕이 있는 계단원, 그리고 정창원이라고 불리는 창고이다. 이 마지막 건물은 예술사적 보고로서 매우 중요한데, 752년에 노사나불의 개안 의식인 사찰 봉헌식에 사용된 용구, 정부 문서, 황실 소유의 많은 세속 물품들이 보관되어 있기 때문이다.
금속 조각 또는 조형 예술인 '''주금''' ('''초킨''')은 나라 시대에 시작된 것으로 여겨진다.[18][19]
3. 1. 아스카 시대
긴메이 천황 치세(欽明朝 532∼571)에 백제의 성왕이 석가불상 1체와 번개(幡蓋)·경론(經論) 등을 선물로 보낸 것을 계기로 일본에 불교가 전래되었다.[14] 불교 수용을 둘러싼 격렬한 논쟁 끝에 숭불파가 승리하여 소가노 우마코의 발원으로 호코지(法興寺)가 건립되었고, 이곳에 일본 최고(最古)의 불상인 구라쓰쿠리노 도리가 만든 《석가대상》이 현재까지 남아있다.[11] 불교 전래는 중국과 일본 간의 접촉에 최초의 자극을 제공했으며, 일본은 중국 문화의 여러 측면을 자국의 문화에 통합했다.[2]호류지 금당(金堂)의 본존인 석가삼존상(釋迦三尊像)은 아스카 시대를 대표하는 작품으로, 구라쓰쿠리노 도리가 제작했다.[9] 준엄한 표정, 소박한 미소, 편평한 체구 등 도리 양식(止利樣式)의 특색을 잘 보여준다. 호류지 유메도노(夢殿)의 구세관음상(救世觀音像) 또한 이와 같은 양식을 따르고 있다.
호류지 금당 벽화는 아스카 시대의 대표적인 작품이었으나 1949년 화재로 대부분 소실되었다. 현재는 남겨진 비천(飛天)도나 원도(原圖)에 충실한 모사(模寫)를 통해 당시의 모습을 엿볼 수 있다. 벽화는 사면에 석가, 아미타, 미륵, 약사여래의 정토도(淨土圖)를 그린 것으로 추정된다. 탄력있는 선은 '철선묘(鐵線描)'라는 중국의 수법이며, 인도의 아잔타 석굴 벽화와도 유사하여, 한국 및 중국 전통을 주체로 인도 등 아시아 여러 지역의 회화 기술을 합친 것으로 보인다.
호류지와 관련된 회화 작품 중에는 7세기에서 8세기 초엽의 것으로 추정되는 《쇼토쿠 태자상》이 있다. 양쪽에 두 왕좌를 세운 구도는 불화나 불상 조각의 삼존형식에서 따온 것으로서 중국 초상화를 본뜬 것이다.
thumb, 아스카 시대, 7세기]]
thumb 출토 사찰의 기와, 7세기]]
3. 2. 나라 시대
나라 시대에는 당나라의 영향을 받아 불교 미술이 전성기를 맞이했다.[72][73] 야쿠시지 《길상천상(吉祥天像)》은 덴표 시대의 불화로, 당나라 귀부인과 같은 모습과 화려한 의복 묘사가 돋보이는 채색화이다. 《도리게타치온나 병풍(鳥毛立女屛風)》 역시 당시 미인의 전형을 보여주는 그림으로, 서역(西域)이나 당나라에서 유행했던 양식이다. 원래 머리와 의복에 새털이 달려 있었으나 지금은 밑그림만 남아있다.
호류지 오중탑(法隆寺五重塔)의 소상군은 덴표 미술의 초기 명작이다. 오중탑 최하층 심주(心柱) 사방에 흙으로 동굴과 유사한 무대를 만들고 소상 인물군을 배치했다. 소토(塑土)라는 부드러운 재료를 사용하여 인물의 표정, 자태, 복장 등을 생생하게 표현하여 조각사적 가치뿐 아니라 당시 풍속을 알려주는 자료로도 중요하다.
덴표 후기 작품인 도다이지 가이단인(戒壇院)의 사천왕상(四天王像)과 신야쿠시지(新藥師寺)의 십이신장상(十二神將像)은 채색 소상으로 얼굴과 갑주(甲胄) 표현이 뛰어나다. 특히 십이신장상은 과장된 표현이 두드러진다. 반면 호케도(法華堂)의 일광(日光)·월광(月光) 소상은 상냥한 표정과 모습으로 우미한 조각의 대표로 꼽힌다.
쇼린지(聖林寺)의 십일면관음상(十一面觀音像)은 몸 전체의 조화가 아름답지만 지나치게 정돈된 느낌을 준다. 도쇼다이지(唐招提寺) 금당의 건칠노사나불상(乾漆盧舍那佛像)은 뛰어난 기술과 더불어 덴표 불상의 사실적인 경향에서 벗어나 내면의 강한 정신력을 느끼게 하는 작품이다.
쇼소인 보물은 도다이지 노사나불 개안 의식에 사용된 용구, 정부 문서, 황실 소유의 세속 물품 등이 보관되어 있어 당시의 국제적인 문화 교류를 보여주는 중요한 유물이다.
|용머리 주전자, 페가수스 문양이 새겨져 있고, 도금, 청동, 아스카 시대, 7세기, 전 호류지 사찰 보물]]
7세기와 8세기 일본과 아시아 대륙 간의 주요 접촉은 불교 발전을 중심으로 이루어졌다.[9] 초기 일본 불상은 그리스-불교 미술의 간다라 양식에 기원을 두고 있으며,[10] 중국 북위 불교 미술이 한반도를 거쳐 일본에 전래되었다.[11] 특히 고류지 미륵보살상과 추구지 석가모니상은 고대 그리스 미술 양식이 발전하여 일본에 전해진 대표적인 예이다.[12]
thumb, 아스카 시대, 7세기]]
thumb 출토 사찰의 기와, 7세기]]
3. 3. 헤이안 시대
나라 시대 전후의 세속화(世俗畵)는 거의 전부가 중국식 사물을 그린 것이었는데, 9세기 중엽부터 비로소 일본의 산수나 풍속을 섬세하고 우미하게 그린 야마토에가 생성, 완성되었다. 야마토에의 특색은 주로 장병화(障倂畵)·두루마리·초상화 등에서 발휘되었다. 그리고 야마토에는 헤이안 시대·가마쿠라 시대에 발달하였고, 마침내 무로마치 시대에 이르러 침체되었다. 그러나 민족적인 조형감각에 의하여 육성된 야마토에의 전통은 그대로 절멸된 것은 아니고 모모야마·에도 시대 그리고 근대까지도 계승되어 일본회화의 뿌리 깊은 힘을 발휘하였다.뵤도인 봉황당의 나무 문에 그려진 ''라이고'' 그림은 아미타불의 강림을 묘사한 것으로, 야마토에의 초기 사례이며, 교토 주변의 풍경을 담고 있다.
헤이안 시대 마지막 세기에 ''에마키'' (絵巻, 문자 그대로 "그림 두루마리")로 알려진 가로로 긴 삽화 형식의 이야기 두루마리가 부상했다. 약 1130년경 제작된 ''겐지모노가타리 에마키''는 유명한 삽화가 있는 ''겐지 이야기''로, 현존하는 가장 오래된 야마토에 두루마리 중 하나이자 일본 회화의 절정 중 하나를 나타낸다. ''에마키''는 또한 오토코에 ("남자 그림")와 온나에 ("여자 그림")라는 두 가지 회화 양식의 가장 초창기이자 가장 훌륭한 예로 사용된다.
3. 3. 1. 불교 회화
헤이안 시대에 사이초(最澄)나 구카이(空海) 등이 당나라에서 밀교화를 가져왔는데 이로부터 만다라를 많이 그렸다. 현존 최고(最古)의 만다라는 진고지(神護寺)의 것으로서 820년 경의 작품이다.
후지와라 불화(藤原佛畵)의 대표작으로는 곤고부지(金剛峯寺)에 있는 《불열반도(佛涅槃圖, 1086》를 들 수 있다. 석가가 쿠시나가라의 사라쌍수(沙羅雙樹) 밑에서 입멸(入滅)했을 때의 정경을 그리고 있다. 12세기에 들어서서 기준작으로는 교오고코쿠지(敎王護國寺)의 《12천상(十二天像)》을 들 수 있다. 파랑·초록색·노랑 등 부드러운 색조로 채색하여 정치(精緻)한 절금(截金：가늘고 길게 자른 금은박을 무늬를 그리듯이 화면 위에 놓는 기법)무늬와 함께 헤이안시대 후기 불화의 특색을 잘 보여주고 있다.
헤이안 말기부터 가마쿠라 초기에 걸친 무렵에 신(神)과 부처는 본디 일체로서, 민중을 구제하기 위하여 부처가 일본의 신으로 나타났다고 주장하는 본지수적설(本地垂迹說)에 의하여 그려진 수적화(垂迹畵)가 나타났다. 대표작으로 가스가샤지(春日社寺)의 만다라를 들 수 있다.
794년, 수도는 헤이안쿄(현 교토)로 옮겨져 1868년까지 일본의 수도가 되었다. 헤이안 시대는 794년부터 겐페이의 난 이후 가마쿠라 막부가 성립하는 1185년까지의 기간을 가리킨다.
'''전기 헤이안 미술:''' 나라의 불교의 부와 권력이 증대하는 한편, 승려 구카이(홍법대사, 774년-835년)는 중국으로 건너가, 대승 불교의 한 형태인 밀교를 배우고, 806년에 일본으로 귀국, 그 후 진언종을 열었다. 진언 신앙의 핵심이 되는 정신적 우주를 표현한 그림이 만다라이며, 사찰의 설계에 영향을 주었다.
'''후지와라 미술:'''후지와라 시대에는, 아미타불에 대한 신앙으로 안이한 구원을 구하는 정토 신앙이 유행했다. 뵤도인 호오도 (1053년 완성)는, 아미타당의 대표적인 건축이다. 내부에는, 높은 기단 위에 금색의 아미타여래좌상(1053년경)이 안치되어 있다. 상은 조초의 작품으로, 지금까지 없었던 둥글고 우아한 조형과 표정, 또한 여러 개의 나무 조각으로 분할하여 조립하는 새로운 기법(기요세 조）이 사용되고 있다. 당내의 문과 벽에 그려진 벽문화에는 구품래영도가 있다. 구품래영도는 아미타여래가 많은 보살 대중과 함께 서방 극락정토로부터 내려와, 죽은 자의 영혼을 연꽃에 태워 극락정토로 데려가는 모습을 그린 것이다. 이것은 야마토에의 초기 사례이며, 교토 주변의 풍경이 그려져 있다.
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'''그림 두루마리:'''헤이안 시대의 마지막 세기에, 에마키(그림 두루마리)라고 불리는 가로로 긴 그림이 있는 이야기 두루마리가 등장했다. 헤이안 말기의 작품인 겐지 이야기 그림 두루마리는, 현존하는 가장 오래된 야마토에 그림 두루마리이며, 일본 회화의 최고 걸작 중 하나이다.
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3. 3. 2. 야마토에
나라 시대 전후의 세속화(世俗畵)는 거의 전부가 중국식 사물을 그린 것이었는데, 9세기 중엽부터 비로소 일본의 산수나 풍속을 섬세하고 우미하게 그린 야마토에가 생성, 완성되었다. 야마토에의 특색은 주로 장병화(障倂畵)·두루마리·초상화 등에서 발휘되었다. 그리고 야마토에는 헤이안·가마쿠라 시대에 발달하였고, 마침내 무로마치 시대에 이르러 침체되었다. 그러나 민족적인 조형감각에 의하여 육성된 야마토에의 전통은 그대로 절멸된 것은 아니고 모모야마·에도 시대 그리고 근대까지도 계승되어 일본회화의 뿌리 깊은 힘을 발휘하였다.뵤도인 봉황당의 나무 문에 그려진 ''라이고'' 그림은 아미타불의 강림을 묘사한 것으로, 야마토에, 즉 일본풍 회화의 초기 사례이며, 교토 주변의 풍경을 담고 있다. 헤이안 시대 마지막 세기에 ''에마키'' (絵巻, 문자 그대로 "그림 두루마리")로 알려진 가로로 긴 삽화 형식의 이야기 두루마리가 부상했다. 약 1130년경 제작된 ''겐지모노가타리 에마키''는 유명한 삽화가 있는 ''겐지 이야기''로, 현존하는 가장 오래된 야마토에 두루마리 중 하나이자 일본 회화의 절정 중 하나를 나타낸다. ''에마키''는 또한 오토코에 ("남자 그림")와 온나에 ("여자 그림")라는 두 가지 회화 양식의 가장 초창기이자 가장 훌륭한 예로 사용된다.
4. 중세
## 가마쿠라 시대
가마쿠라 시대에는 무사 계급이 권력을 잡으면서 예술은 새로운 국면을 맞이했다. 사실주의, 대중화, 고전 부흥이라는 세 가지 특징이 두드러졌다. 특히, 교토와 나라는 여전히 예술과 문화의 중심지로 남아 있었다.[74]
가마쿠라 시대에 들어서자 미술계 전반에 걸쳐 사실주의적인 경향이 짙어졌고 초상화가 유행하기 시작했다. 진고지(眞護寺)에 전하는 《미나모토노 요리토모》, 《타이라노 시게모리》, 《후지와라노 미쓰요시》의 3화상이 특히 유명하다. 이 밖에 《고토바 천황상(後鳥羽天皇像)》은 초상화 중의 니세에(似絵)인데 니세에란 숭배, 예배 따위의 대상으로 하기 위하여 이상화된 의용적(儀容的)인 상이 아니라, 대상에 닮게 하는 것을 주안으로 한 사생적인, 기록적인 요소가 짙은 초상화를 말한다.
'''조각:''' 게이파는 운케이를 중심으로 새로운 사실주의 조각 양식을 확립했다. 도다이지 남대문의 금강역사상은 운케이의 역동적인 스타일을 잘 보여준다. 높이 약 8.5m의 이 조각상은 3개월 만에 완성되었는데, 이는 발달된 공방 시스템을 통해 가능했다.[74] 고후쿠지에 있는 운케이의 채색 목조 조각상 무착과 세친은 법상종의 창시자로, 매우 사실적이고 개성적인 모습으로 표현되었다.[74] 가이케이는 아미타 삼존상을 제작하여 이 시대의 대표적인 조각가로 이름을 알렸다.[74]
12세기 가마쿠라 시대의 조각에 가장 큰 영향을 준 것은 타버린 나라의 도다이지, 고후쿠지의 부흥이었다. 이 때의 작품들은 고전적인 사실주의가 하나의 목표였었다. 거기에 무가적(武家的)인 힘찬 기력이 조금씩 곁들여진 것이 이 시대의 특징이라 할 수 있다. 이러한 조각계를 리드하는 입장에 있었던 것이 시치조붓쇼(七條佛所)라는 불공(佛工)의 계통으로 이름에 게이(慶)를 붙이는 자가 많았으므로 게이파라고 하였다. 그 중심이 된 것이 운케이이다. 운케이가 만든 고후쿠지의 무착상, 세친상에는 같은 제재(題材)인 나라시대의 십대제자상(十大弟子像)과의 관련과, 다시 거기에 중후감이 합쳐진 운케이가 완성시킨 가마쿠라 양식을 볼 수 있다.
이 운케이의 중후한 작풍과 대조되는 것이 가이케이의 작품이다. 헤이안 말기의 불상에서 볼 수 있는 우아함과 송의 양식에서 볼 수 있는 현세적인 아름다움을 받아들인 단정한 모습의 조상을 만들어 역시 하나의 가마쿠라 양식을 만들어 내고 있다. 보스턴의 미륵보살상이 있고, 도다이지 고케이도(公慶堂)의 지장보살상(地藏菩薩像)이나 사이호인(西方院)의 아미타여래상 등에서 가이케이의 작품을 엿볼 수 있다. 또한 조케이의 유마상(維摩像)에서도 송나라 양식의 강한 영향을 볼 수 있으며, 그의 금강역사상에서의 노창(努脹)된 근육의 표현 등에도 극단적이라고까지 할 수 있는 사실성을 엿볼 수 있다.
가마쿠라 시대에 있어서의 사실에 대한 의욕 및 송나라 조각의 영향에 의해서 나형 조각에 정말 옷을 입힌 조상이 만들어지게 되었다. 그러나 이것은 조각적인 신체에 대한 파악의 진보를 말하는 것은 아니고 또한 실물인 옷으로써 조상의 옷으로 한다는 것은 곧 인형적인 표현에 이어져, 조각적인 표현으로부터는 도리어 이탈해가는 결과가 되었다. 덴코지(傳香寺)의 지장보살상 (1228), 쓰루가오카하치만구(鶴岡八幡宮)의 변재천좌상(辯財天座像, 1266) 등이 있다.
'''서예와 회화:''' 화엄종 개조연기는 가마쿠라 회화의 대중적인 경향을 보여준다. 겐페이 전쟁 이후 고잔지의 승려 묘에는 화엄종을 부흥시키고 전쟁 과부들에게 피난처를 제공하고자 했다. 가나 문자만 읽을 수 있었던 사무라이 아내들을 위해, 화엄종 개조연기는 읽기 쉬운 텍스트와 삽화를 결합하여 현대 만화와 유사한 기법을 사용했다. 에마키는 화엄종을 창시한 두 한국 승려의 삶을 환상적인 이야기로 엮어냈다.[74]
반면, 무라사키 시키부 일기 삽화와 같이 보수적인 작품도 있었다. 귀족들은 과거의 영화를 그리워하며 일기를 부활시키고 삽화를 넣었다.[74]
## 무로마치 시대
무로마치 시대(1338–1573)는 아시카가 씨(足利氏)가 쇼군직을 장악하고 교토의 무로마치 지역으로 본부를 옮기면서 시작되었으며, 일본 문화에 큰 변화를 가져온 아시카가 시대라고도 불린다. 정부가 수도로 복귀하면서 가마쿠라 시대의 대중화 경향은 끝나고, 문화는 귀족적이고 엘리트적인 성격을 띠게 되었다. 선종 불교가 다시 도입되어 뿌리를 내렸다.
선종 사찰과 중국과의 무역으로 인해 많은 중국 회화와 예술 작품이 일본으로 유입되었고, 이는 일본 예술가들에게 큰 영향을 미쳤다. 수입품은 회화의 주제뿐만 아니라 색상 사용에도 변화를 가져왔다. 야마토에의 밝은 색상은 수묵화의 단색조로 대체되었다.
선종의 영향으로 수묵화가 발전하였으며, 슈분, 셋슈 등 뛰어난 화가들이 등장했다. 가노파는 수묵화와 장식적인 요소를 결합하여 새로운 화풍을 창조했다.
가마쿠라 말기에서 무로마치 시대에 걸쳐서 송과 원의 그림이 일본에 수입되었으며, 그 영향으로 일본에도 수묵(水墨)으로 그린 수묵화가 유행하였다. 무로마치 시대 회화사의 주류는 송과 원의 그림을 규범으로 하는 한화가(漢畵家)들의 수묵산수화에 의해 점유되었다고 하여도 무방하다. 슈분(周文), 소탄(宗湛), 가노 마사노부(狩野正信) 등은 본령을 수묵산수화에 두고 그 중에서도 남송원체화(南宋院體畵)에서 배웠으나, 아미파(阿彌派)처럼 목계(牧谿)나 옥간(玉澗)의 그림을 따르는 사람들도 있었다. 일본 수묵산수화의 대성자인 셋슈(雪舟)는 송원뿐만 아니라 명의 그림에서도 많은 것을 배웠다. 셋슈 또한 장식적인 화조화도 그린 것으로 보이는데 운고쿠파(雲谷派)뿐만 아니라 가노파·하세가와파(長谷川派) 등에 미친 영향은 절대적이다.
수묵화의 장식적인 용도로서의 이용에 있어서 충분히 수묵화의 특성을 유지하면서, 그 위에 장식효과도 가해서 새로운 장식으로서의 회화를 만들어 낸 것은 가노파(狩野派)였다. 단순한 화면을 가진 수묵화와 장식성은 모순된 것으로 보이지만, 가노파의 시조로 알려진 가노 마사노부(狩野正信, 1434∼1530)의 아들인 모토노부(元信, 1476∼1559)는 수묵화의 묘법을 효과적으로 사용함으로써 충분한 장식효과를 올리는 데 성공하였다.
초기 무로마치 시대 회화의 전형적인 예는 승려 화가 카오가 그린 겐슈의 깨달음을 묘사한 그림이다. 이 그림은 빠른 붓놀림과 최소한의 디테일로 제작되었다. 조세츠의 '호리병으로 메기를 잡다'는 무로마치 시대 회화의 전환점을 보여준다.
이 그림은 "새로운 스타일"로 언급되며, 그림 평면 내에서 더 중국적인 원근감을 보여준다.
슈분과 셋슈는 무로마치 시대를 대표하는 예술가였다. 슈분은 '대나무 숲에서 독서'에서 깊이 있는 풍경을 창조했고, 셋슈는 중국에서 회화를 연구하여 '사계절 산수'와 같은 걸작을 남겼다.
4. 1. 가마쿠라 시대
가마쿠라 시대에 들어서자 미술계 전반에 걸쳐 사실주의적인 경향이 짙어졌고 초상화가 유행하기 시작했다. 진고지(眞護寺)에 전하는 《미나모토노 요리토모》, 《타이라노 시게모리》, 《후지와라노 미쓰요시》의 3화상이 특히 유명하다. 이 밖에 《고토바 천황상(後鳥羽天皇像)》은 초상화 중의 니세에(似絵)인데 니세에란 숭배, 예배 따위의 대상으로 하기 위하여 이상화된 의용적(儀容的)인 상이 아니라, 대상에 닮게 하는 것을 주안으로 한 사생적인, 기록적인 요소가 짙은 초상화를 말한다.12세기 가마쿠라 시대의 조각에 가장 큰 영향을 준 것은 타버린 나라의 도다이지, 고후쿠지의 부흥이었다. 이 때의 작품들은 고전적인 사실주의가 하나의 목표였었다. 거기에 무가적(武家的)인 힘찬 기력이 조금씩 곁들여진 것이 이 시대의 특징이라 할 수 있다. 이러한 조각계를 리드하는 입장에 있었던 것이 시치조붓쇼(七條佛所)라는 불공(佛工)의 계통으로 이름에 게이(慶)를 붙이는 자가 많았으므로 게이파라고 하였다. 그 중심이 된 것이 운케이이다. 운케이가 만든 고후쿠지의 무착상, 세친상에는 같은 제재(題材)인 나라시대의 십대제자상(十大弟子像)과의 관련과, 다시 거기에 중후감이 합쳐진 운케이가 완성시킨 가마쿠라 양식을 볼 수 있다.
이 운케이의 중후한 작풍과 대조되는 것이 가이케이의 작품이다. 헤이안 말기의 불상에서 볼 수 있는 우아함과 송의 양식에서 볼 수 있는 현세적인 아름다움을 받아들인 단정한 모습의 조상을 만들어 역시 하나의 가마쿠라 양식을 만들어 내고 있다. 보스턴의 미륵보살상이 있고, 도다이지 고케이도(公慶堂)의 지장보살상(地藏菩薩像)이나 사이호인(西方院)의 아미타여래상 등에서 가이케이의 작품을 엿볼 수 있다. 또한 조케이의 유마상(維摩像)에서도 송나라 양식의 강한 영향을 볼 수 있으며, 그의 금강역사상에서의 노창(努脹)된 근육의 표현 등에도 극단적이라고까지 할 수 있는 사실성을 엿볼 수 있다.
가마쿠라 시대에 있어서의 사실에 대한 의욕 및 송나라 조각의 영향에 의해서 나형 조각에 정말 옷을 입힌 조상이 만들어지게 되었다. 그러나 이것은 조각적인 신체에 대한 파악의 진보를 말하는 것은 아니고 또한 실물인 옷으로써 조상의 옷으로 한다는 것은 곧 인형적인 표현에 이어져, 조각적인 표현으로부터는 도리어 이탈해가는 결과가 되었다. 덴코지(傳香寺)의 지장보살상 (1228), 쓰루가오카하치만구(鶴岡八幡宮)의 변재천좌상(辯財天座像, 1266) 등이 있다.
1180년, 가장 강력한 무사 가문인 타이라와 미나모토 사이에 전쟁(지쇼·주에이의 난)이 발발했고, 5년 후 미나모토 씨가 승리하여 해변 마을인 가마쿠라에 사실상 정부를 세웠으며, 1333년까지 그곳에 머물렀다. 권력이 귀족에서 무사 계급으로 이동하면서 예술은 새로운 청중을 만족시켜야 했다. 즉, 전쟁 기술에 헌신하는 사람들, 문맹 대중에게 불교를 전파하는 데 헌신하는 승려, 그리고 궁정의 쇠퇴하는 권력을 아쉬워하는 보수적인 귀족 및 일부 사제들이었다. 따라서, 사실주의, 대중화 추세, 그리고 고전 부흥이 가마쿠라 시대의 예술을 특징짓는다. 가마쿠라 시대에도 교토와 나라는 예술 작품 제작과 고급 문화의 중심지로 남았다.[74]
'''조각:''' 조각가 게이파는 특히 운케이를 중심으로 새롭고 더욱 현실적인 조각 양식을 창조했다. 나라의 도다이지 남대문(1203)에 있는 두 금강역사상들이 운케이의 역동적이고 초현실적인 스타일을 보여준다. 높이 약 8.5m에 달하는 이 조각상은 약 3개월 만에 여러 블록으로 조각되었으며, 이는 장인들이 거장 조각가의 지휘 아래 작업하는 발달된 공방 시스템을 보여주는 쾌거였다. 운케이의 채색된 목조 조각상(1208, 고후쿠지, 나라)인 두 명의 인도 승려인 무착과 세친은 법상종의 전설적인 창시자이며, 이 시대의 가장 훌륭한 사실주의 작품 중 하나이다. 운케이가 표현한 이들은 매우 개성적이고 믿을 수 있는 이미지이다. 이 시대의 가장 유명한 작품 중 하나는 운케이의 후계자인 가이케이가 제작한 아미타 삼존상 (1195년 완성)으로, 오노시의 조도지에 있다.[74]
'''서예와 회화:''' 화엄종 개조연기는 가마쿠라 회화의 대중화 추세를 보여주는 훌륭한 예이다. 나라 시대에 가장 중요한 종파 중 하나였던 화엄종은 정토종의 부상으로 어려움을 겪었다. 겐페이 전쟁(1180–1185) 이후, 고잔지의 승려 묘에는 종파를 부흥시키고 전쟁으로 과부가 된 여성들을 위한 피난처를 제공하고자 했다. 사무라이의 아내들은 소리와 생각을 표기하기 위한 가나 체계 이상을 배우는 것을 권장하지 않았으며(가나 참조), 대부분은 한자(한자)를 사용하는 텍스트를 읽을 수 없었다.[74]
따라서, 화엄종 개조연기는 읽기 쉬운 음절로 작성된 텍스트 구절과 등장인물 간의 대화를 화자 옆에 적어 넣은 삽화를 결합하여 현대 만화와 유사한 기법을 사용했다. 에마키의 줄거리는 화엄종을 창시한 두 한국인 승려의 삶을 빠르게 진행하며, 용왕의 궁궐로의 여행, 감동적인 어머니 이야기와 같은 환상적인 업적들로 가득 차 있다.[74]
더 보수적인 작품으로는 무라사키 시키부 일기의 삽화 버전이 있다. 그녀의 소설의 ''에마키'' 버전은 계속 제작되었지만, 새로운 사실주의에 관심을 갖는 동시에 부와 권력의 과거를 그리워하는 귀족들은 작가의 시대를 재현하기 위해 일기를 부활시키고 삽화를 넣었다. 가장 아름다운 구절 중 하나는 무라사키 시키부가 두 젊은 궁정 관리들에게 방에 갇히는 에피소드를 묘사하며, 바로 바깥에는 황실 정원의 시냇가에 이끼 낀 둑에 달빛이 비추고 있다.[74]
4. 2. 무로마치 시대
선종의 영향으로 수묵화가 발전하였으며, 슈분, 셋슈 등 뛰어난 화가들이 등장했다. 가노파는 수묵화와 장식적인 요소를 결합하여 새로운 화풍을 창조했다.가마쿠라 말기에서 무로마치 시대에 걸쳐서 송과 원의 그림이 일본에 수입되었으며, 그 영향으로 일본에도 수묵(水墨)으로 그린 수묵화가 유행하였다. 무로마치 시대 회화사의 주류는 송과 원의 그림을 규범으로 하는 한화가(漢畵家)들의 수묵산수화에 의해 점유되었다고 하여도 무방하다. 슈분(周文), 소탄(宗湛), 가노 마사노부(狩野正信) 등은 본령을 수묵산수화에 두고 그 중에서도 남송원체화(南宋院體畵)에서 배웠으나, 아미파(阿彌派)처럼 목계(牧谿)나 옥간(玉澗)의 그림을 따르는 사람들도 있었다. 일본 수묵산수화의 대성자인 셋슈(雪舟)는 송원뿐만 아니라 명의 그림에서도 많은 것을 배웠다. 셋슈 또한 장식적인 화조화도 그린 것으로 보이는데 운고쿠파(雲谷派)뿐만 아니라 가노파·하세가와파(長谷川派) 등에 미친 영향은 절대적이다.
수묵화의 장식적인 용도로서의 이용에 있어서 충분히 수묵화의 특성을 유지하면서, 그 위에 장식효과도 가해서 새로운 장식으로서의 회화를 만들어 낸 것은 가노파(狩野派)였다. 단순한 화면을 가진 수묵화와 장식성은 모순된 것으로 보이지만, 가노파의 시조로 알려진 가노 마사노부(狩野正信, 1434∼1530)의 아들인 모토노부(元信, 1476∼1559)는 수묵화의 묘법을 효과적으로 사용함으로써 충분한 장식효과를 올리는 데 성공하였다.
무로마치 시대(1338–1573)는 아시카가 씨(足利氏)가 쇼군 통치권을 장악하고 본부를 교토의 무로마치 지구로 옮기면서 아시카가 시대라고도 불리며, 일본 문화에 심오한 변화가 일어난 시대이다. 정부가 수도로 돌아오면서 가마쿠라 시대의 대중화 경향은 종식되었고, 문화적 표현은 더욱 귀족적이고 엘리트적인 성격을 띠게 되었다. 6세기에 중국에서 창시된 것으로 여겨지는 선종 불교는 일본에 두 번째로 도입되어 뿌리를 내렸다.
선종 사찰이 조직한 세속적인 벤처와 중국과의 무역 사절단 때문에 많은 중국 회화와 예술 작품이 일본으로 수입되었고, 선종 사찰과 쇼군을 위해 활동하는 일본 예술가들에게 깊은 영향을 미쳤다. 이러한 수입품은 회화의 주제를 바꿨을 뿐만 아니라 색상의 사용도 변경했다. 야마토에의 밝은 색상은 중국식 회화의 수묵화의 단색조로 바뀌었는데, 이 회화는 일반적으로 흑백 또는 단색의 다른 톤만 사용한다.
초기 무로마치 시대 회화의 전형적인 예는 수도승 화가 카오 (15세기 초 활동)가 전설적인 승려 겐슈(중국어로 Hsien-tzu)가 깨달음을 얻는 순간을 그린 묘사이다. 이 유형의 그림은 빠른 붓놀림과 최소한의 디테일로 제작되었다. 승려 화가 조세츠( 활동)의 '호리병으로 메기를 잡다' (15세기 초, 타이조인, 묘신지, 교토)는 무로마치 시대 회화의 전환점을 보여준다.
원래 낮은 스크린용으로 제작되었으며, 위쪽에 동시대 인물의 글귀가 있는 두루마리로 다시 장착되었으며, 그중 하나는 이 그림을 "새로운 스타일"로 언급하고 있다. 앞면에는 작은 호리병을 들고 큰 미끄러운 메기를 바라보며 시냇가에 앉아있는 남자가 묘사되어 있다. 안개는 중간 부분을 채우고, 배경의 산은 멀리 떨어져 있는 것처럼 보인다. 1413년경에 제작된 이 그림의 "새로운 스타일"은 그림 평면 내에서 더 중국적인 원근감을 나타내는 것으로 일반적으로 추정된다.
무로마치 시대의 가장 뛰어난 예술가는 승려 화가 슈분과 셋슈이다. 교토 쇼코쿠지 사찰의 승려인 슈분은 '대나무 숲에서 독서' (1446)에서 공간으로 깊이 들어가는 현실적인 풍경을 창조했다. 셋슈는 이 시대의 대부분의 예술가와 달리 중국으로 여행하여 중국 회화를 그 원천에서 연구할 수 있었다. '사계절 산수' (''산수 초칸''; )는 셋슈의 가장 뛰어난 작품 중 하나로, 사계절을 통해 이어지는 풍경을 묘사하고 있다.
5. 근세
아즈치모모야마 시대(1573–1603)에 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스와 같은 일련의 무장들이 거의 100년 동안의 전쟁 시기 이후 일본에 평화와 정치적 안정을 가져오려 했다. 오다는 작은 족장이었으나 1568년 실질적으로 정부를 통제할 수 있을 만큼의 권력을 얻었고, 5년 후 마지막 아시카가 쇼군을 몰아냈다. 히데요시는 오다의 죽음 이후 지휘권을 잡았지만, 세습 통치를 확립하려는 그의 계획은 1603년에 도쿠가와 막부를 세운 이에야스에 의해 좌절되었다.[74]
'''회화:''' 모모야마 시대의 가장 중요한 회화 학파는 가노파였으며, 이 시대의 가장 큰 혁신은 가노 에이토쿠가 개발한, 방을 둘러싸는 미닫이문에 기념비적인 풍경을 창조하는 공식이었다. 다이토쿠지 (교토의 선종 사찰)의 하위 사찰인 주코인의 정원을 마주하는 주요 방의 장식은 아마도 에이토쿠의 작품 중 현존하는 최고의 예일 것이다. 거대한 ''매화'' 나무와 쌍둥이 소나무가 대각선으로 마주보는 모서리에 있는 한 쌍의 미닫이 그림에 묘사되어 있으며, 그들의 줄기는 모서리 기둥의 수직선을 반복하고 가지는 좌우로 뻗어 인접한 패널을 통합한다. 에이토쿠의 병풍, 교토에 있는 ''중국 사자'' 역시 사무라이들이 선호하는 대담하고 밝게 채색된 회화 스타일을 보여준다.[74]
에이토쿠의 동시대인인 하세가와 토하쿠는 대규모 병풍 그림에 다소 다른, 더욱 장식적인 스타일을 개발했다. 그의 ''단풍 그림'' (楓図)은 현재 교토의 지샤쿠인(:ja:智積院) 사찰에 있으며, 그는 나무의 줄기를 중앙에 놓고 팔다리를 구성의 가장자리까지 뻗어 에이토쿠보다 더 평평하고 덜 건축적인 작품을 만들었지만 시각적으로 화려한 그림을 만들었다. 그의 육폭 병풍, ''소나무 숲'' (松林図)은 안개에 싸인 나무 숲을 수묵화로 능숙하게 묘사한 작품이다.[74]
thumb 소장]]
도쿠가와 막부는 1603년 일본에 평화와 경제적, 정치적 안정을 가져오겠다는 약속과 함께 정부를 장악했고, 상당 부분 성공했다. 막부는 1867년까지 존속했으며, 서구 열강의 압력에 대응하지 못하고 통상을 개방하지 못한 채 항복해야 했다. 에도 시대의 주요 주제 중 하나는 막부의 억압적인 정책과 이러한 제약에서 벗어나려는 예술가들의 시도였다. 이 중 가장 두드러진 것은 외국인과 그들의 문화적 장비에 대한 국경 봉쇄, 삶의 모든 측면, 즉 입는 옷, 결혼하는 사람, 할 수 있거나 해서는 안 되는 활동에 영향을 미치는 엄격한 행동 강령의 부과였다.[75]
그러나 에도 시대 초반에는 도쿠가와 정책의 영향이 아직 충분히 느껴지지 않았고, 일본 건축과 회화의 가장 훌륭한 표현이 몇몇 제작되었다. 교토의 가쓰라 별궁과 린파(Rinpa)의 선구자인 타와라야 소타츠의 그림 등이 그 예시이다.[75]
thumb 『연극 광대 부유 그림 근본』 1743년]]
'''목판화:''' 목판화는 원래 8세기 일본에서 불교 경전을 번역하는 데 사용되었다. 목판화는 나무 조각에 이미지나 그림을 새겨 종이에 압착하는 방식으로 이루어진다. 8세기에는 목판이 인쇄된 텍스트를 복제하는 편리한 방법으로 여겨졌지만, 이후 혁신으로 색상을 종이에 표현할 수 있게 되었는데, 이는 니시키에 판화로 더 잘 알려져 있다. 목판화는 11세기부터 19세기까지 인쇄의 일반적인 방법이었다. 니시키에 판화는 에도 시대에 부유층에게 흔히 판매되는 달력과 같은 상품을 생산했다. 에도 시대에는 이 판화에 저명한 배우들의 사건과 장면이 묘사되었다. 우키요는 이후 에도 시대 초기에 목판화와 관련되었다. 이 우키요 그림은 사회 저명 인사들의 일상을 묘사했다. 우키요는 처음에는 평범한 서민의 삶을 묘사한 수제 두루마리로 시작했다.[75]
'''건축:''' 겐지 이야기의 궁전을 모방하여 지어진 가쓰라 이궁에는 고전 일본 건축의 요소와 혁신적인 재해석을 결합한 쇼인 건축물이 모여 있다. 건물 전체는 산책로가 있는 아름다운 정원으로 둘러싸여 있다.[75]
많은 강력한 ''다이묘''(영주)들이 영토 국가에 회유식 일본 정원을 건설하고 그 아름다움을 경쟁했다.[75]
'''회화:''' 소타츠는 고전 문학의 테마를 재창조하고, 금박 배경에 천연 세계의 화려한 색상의 인물과 모티프를 사용하여 훌륭한 장식 스타일을 발전시켰다. 그의 가장 훌륭한 작품 중 하나는 워싱턴 D.C.의 프리어 갤러리에 있는 두 폭의 병풍, ''마쓰시마의 파도''이다. 1세기 후, 고린은 소타츠의 스타일을 재해석하여 시각적으로 화려한 자신만의 작품을 창조했다. 그의 가장 훌륭한 작품은 아마도 ''홍백매도''의 병풍 그림일 것이다.[76]
'''조각:''' 승려 엔쿠는 거칠고 개성적인 스타일로 120,000개의 불상을 조각했다.[75]
'''우키요에와 난화(분진가)'''
서양에 가장 잘 알려진 미술 학교는 우키요에 그림과 목판화의 세계, 즉 가부키 극장과 유곽의 세계이다. 우키요에 판화는 17세기 말에 제작되기 시작했고, 1765년 스즈키 하루노부는 최초의 니시키에 판화를 제작했다. 도리이 기요나가와 우타마로를 포함한 다음 세대의 판화 디자이너들은 기생들을 우아하고 때로는 통찰력 있게 묘사했다.[77]
19세기에는 호쿠사이와 히로시게가 주요 인물이었는데, 히로시게는 낭만적이고 다소 감상적인 풍경 판화를 제작했다. 히로시게가 풍경을 바라보는 기묘한 각도와 형태, 평면과 강한 선형 윤곽을 강조한 기요나가와 우타마로의 작품은 에드가 드가와 빈센트 반 고흐와 같은 서양 예술가들에게 심오한 영향을 미쳤다. 서양 박물관에 소장된 미술 작품을 통해 이들 판화가들은 에즈라 파운드, 리처드 올딩턴 및 H.D.와 같은 초기 모더니즘 시인들이 사용한 이미지와 미적 접근 방식에 강력한 영향을 미쳤다.[77]
우키요에와 동시대에 등장한 회화 학교는 난화, 즉 분진가로, 중국의 학자 화가들이 그린 그림을 기반으로 한 스타일이었다. 우키요에 예술가들이 도쿠가와 막부의 제약에서 벗어나 삶의 인물들을 묘사하기로 선택한 것처럼, 분진 예술가들은 중국 문화로 눈을 돌렸다. 이 스타일의 전형적인 예로는 이케노 타이카, 요사 부손, 타노무라 치쿠덴, 야마모토 바이이츠(:ja:山本梅逸)가 있다.[77]
'''도자기'''
전통적인, 주로 석기 스타일은 일본의 많은 지역에서 계속되었지만, 1590년대 1590년대 일본의 조선 침략 과정에서 붙잡히거나 설득되어 이주한 대규모 한국 도공들의 유입으로 에도 시대 초부터 일본 도자기는 변모했다. 이들 중 많은 사람들이 규슈 남쪽에 정착했고, 그들은 중국식 챔버 등요, 일본에서는 ''노보리가마''라고 불리는 가마에 대한 경험을 가져왔는데, 이를 통해 더 정밀한 제어가 가능하며 고온을 유지할 수 있었다. 1620년경에는 고령토 매장지를 발견하고 일본에서 처음으로 자기를 만들기 시작했다. 초기 제품("초기 이마리")은 비교적 작았고, 일본이 한동안 수입해 온 중국산 언더글레이즈 청화백자를 모방했다.[21]
자기는 1650년대 후반에 중국 내전으로 인한 중국 산업의 붕괴로 인해 중국 상인과 당시 일본에서 사업을 할 수 있도록 허가된 유일한 상인인 네덜란드 동인도 회사로부터 대규모 주문이 들어오면서 크게 확장되었다. 일본 수출 자기의 첫 번째 전성기는 1740년대까지 지속되었으며, 일본 자기의 대부분은 주로 유럽으로 수출되었지만, 일본 서쪽과 남쪽의 이슬람 세계에도 수출되었다.[22] 일본 도자기는 세계 최고 수준이다.[23][24]
'''칠기:'''
경제와 문화가 발전하면서 칠기 가구의 예술적 품질이 향상되었다. 혼아미 코에쓰와 오가타 코린은 린파 회화의 디자인을 칠기에 도입했다. 에도 시대 중반부터 휴대용 의약품 용기인 ''인로''가 마키에와 나전으로 화려하게 장식되기 시작했고, 사무라이 계급과 부유한 상인들 사이에서 인기를 얻었으며, 에도 시대 말에는 실용적인 액세서리에서 미술품 수집품으로 바뀌었다.[25][26] 아즈치-모모야마 시대 이후 칠기 수출이 계속되었다. 마리 앙투아네트와 마리아 테레지아는 이 시대의 일본 칠기 수집가로 알려져 있다.[27]
5. 1. 아즈치모모야마 시대
아즈치모모야마 시대(1573–1603)에 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이에야스와 같은 일련의 무장들이 거의 100년 동안의 전쟁 시기 이후 일본에 평화와 정치적 안정을 가져오려 했다. 오다는 작은 족장이었으나 1568년 실질적으로 정부를 통제할 수 있을 만큼의 권력을 얻었고, 5년 후 마지막 아시카가 쇼군을 몰아냈다. 히데요시는 오다의 죽음 이후 지휘권을 잡았지만, 세습 통치를 확립하려는 그의 계획은 1603년에 도쿠가와 막부를 세운 이에야스에 의해 좌절되었다.
'''회화:''' 모모야마 시대의 가장 중요한 회화 유파는 가노파였으며, 이 시대 최대의 혁신은 가노 에이토쿠를 시작으로 방을 둘러싼 후스마에 전설적인 풍경을 그리는 양식이었다. 다이토쿠지의 탑두인 주코인 정원에 면한 주실의 장식은 현존하는 에이토쿠의 특징을 가장 잘 나타낸 작품이다. 거대한 매화나무와 한 쌍의 소나무가 대각선으로 배치된 한 쌍의 후스마에 그려져 있으며, 가지는 좌우로 뻗어 후스마뿐만 아니라 인접한 면에도 연결되어 있다. 같은 교토에 있는 에이토쿠의 "당사자도 병풍"은 무사들이 좋아했던 대담하고 밝은 색채의 회화 양식을 보여준다.
thumb 소장]]
에이토쿠와 동시대의 하세가와 도하쿠는 대형 화면의 금벽 장벽화나 병풍 그림 등에서 에이토쿠와는 다른 보다 장식적인 양식을 만들어냈다. 교토의 치샤쿠인에 소장되어 있는 "단풍 그림"에서는 나무의 줄기를 중앙에 놓고 가지를 구도의 가장자리 가까이 뻗어 에이토쿠보다 평면적이고 구조적이지 않지만 시각적으로 화려한 그림을 창조했다. 6폭 1쌍의 "소나무 숲 그림 병풍"은 안개에 싸인 나무 숲을 먹 그림으로 훌륭하게 표현한 걸작이다.
5. 1. 1. 하세가와파
하세가와파는 하세가와 도하쿠(長谷川等伯)를 중심으로 하는 유파인데, 하세가와 도하쿠는 가노파의 관학성(官學性)에 대하여 재야적인 존재의 대표적인 인물로서, 그의 스타일은 다양하고 묘선은 힘차다. 《송림도병풍(松林圖屛風)》, 《고목원후도》 등이 대표작이다. 아들 하세가와 규조(久藏)가 그린 《앵도(櫻圖)》도 유명하다.
5. 1. 2. 남만미술
1543년 포르투갈인의 도일(渡日)을 계기로 일본에도 유럽 문화의 물결이 밀어닥쳐 그때까지는 볼 수 없었던 이색적인 회화나 공예품이 만들어졌다. 이것은 기독교 미술을 중심으로, 또한 그것에 부수되어 들여온 외국적인 요소를 바탕으로 하여 일본인 스스로의 손으로 의해 만들어진 남만미술(南蛮美術)을 말한다. 회화면에서는 기독교 회화를 중심으로 한 양풍 회화가 성하게 만들어졌다. 그 하나는 기독교에 직접 관계가 있는 것으로서 불화(佛畵)와 한가지로 신앙의 대상이 된 것, 둘째는 그리스도교 문화에 부수되어 들어온 것으로서, 종교에 직접 관계 없이 유럽의 풍속을 그린 것, 셋째는 좀 성격이 다른 것으로서 유럽 문화의 이입에 수반된 외국인의 내항 풍경을 그린 것 등이다.
5. 1. 3. 낙중외락도
낙중락외도(洛中洛外圖)란 교토 시내와 교외를 한눈에 볼 수 있도록 그린 그림으로, 한 쌍의 병풍에 나누어 그린 것을 말한다. 무로마치 시대 후기에 이미 나타났으며, 모모야마 시대의 현실주의를 잘 보여주는 사료로서 가치가 크다. 정치, 문화, 경제의 중심지였던 교토의 생생한 모습을 담고 있어 당시의 시대상과 풍조를 잘 보여주며, 풍속화의 중요한 갈래이기도 하다. 발생 초기부터 정치적, 사회적 색채를 띠었는데, 모모야마 시대에 들어서면서 이러한 경향이 더욱 뚜렷해졌다.
5. 2. 에도 시대
도쿠가와 막부는 1603년에 장기적인 안정 정권을 목표로 국내의 완전한 통제권을 획득하여 대체로 성공을 거두었다. 막부는 1867년까지 존속하며 250년 이상 정권을 유지했지만, 서양 제국으로부터의 개국 압력에 대처하지 못하고 개국을 강요당하여 얼마 지나지 않아 정권을 넘겨주게 되었다. 에도 시대의 특징 중 하나는 막부의 쇄국 정책, 시민에 대한 억압, 그리고 이에 반항하는 예술가들이 있었다는 것이다. 쇄국에 더해 의복, 결혼 상대, 따라야 할 활동 등 생활의 모든 측면에 영향을 미치는 엄격한 행동 규범을 부과했다.
그러나 에도 시대 초기에는 막부의 정책의 영향이 아직 완전히 침투하지 못하여 교토의 가쓰라 이궁과 린파의 선구자인 다와라야 소타쓰의 병풍 그림 등 일본 건축과 회화의 가장 뛰어난 표현 중 일부가 만들어졌다.
thumb 『연극 광대 부유 그림 근본』 1743년]]
'''목판:''' 목판 인쇄는 11세기부터 19세기까지 일반적인 인쇄 방법이었다. 원래 8세기의 일본에서 불전을 번역하기 위해 목판이 인쇄에 이용되었다. 목판은 판목에 글자나 그림을 새겨넣고 그것을 종이에 눌러 찍는 볼록판 인쇄이다. 8세기에는 목판이 문서를 복제하기 위한 편리한 인쇄 기술이라고 생각되었지만, 더 많은 혁신을 통해 다색 인쇄가 가능해져 니시키에로 알려지게 되었다. 니시키에는 18세기의 부유한 하이카이 작가들 사이에서 자주 교환되던 다이쇼코요미라고 불리는 그림 달력 제작에 사용되었다. 기교를 발휘하고 기술을 경쟁했기 때문에 다색 인쇄 기술이 비약적으로 발전했다. 메이레키 대화재 (1657년) 이후, 상인의 경제력이 높아져 풍속화의 발달로 이어졌다. 풍속화는 목판화와 결합되어 우키요에라고 불리며 에도 시대를 통해 발전해 나갔다. 이러한 우키요에는 유곽의 정경, 가부키, 미인화, 배우 그림 등 서민들이 바라본 다양한 풍속을 그리고 있다.
'''건축:''' 가쓰라 이궁의 부지는 겐지 이야기에 등장하는 가쓰라 전각의 터로 여겨지며, 겐지 이야기의 서경을 도입[75]하여 지어졌다. 고전 건축에서 발전하여 에도 시대 초 이후로 확산된 쇼인즈쿠리 건물이 늘어서고, 회유식 정원이라고 불리는 정원 전체를 순회하는 형식을 가진 아름다운 이 정원은 일본 정원의 걸작이라고 불리고 있다. 에도 시대에 많은 유력 다이묘가 영지에 회유식 정원을 만들고 아름다움을 겨루었다.
'''병풍 그림:''' 다와라야 소타쓰는 금박 배경에 선명한 색채의 인물과 자연, 고전 문학을 소재로 하여 장식성이 높은 뛰어난 작품을 만들었다. 그의 최고 걸작 중 하나는 "마쓰시마 병풍" (프리어가 미술관, 워싱턴 D.C.)이다. 1세기 후, 고린은 소타쓰의 양식을 계승·발전시켜 독자적인 화려한 작품을 남겼다. 최고 걸작은 "홍백매도 병풍"이다. 소타쓰의 시대에서 벗어나 사제 관계나 직접적인 전승에 의하지 않고 고린에게, 또 사카이 호이츠에게 계승되어 가는 이 예술 조류를 린파라고 부른다[76].
'''조각:''' 수도승인 엔쿠가 엔쿠불이라고 불리는 12만 체의 나무 조각 불상을 남겼다. 거친 부분이나 칼자국, 나무의 결을 남겨 나무의 존재감과 함께 미소 짓는 불상이 특징이다.
right 오하시 아타케의 저녁 비]]
'''우키요에와 남화 (문인화):''' 해외에서 가장 잘 알려진 일본 예술은 우키요에와 목판화로, 가부키의 세계나 유곽 등 서민 문화를 소재로 하고 있다. 우키요에는 17세기 후반에 시작되었고, 1765년에 스즈키 하루노부가 니시키에라고 불리는 최초의 다색 인쇄 판화를 제작했다. 토리이 기요나가나 기타가와 우타마로 등 다음 세대의 판화가들은 우아하고 때로는 통찰력 있는 유녀의 묘사를 만들어냈다.
19세기에는 가쓰시카 호쿠사이와 우타가와 히로시게가 두각을 나타냈고, 히로시게는 서정적이고 다소 감상적인 풍경화를 잘 그렸다. 히로시게가 풍경을 바라볼 때 사용한 특징적인 각도나 형태, 그리고 평면과 강한 직선의 윤곽을 강조한 기요나가나 우타마로의 작품은 후년에 에드가 드가나 빈센트 반 고흐와 같은 서양 예술가에게 큰 영향을 미쳤다. 대영박물관에 소장되어 있는 작품을 통해, 이러한 작품들은 후에 에즈라 파운드, 리처드 올딩턴, H.D. 등 초기 모더니즘 시인들이 사용한 이미지와 미적 접근 방식에 강한 영향을 미치게 된다[77].
우키요에와 동시대의 회화의 조류로서 남화, 또는 문인화가 있으며, 중국의 지식인 계층(문인)이 그린 그림을 바탕으로 한 양식이다. 우키요에 화가가 도쿠가와 막부의 규제 밖의 생활을 그린 것과 마찬가지로, 문인 화가는 중국 문화에 눈을 돌렸다. 남화의 대표적인 작가로 이케노 타이카, 요사 부손, 타노무라 치쿠덴, 야마모토 바이이쓰가 있다.
'''도예:''' 도기의 양식은 옛날부터 여러 차례 개량이 더해져 발전해 왔다. 에도 시대에는 노노무라 닌세이, 오가타 겐잔을 대표하는 색회 도기를 중심으로 한 우아한 교토 도자기가 한 시대를 풍미했다. 또한 1590년대의 조선 출병(분로쿠·게이초의 역) 과정에서 붙잡히거나 이주를 설득당한 대규모 조선인 도공의 유입으로 인해 에도 시대 초에 큰 발전이 있었다. 조선인 도공은 아리타(사가현)에 정착하여, 보다 정확한 고온 제어를 가능하게 하는, 대요라고 불리는 대형 등요를 가져왔다. 1620년경까지 그들은 자기의 원료가 되는 도석을 발견하고, 일본에서 처음으로 자기를 만들기 시작했다. 초기의 자기 (초기 이마리)는 굽는 기술로 조선 특유의 공법이 사용되었으며, 염색 기법이나 의장은 중국에서 유래한 것이 있었다.
1650년대 후반, 중국의 내분에 얽힌 정책의 영향으로, 중국에서 경덕진을 수입할 수 없게 된 네덜란드 동인도 회사는 아리타 도자기를 대량으로 주문했고, 일본의 자기 산업은 크게 확대되었다. 당시 일본에서의 무역은 네덜란드에게만 거래가 허용되었다. 일본의 자기 수출의 제1기는 1740년대 무렵까지 이어졌고, 일본 자기의 대부분은 수출용으로 만들어져 주로 유럽을 대상으로 했지만, 이슬람 세계에도 수출되었다. 일본의 도자기는 세계에서도 최고급품이라고 할 수 있다[78][79].
'''칠기:''' 경제와 문화의 발전과 함께 칠기의 예술성도 향상되었다. 혼아미 코에쓰와 오가타 고린은 린파의 도안을 칠기에 도입했다. 에도 시대 중기부터 약통용 인로와 연적 등에 마키에와 나전 세공을 한 화려한 장식이 더해지게 되었고, 무가와 상인 계층의 부유한 상인들 사이에서 인기를 얻어 막부 말기에는 실용품에서 미술 컬렉션으로 변화했다. 칠기의 수출은 아즈치모모야마 시대 이후에도 계속되었다. 이 시대의 칠기 수집가로는 마리 앙투아네트와 마리아 테레지아가 알려져 있다.
마키에는 옻을 사용하여 금분·은분으로 그림을 그리는 기법으로, 헤이안 시대에 기술이 건너온 이후 특히 일본에서 발전을 이루었다. 에도 시대에 보다 복잡하고 고도의 기법이 완성되어 성숙기를 맞이했다.
==== 도사파 ====
야마토에의 유파로 알려진 도사파는 무로마치 시대가 되자 가노파에 눌려서 존재가 희미하였으나, 17세기에 도사 미쓰오키(土佐光起)가 조정(朝廷)의 화가로서 활약하고 그 부흥에 힘썼다. 작품으로는 《이쓰쿠시마 마쓰시마 도병풍(嚴島松島圖屛風)》 등이 있고 독창성이 결여된 표면적인 사실에 빠지기 쉬운 신양식을 취하였으므로 그 화풍은 점차로 피상적인 사실주의의 형식적인 고수가 되었다.
==== 우키요에 ====
우키요에는 17세기 후반 히시카와 모로노부(菱川師宜)가 먹 일색의 목판화 묵쇄화(墨刷畵)를 발표하면서 시작되었다. 이후 단(丹)을 붓으로 채색하는 단화(丹畵), 단 대신 선홍색을 주색으로 하고 여러 가지 색을 채필(彩筆)하는 홍화(紅畵), 먹 부분에 광택을 곁들인 칠화(漆畵)를 거쳐, 선홍색이나 초록색 등 수색을 목판쇄(木版刷)로 채색하는 홍쇄화(紅刷畵)가 등장했다.
1765년 스즈키 하루노부(鈴木春信)가 다색쇄각쇄기법(多色刷刻刷技法)을 완성하면서 화려한 니시키에(錦繪) 시대가 열렸다. 기타가와 우타마로(喜多川歌麿) 등의 화가들은 서민의 미의식을 대변하며 시시각각 변화하는 세상을 반영하는 작품을 발표했다. 미인화·야쿠샤에(役者繪)가 대표적인 주제였으며, 나중에는 풍경화나 화조화 등도 유행하였다.
==== 마루야마시조파 ====
문인화가 한창인 시대에 한편에서는 객관적인 사실주의를 특히 주장한 일파가 있었다. 마루야마 오쿄는 그 대표자라 할 수 있다. 그는 중국이나 네덜란드에서 수입한 안경화(眼鏡畵)에 흥미를 가져 원근법이나 음영법(陰影法)의 기술을 획득하고 회화에서의 사생의 필요를 통감하였다. 그러나 장식적인 표현을 전혀 무시했던 것은 아니고 사생주의를 원칙으로 하면서 적당히 장식성을 집어 넣은 신양식이었다.
마루야마파와 나란히 사생주의 회화에 손댄 것이 교토시조(京都四條)에 살았던 마쓰무라 고슌(松村吳春)을 중심으로 한 시조파였다. 그 화가로서 마쓰무라 케이분(松村景文) 등을 들 수 있다.
==== 아키타파 ====
쇄국 정책으로 잠시 모습을 볼 수 없었던 양풍화가 다시 고개를 들기 시작하였다. 그 중에서 아키타의 사타케 쇼잔(佐竹曙山, 1748∼1785)은 그의 가신(家臣) 오다노 나오타케(小田野直武)와 더불어 양풍화 작품을 그렸다. 아키타파(秋田蘭畵)는 예를 든다면 쇼잔의 《소나무에 당조도(松に唐鳥図)》는 서양화와 동양화의 절충적인 표현형식을 취하고 있다. 나오타케의 대표작 《시노바즈노이케(不忍池)》에서 다소 강조된 원근법과 돌연 전면에 그려진 정물의 대비는 18세기 네덜란드의 영향으로 보이며, 물감은 투명한 일본화의 안료를 사용하고 있다.
5. 2. 1. 도사파
야마토에의 유파로 알려진 도사파는 무로마치 시대가 되자 가노파에 눌려서 존재가 희미하였으나, 17세기에 도사 미쓰오키(土佐光起)가 조정(朝廷)의 화가로서 활약하고 그 부흥에 힘썼다. 작품으로는 《이쓰쿠시마 마쓰시마 도병풍(嚴島松島圖屛風)》 등이 있고 독창성이 결여된 표면적인 사실에 빠지기 쉬운 신양식을 취하였으므로 그 화풍은 점차로 피상적인 사실주의의 형식적인 고수가 되었다.5. 2. 2. 우키요에
우키요에는 17세기 후반 히시카와 모로노부(菱川師宜)가 먹 일색의 목판화 묵쇄화(墨刷畵)를 발표하면서 시작되었다. 이후 단(丹)을 붓으로 채색하는 단화(丹畵), 단 대신 선홍색을 주색으로 하고 여러 가지 색을 채필(彩筆)하는 홍화(紅畵), 먹 부분에 광택을 곁들인 칠화(漆畵)를 거쳐, 선홍색이나 초록색 등 수색을 목판쇄(木版刷)로 채색하는 홍쇄화(紅刷畵)가 등장했다.1765년 스즈키 하루노부(鈴木春信)가 다색쇄각쇄기법(多色刷刻刷技法)을 완성하면서 화려한 니시키에(錦繪) 시대가 열렸다. 기타가와 우타마로(喜多川歌麿) 등의 화가들은 서민의 미의식을 대변하며 시시각각 변화하는 세상을 반영하는 작품을 발표했다. 미인화·야쿠샤에(役者繪)가 대표적인 주제였으며, 나중에는 풍경화나 화조화 등도 유행하였다.
5. 2. 3. 마루야마시조파
문인화가 한창인 시대에 한편에서는 객관적인 사실주의를 특히 주장한 일파가 있었다. 마루야마 오쿄는 그 대표자라 할 수 있다. 그는 중국이나 네덜란드에서 수입한 안경화(眼鏡畵)에 흥미를 가져 원근법이나 음영법(陰影法)의 기술을 획득하고 회화에서의 사생의 필요를 통감하였다. 그러나 장식적인 표현을 전혀 무시했던 것은 아니고 사생주의를 원칙으로 하면서 적당히 장식성을 집어 넣은 신양식이었다.마루야마파와 나란히 사생주의 회화에 손댄 것이 교토시조(京都四條)에 살았던 마쓰무라 고슌(松村吳春)을 중심으로 한 시조파였다. 그 화가로서 마쓰무라 케이분(松村景文) 등을 들 수 있다.
5. 2. 4. 아키타파
쇄국 정책으로 잠시 모습을 볼 수 없었던 양풍화가 다시 고개를 들기 시작하였다. 그 중에서 아키타의 사타케 쇼잔(佐竹曙山, 1748∼1785)은 그의 가신(家臣) 오다노 나오타케(小田野直武)와 더불어 양풍화 작품을 그렸다. 아키타파(秋田蘭畵)는 예를 든다면 쇼잔의 《소나무에 당조도(松に唐鳥図)》는 서양화와 동양화의 절충적인 표현형식을 취하고 있다. 나오타케의 대표작 《시노바즈노이케(不忍池)》에서 다소 강조된 원근법과 돌연 전면에 그려진 정물의 대비는 18세기 네덜란드의 영향으로 보이며, 물감은 투명한 일본화의 안료를 사용하고 있다.6. 근대
메이지 유신 이후 서구 열강의 침략에 맞서 근대 국가를 건설하고, 전통 문화를 계승 및 발전시키기 위해 노력했던 시기이다.
오랫동안의
6. 1. 메이지 시대
오랫동안의6. 2. 다이쇼 시대
에도 막부의 봉건제도가 붕괴되고 메이지 정부가 서양 근대 문명을 적극적으로 수용하면서, 일본 미술계는 서양 미술의 영향을 강하게 받았다. 이러한 상황 속에서 서양화풍과 전통 일본화풍이 공존하며 발전하는 양상을 보였다.[28]1879년에는 일본화단의 재편성을 목표로 류치카이(龍池會)가 결성되었고, 1887년에는 고서화감상회(古書畵鑑賞會)를 흡수하여 일본미술협회(日本美術協會)가 발족되었다. 이 협회는 구파(舊派)로 불리며, 도사파, 스미요시파, 마루야마 시조파, 문인화파의 후예들이 중심이 되었다. 야마나 쓰라요시, 시바타 제신, 다자키 소운, 가와바다 교쿠소, 노구치 유코쿠, 다키 가테이, 가와베 미타테, 모리 간사이, 기시 지쿠도 등이 대표적인 작가였다.
1887년, 오카쿠라 텐신은 도쿄미술학교를 설립하여 개성주의를 장려하였다.[28] 1907년에는 신파와 구파를 통합한 문부성(文部省) 전람회인 분텐(文展)이 개최되었으며, 와다 산조, 나가자와 고코, 야마시타 신타로 등이 이 전람회를 통해 이름을 알렸다. 1913년에는 분텐에 대항하는 재야 단체로서 니카카이(二科會)가 설립되었다. 아리시마 쇼마, 야마시타 신타로, 쓰다 세이후, 이시이 하쿠테이, 우메하라 류자부로, 고스기 호안, 사카모토 한지로 등이 니카카이의 주요 구성원이었다.
1868년 일본 천황의 통치권 회복과 함께 일본은 서구 문화의 영향을 받기 시작했다. 전쟁 전 시대 동안 서구 문화적 가치의 도입은 일본 미술뿐만 아니라 문화 전반에 걸쳐 전통적 가치와 새로운 아이디어 간의 갈등을 야기했다.[28] 이러한 분열은 20세기 후반까지 이어졌지만, 점차 통합이 이루어지면서 일본 미술은 국제적인 문화적 분위기 속에서 더욱 혁신적인 형태로 발전하게 되었다.
일본 정부는 만국 박람회를 통해 일본 미술을 적극적으로 홍보했는데, 1873년 빈 만국 박람회가 그 시작이었다.[28] 정부는 박람회에 막대한 자금을 지원하고 일본 문화를 세계에 알리는 데 적극적으로 참여했다. 또한, 미술 수출을 촉진하고 상업화하기 위해 기립공상회사를 설립하고, 품질 기준을 유지하기 위해 박람회국을 설립했다.[28] 1876년 필라델피아 세계 박람회에서는 전시될 30,000점의 품목을 위한 공간을 확보했다.[29] 1890년에는 제실 기예원 제도를 만들어 시바타 제신, 마쿠즈 코잔, 하시모토 가호, 나미카와 야스유키 등 뛰어난 예술가들을 인정했다.[28]
서양 수입품이 인기를 얻으면서 일본 내에서 일본 미술에 대한 수요는 감소했지만,[29] 유럽과 미국에서는 자포니즘 열풍이 불었다.[29] 황실의 후원, 정부의 지원, 서구 기술의 결합은 일본 예술 혁신의 시대를 열었다.
21세기부터 일본에서 메이지 미술에 대한 연구와 재평가가 활발하게 진행되고 있다.[30][31] 무라타 마사유키는 10,000점 이상의 메이지 시대 미술 작품을 소장하고 있으며, 나세르 할릴리 또한 세계적인 메이지 미술 수집가 중 한 명이다. 일본 황실도 메이지 미술의 뛰어난 작품을 소장하고 있으며, 그중 일부는 궁내청 삼의고 미술관에 보관되어 있다.
6. 3. 쇼와 시대 (전쟁 이전)
오랫동안의7. 현대
현대 일본 미술은 세계 현대 미술과 마찬가지로 다양한 형태와 아이디어를 표현한다. 광고, 애니메이션, 비디오 게임, 건축에서부터 조각, 회화, 드로잉에 이르기까지 모든 형태를 포괄한다.[56] 일본 예술가들은 특히 건축, 비디오 게임, 그래픽 디자인, 패션, 그리고 애니메이션 분야에서 세계 현대 미술에 뚜렷한 기여를 했다.[56] 미야자키 하야오와 스튜디오 지브리는 애니메이션계 최고의 예술가와 애니메이터로 꼽힌다.[56]
많은 일본 예술가들은 일본 전통 종이, 도자기와 같은 전통적인 일본 예술 기법과 재료, 종이나 비단에 검은색과 채색 잉크로 그림을 그리는 등 전근대 시대부터 물려받은 전통적인 기법과 재료를 계속 사용하고 있다.[56] 이러한 작품 중 일부는 전통적인 주제를 전통적인 스타일로 묘사하는 반면, 다른 작품들은 새롭고 다양한 모티프와 스타일을 탐구하거나 전통적인 매체나 재료를 사용하여 전통과 현대 미술 형태의 하이브리드를 창조한다.[56] 조각에서도 일부 예술가들은 전통적인 방식을 고수하고, 어떤 예술가들은 현대적인 감각으로 이를 행하며, 또 어떤 예술가들은 서양적 또는 완전히 새로운 방식, 스타일, 매체를 선택한다.[56] 아키야마 요는 점토 도자기와 세라믹으로 작업하며, 마치 대지 자체에서 만들어진 것처럼 보이는 매우 단순하고 직설적인 작품을 만든다.[56] 고지마 나오코는 3D로 매달린 종이 조각 기법을 개척한 현대적인 키리에 예술가이다.[56]
무라카미 다카시는 서구 세계에서 가장 잘 알려진 일본 현대 미술가 중 한 명이라고 할 수 있다.[56] 무라카미와 그의 스튜디오는 "슈퍼플랫"이라고 명명한 애니메이션에서 영감을 얻은 스타일로 작품을 제작하며, 회화에서 조각에 이르기까지 다양한 형태를 취하며, 일부는 실제로 엄청난 크기이다.[56]
쿠사마 야요이, 나라 요시토모, 스기모토 히로시, 시오타 치하루, 모리야마 다이도, 모리 마리코, 타카노 아야, 타바이모는 현대 일본 미술 분야의 중요한 예술가로 여겨진다.[56][110] 예술가 집단인 그룹 1965는 현대 예술가 아이다 마코토를 그 멤버로 포함하고 있다.[57] 미디어 아트 분야에서는 이와이 토시오, 하치야 카즈히코, 라이조마틱스, 팀랩, 에키소니모, 오치아이 요이치가 두각을 나타내고 있다.[111]
7. 1. 전후 시대
전후 일본 미술계는 전쟁의 상처를 극복하고 새로운 사회를 건설하는 과정에서 다양한 예술 사조가 등장했다.[44] 특히 추상 미술과 전위 예술 등이 발전하였다. 종전 이듬해에는 이미 니카카이가 전람회를 개최하였고, 니카카이에서 분파한 무카이 준키치(向井潤吉) 등이 행동미술협회를 발족하였고, 미야모토 사부로(宮本三郎) 등이 제2기회(第二紀會)를 발족하였다. 일본화 세계에서는 신선한 화풍을 목표로 한 야마모토 큐진(山本丘人)·후쿠다 도요시로(伏田豊四郎)·요시오카 겐지(吉罔堅二)·우에무라 쇼코(上村松篁) 등이 창조미술을 결성, 나중에 신제작파협회(新制作派協會)의 일본화부에 합동하였다.국제적인 교류가 활발해지면서 일본 화단은 국제화단과 더욱 밀접하게 연결되었다. 오카다 겐조, 스가이 구미(菅井汲)와 같은 유화 작가, 무나카타 시코·하마구치 요조(濱口陽三)와 같은 판화 작가들이 파리, 뉴욕 등 해외에서 작품을 발표하며 국제적인 평가를 받았다.
1945년 일본의 항복 직후, 많은 일본 예술가들이 일본 공산당의 영향을 받거나 공산당에 가입했다.[43] 일본 공산당은 전후 일본 경찰의 오랜 탄압 끝에 일본 점령 이후 미국 주도의 군정에 의해 합법화되었다.[44] "공산주의 혁명의 전위"에서와 같이 "전위"(前衛, ''zen'ei'')라는 일본어 단어가 예술적 아방가르드와 같은 의미로 사용되었다.[45] 일본 공산당은 일본의 주요 예술 단체와 전시회를 장악하게 되었고, 전쟁 직후의 주된 예술 형태는 사회주의 리얼리즘이었다.[44] 1952년, 공산당은 가쓰라가와 히로시와 전위미술회(前衛美術会, ''Zen'ei Bijutsukai'')의 다른 구성원들에게 사회주의 리얼리즘 예술을 제작하도록 지시했다.[46]
7. 2. 1950년대: 사회주의 리얼리즘과의 투쟁
1945년 제2차 세계 대전에서 일본이 패전한 직후, 많은 일본 예술가들이 일본 공산당의 영향 아래에 들어가거나 참여했다.[99] 일본 공산당은 점령군에 의해 막 합법화되었는데,[99] 이는 전후 초기에 공산당이 일본에서 전시 군국주의에 저항한 유일한 그룹이라는 생각을 널리 퍼뜨리는 데 성공했기 때문이다. 게다가, "공산주의 혁명의 선구자"라는 의미를 일본어로 "전위"로 번역한 것은, 예술 분야의 "아방가르드"의 번역어로서의 "전위"와 같은 단어였다.일본 공산당은 곧 일본의 주요 미술 협회와 전시회를 지배하게 되었고, 따라서 종전 직후 미술의 주류는 모든 예술은 혁명의 대의를 추진하는 목적에 봉사해야 한다는 공산당의 교리에 따라, 빈곤층의 고통과 노동자 계급의 고귀함을 그린 사회주의 리얼리즘이었다.[99] 1952년, 공산당은 가쓰라가와 히로시와 새로 결성된 전위미술회의 다른 회원과 같은 예술가들에게, 일본에서 폭력적인 혁명을 선동하려던 "산촌공작대"를 지원하기 위해 산악 지대로 나가 사회주의 리얼리즘 예술을 제작하도록 명령했다.[100][101] 그러나 전위미술협회는 초현실주의 회화의 발전형을 모색하는 작품이 중심이 되어갔다.
물론 모든 예술가가 공산당 지배하에 있었던 것은 아니다.[102] 이 시대를 대표하는 걸작으로, 쓰루오카 마사오의 "무거운 손"(1949년)을 들 수 있다.[103] 시대의 폐쇄감을 훌륭하게 표현하고 있다.
1950년대, 많은 일본 예술가들은 공산당이 강요한 엄격하고 제한적인 '예술'의 정의에 점점 더 환멸을 느꼈다.[47][104] 그러나 예술 협회나 전시회 심사위원의 상층부에는 공산당원이나 지지자가 항상 우위에 있었기 때문에, 예술가들은 당의 가이드라인을 따르지 않는 한 작품을 전시하는 것조차 극히 어렵다고 느꼈다.[48][105] 정식 공개 전시회를 피하는 예술가도 있었다. 다른 예술가들은, 1954년에 설립된 컨셉츄얼 아티스트 그룹인 구체미술협회처럼, 해외에서 작품을 발표하기 위한 인지, 자금 지원, 기회를 모색했다.[106] 더욱이 다른 예술가들은, 요미우리 신문이 주최한 누구나 참여할 수 있는 요미우리 앙데팡당전 등, 일본에서 몇 안 되는 심사 없이 미술 조직에서 독립된 전시회를 활용했다.[49][106]
요미우리 앙데팡당전과 맥을 같이하여, 기쿠하타 시게마 등의 규슈파가 선구적인 활동을 보였다. 또한 이 시대를 가장 대표하는 미술 작가 중 한 명은 구체미술협회에 소속된 시라가 가즈오이다.
공산당과 미술의 관계에 결정적인 일격을 가한 것은, 1960년에 미일안전보장조약에 반대하는 대규모 항의 운동(안보 투쟁)이었다. 이는, 이른바 '전위' 공산당이 극히 소극적인 역할을 수행했기 때문이다. 항의 운동이 조약을 막지 못했을 때, 비난의 공세가 이어졌고, 공산당과 사회주의 리얼리즘 예술에 대한 더욱 큰 환멸이 일어나, 더욱 많은 예술가들이 당의 영향에서 벗어나게 되었다.[50][107]
7. 3. 1960년대: 새로운 장르의 폭발
1960년대 일본에서는 사회주의 리얼리즘의 영향력이 약화되면서, "포스트모던"이라 불릴 수 있는 새로운 예술 형태들이 폭발적으로 증가했다.[51] 네오 다다 오거나이저스, 제로 디멘션, 하이-레드 센터와 같은 예술가 집단은 "비예술" 및 "반예술" 개념을 탐구하고, 예술과 일상생활의 경계를 허무는 다양한 "이벤트", "해프닝" 및 퍼포먼스 아트를 선보였다. 모노파는 예술, 공간, 풍경, 환경의 경계를 확장하는 데 주력했다. 그래픽 디자이너 요코 타다노리는 1960년대 반문화와 성인 만화에서 영감을 얻었다.[52] 공연 예술 분야에서는 히지카타 타츠미가 부토라는 새로운 형태의 포스트모던 댄스를 개척했고, 가라 주로와 사토 마코토는 앵구라라는 급진적인 "언더그라운드" 연극 스타일을 창조했다.[52] 사진 분야에서는 모리야마 다이도 등이 "''아레, 부레, 보케''"(거칠고, 흐릿하고, 초점이 맞지 않음)를 특징으로 하는 영향력 있는 전후 사진을 개척했다.[53][54]
이러한 새로운 예술의 증가는 "일본의 경제 기적"으로 불리는 1960년대 일본 경제의 고도 성장에 힘입은 바가 컸다. 당시 일본 경제는 연간 10% 이상 성장하여, 예술에 투자할 수 있는 새로운 소비 계층을 창출했다. 예술가들은 작품 판매만으로 생계를 유지하는 것이 가능해졌다. 1960년대 일본의 건설 붐은 전통적인 목조 건축물을 대체하고 유리와 강철로 된 현대적인 도시를 건설했으며, 단게 겐조가 이끄는 메타볼리즘 (건축) 운동과 같은 새로운 건축 양식에 영감을 주었다.
그러나 예술계는 특정 예술가(주로 남성)의 작품을 우선시하는 파벌에 의해 지배되기도 했다. 1960년대에는 해외여행이 자유로워지면서 쿠사마 야요이와 오노 요코와 같은 여성 예술가들은 런던, 파리, 뉴욕 등에서 더 나은 평가를 받았다.
1970년 오사카 만국 박람회에서는 수십 명의 아방가르드 및 개념 예술가들이 파빌리온 디자인에 참여하면서, 일본의 새로운 예술은 확고한 지위를 얻게 되었다.[55] 일본의 전위 예술은 세계적으로 뻗어나갔고, 보수적인 정부조차도 이를 자랑스럽게 여겼다.
7. 4. 1970년대와 1980년대: 경제 호황
1970년대와 1980년대 일본 미술은 1950년대와 1960년대에 시작된 많은 방향으로 계속되었지만, 역사상 가장 큰 경제 거품 중 하나로 성장하면서 훨씬 더 큰 예산과 더 비싼 재료를 사용했다. 1985년 플라자 합의 이후 일본 통화가 믿을 수 없을 정도로 강세를 보이면서 일본 개인과 기관은 국제 미술 시장의 주요 주역이 되었다. 엄청나게 부유한 일본 대기업들은 자체 개인 미술관을 건설하고 현대 및 동시대 미술 컬렉션을 수집하기 시작했으며, 일본 예술가들 또한 이러한 지출의 혜택을 크게 받았다.예술 작품은 전통적인 회화와 조각에서 그래픽 디자인, 팝 아트, 착용 가능한 예술, 퍼포먼스 아트, 개념 미술, 설치 미술 방향으로 계속해서 이동했다. 다양한 유형의 "하이브리드" 예술이 점점 유행하게 되었다. 기술이 발전함에 따라 예술가들은 점점 더 전자 공학, 비디오, 컴퓨터, 합성 음악 및 사운드, 비디오 게임을 예술에 통합했다. 많은 젊은 예술가들이 몰입하며 성장한 만화와 애니메이션의 미학은 점점 더 커지고 때로는 매우 미묘한 영향을 미쳤다. 무엇보다도 예술가들은 개인적이고, 절충적이며, 환상적이거나 환영적이며, 유쾌한 것을 선호하여 "고급 예술" 또는 순수 미술을 연상시키는 모든 것을 피했다. 또한 요시자와 미카와 같은 여성 예술가들이 일본 미술계에서 점점 더 많은 지지와 인정을 받았다.
7. 5. 1990년대 이후: 현대 일본 미술
일본 현대 미술은 광고, 만화, 애니메이션, 비디오 게임, 건축에서부터 조각, 회화, 드로잉에 이르기까지 모든 형태를 포괄하며 다양한 아이디어를 표현한다.[56] 특히 건축, 비디오 게임, 그래픽 디자인, 패션, 그리고 애니메이션 분야에서 세계 현대 미술에 뚜렷한 기여를 해왔다.[56] 미야자키 하야오와 스튜디오 지브리는 애니메이션계 최고의 예술가와 애니메이터로 꼽힌다.[56]많은 일본 예술가들은 전통적인 일본 종이, 도자기와 같은 전통적인 일본 예술 기법과 재료, 종이나 비단에 검은색과 채색 잉크로 그림을 그리는 등 전근대 시대부터 물려받은 전통적인 기법과 재료를 계속 사용하고 있다.[56] 이러한 작품 중 일부는 전통적인 주제를 전통적인 스타일로 묘사하는 반면, 다른 작품들은 새롭고 다양한 모티프와 스타일을 탐구하거나 전통적인 매체나 재료를 사용하여 전통과 현대 미술 형태의 하이브리드를 창조한다.[56] 조각에서도 일부 예술가들은 전통적인 방식을 고수하고, 어떤 예술가들은 현대적인 감각으로 이를 행하며, 또 어떤 예술가들은 서양적 또는 완전히 새로운 방식, 스타일, 매체를 선택한다.[56] 아키야마 요는 점토 도자기와 세라믹으로 작업하며, 마치 대지 자체에서 만들어진 것처럼 보이는 매우 단순하고 직설적인 작품을 만든다.[56] 고지마 나오코는 3D로 매달린 종이 조각 기법을 개척한 현대적인 키리에 예술가이다.[56]
무라카미 다카시는 서구 세계에서 가장 잘 알려진 일본 현대 미술가 중 한 명이라고 할 수 있다.[56] 무라카미와 그의 스튜디오는 "슈퍼플랫"이라고 명명한 애니메이션에서 영감을 얻은 스타일로 작품을 제작하며, 회화에서 조각에 이르기까지 다양한 형태를 취하며, 일부는 실제로 엄청난 크기이다.[56]
쿠사마 야요이, 나라 요시토모, 스기모토 히로시, 시오타 치하루, 모리야마 다이도, 모리 마리코, 타카노 아야, 타바이모는 현대 일본 미술 분야의 중요한 예술가로 여겨진다.[56][110] 예술가 집단인 그룹 1965는 현대 예술가 아이다 마코토를 그 멤버로 포함하고 있다.[57] 미디어 아트 분야에서는 이와이 토시오, 하치야 카즈히코, 라이조마틱스, 팀랩, 에키소니모, 오치아이 요이치가 두각을 나타내고 있다.[111]
8. 각 분야별 예술
8. 1. 회화
일본인들은 서양 미술 양식을 처음에는 열린 마음으로 받아들였다. 1876년에는 서양식 기법을 가르치기 위해 이탈리아인 강사를 고용하여 공부미술학교를 개교했다.[32] 두 번째 반응은 오카쿠라 카쿠조와 미국인 어니스트 페놀로사를 필두로 한 정반대 방향으로의 진자 운동이었다. 이들은 일본 예술가들에게 현대적 취향에 더 맞는 작품을 만들면서도 전통적인 주제와 기법을 유지하도록 장려했다.[32] 이것은 제1차 세계 대전 직전 몇 년 동안 일본 미술의 영향력을 캘커타, 런던, 보스턴까지 확장하는 데 기여한 전략이었다.[32] 유럽과 동아시아에서 각각 파생된 이 두 가지 예술 이론의 극점에서 ''요가''(서양화)와 니혼가("일본화")가 발전했으며, 이 범주들은 현재까지 유효하게 유지되고 있다.[32]
8. 2. 조각
메이지 시대에는 일본의 의복이 서구화되면서 기모노를 입는 사람이 줄어들었고, 상아와 나무로 네츠케나 키세루를 만들던 장인들은 수요를 잃었다. 그리하여 그들은 실내 장식용 상아 조각이라는 새로운 분야를 개척하려 하였고, 많은 정교한 작품들이 해외로 수출되거나 일본 황실에서 구매되었다.[39][91] 특히 이시카와 코메이와 아사히 교쿠잔의 작품은 일본에서 칭찬을 받았다.[39]
덧붙여 네츠케는 에도 시대 중기 이후 발전하여 예술성이 높아졌으며, 메이지 시대 이후의 양복화의 침투에 따라 일본 국내 수요 저하에 반해 해외에서 평가가 높아졌기 때문에 질 높은 작품의 대부분은 해외로 유출되게 되었다.
8. 3. 공예
메이지 시대(明治時代) 일본의 칠보(七寶)는 기술적으로 정점에 달하여, 이전보다 진보된 것을 만들어냈다[85]. 네덜란드의 기술을 연구하고, 독일인 학자와의 공동 연구를 통해 혁신적인 유약을 개발하고, 거기에 회화적 요소를 더해 1890년부터 1910년은 일본 칠보의 "황금 시대"라고 불렸다. 칠보焼(칠보야키)는 전통적인 그림과 유사하거나 이를 모방한 디자인을 가진, 더 회화적인 매체로서 예술적 평가를 높였다[87]. 꽃, 새, 곤충을 소재로 한 일본 고유의 디자인의 칠보가 인기를 끌었다. 특히, 나미카와 야스유키와 나미카와 소스케의 작품은 만국 박람회에 출품되어 많은 상을 수상했다[86][87]。
나미카와(並河) 두 사람과 함께, 오와리 칠보를 견인하는 안도 칠보 제작소(安藤七宝製作所)도 고품질의 칠보를 다수 생산했다. 디자인과 색채에 있어서의 새로운 성과로, 일본의 칠보는 비할 데가 없다고 말해졌다[88]。
제2차 세계 대전 후, 합성수지 기술의 발달과 함께 칠보의 수요는 줄어들고, 그것과 함께 기술도 쇠퇴해 갔다. 메이지 시대의 칠보의 기술은 현재는 잃어버린 것도 있다[89]。
메이지 시대, 칠기 분야에서도 칠공들이 새로운 의장을 창안하고, 지금까지 없었던 질감이나 마감을 시도하면서 옻칠에 대한 관심이 다시 높아졌다。 마키에는 이 시대 고급 칠기의 가장 일반적인 기법이다。 시바타 제신은 막말부터 메이지 시대에 걸쳐 작품으로 높은 평가를 받은 칠공이다. 에도 시대에 만들어진 시바야마 칠기나 소마다 세공에 의한 칠기는 나전칠기와 금, 은, 상아, 색색의 금속과 유리를 상감한 화려한 양식이 인기를 끌며, 이 시대에 최성기를 맞이했다[90]。 일본 공방에서 만들어진 옻칠은 세계 어디에서 생산되는 것보다 기술적으로 우수하다고 인식되었다。
|thumb|left|''향로''、은에 귀금속, 수정 1890]]
메이지 시대 초에는, 지금까지 수출되어 널리 알려졌던 칠기나 자기와는 달리, 일본의 금속 공예품은 국외에서는 거의 알려져 있지 않았다. 금속 세공은, 예를 들어 범종이나 향로에 청동이 사용되는 등 불교의 실천과 결부되어 있었기 때문에, 불교가 국교에서 몰락하자, 그러한 금속 세공사가 활약할 기회는 적어졌다. 그러나, 만국 박람회에서 일본의 금속 공예품이 새로운 해외 관객 앞에 모습을 드러내어, 높은 평가를 받았다. 도검의 칼자루 장식이나 갑옷 장식 등 무사의 무기 역사로 인해, 일본의 금속 세공사는 폭넓은 색상의 금속 마감을 하는 기술을 가지고 있었다. 구리, 은, 금을 다양한 비율로 조합하여 마감함으로써, 샤쿠도나 시부이치 등의 특수한 합금이 만들어졌다. 이 다양한 합금과 마감으로, 예술가는 풀 컬러 장식처럼 마감할 수 있었다.
|thumb|left|도기 완 야부 메이잔(영어) 작, 1910년경]]
메이지 시대의 기술 혁신으로, 도자기는 국제적으로 가장 성공한 일본의 장식 예술 중 하나가 되었다. 서양에서 높이 평가받은 도자기는 사쓰마 도자기였으며, "SATSUMA"라는 이름으로 통했다. 사쓰마 도자기는 원래 사쓰마 지방의 도자기에 붙여진 이름으로, 금박과 칠보로 정교하게 장식되었다. 서양에서는 명백히 일본적인 것으로 여겨졌던 이 도자기는, 실제로는 수입 안료와 서양의 영향을 크게 받았으며, 소규모 사쓰마 가마에서는 감당할 수 없어 교토 등 여러 지방에서 수출을 염두에 두고 만들어졌다. 교토, 오사카, 도쿄 등 많은 도시의 공방은, 구미의 수요를 충족시키기 위해 "일본풍" 도자기 생산을 경쟁했으며, 많은 경우, 단기 납품과 저비용을 우선시하고, 고품질에 중점을 두지 않고 생산했다. 그 때문에 "Satsuma ware (사쓰마 도자기)"라는 용어는 생산지가 아닌, 순수하게 수출용으로 만들어진 저품질 도자기를 가리키는 호칭이 되었다[92]. 그럼에도 불구하고, 야부 메이잔(영어)이나 미야가와 고잔(마쿠즈 고잔) 등의 예술가들은, 최고의 예술적 수준을 유지하면서, 수출에도 성공했다. 1876년부터 1913년에 걸쳐, 고잔은 만국 박람회나 내국권업박람회 등 51개의 박람회에서 상을 수상했다[93].
1902년판 브리태니커 백과사전은 "일본 장식의 천재가 직물만큼 매력적인 성과를 거둔 응용 예술 분야는 다른 곳이 없으며, 최근 이만큼 눈부신 진보를 이룬 분야도 없다"고 기록하고 있다.[94] 교토에서는 매우 크고 다채로운 색상의 태피스트리(tapestry)가 제작되었다. 원래 그라데이션 표현 등에 뛰어난 높은 기술을 가지고 있었고, 최신 염색 기술이 더해져 명암법이나 공기 원근법과 같은 다양한 서양 회화 기법을 도입하여 독자적인 예술 형식으로 발전했다.[95]
8. 3. 1. 나라 시대
도다이지 금동 8각 등롱(東大寺金銅八角燈籠)은 도다이지 다이부쓰덴(大佛殿)의 넓다란 뜰의 중앙에 서 있는 것인데, 다이부쓰덴 관련된 유물 중에서 유일하게 전하는 창건 당시의 유물이다. 대불(大佛)에게 바칠 등을 넣기에 꼭 알맞게 대담하게 커다란 형으로 만들어져 지주부(支柱部)에 비하여 불을 넣는 화대부(火袋部)가 유난히 큰 것이 특징이다. 8면의 화사(火舍) 중에서 4면은 양쪽으로 여는 문으로 만들고 사자문(獅子紋)을 부조(浮彫)하였으며, 다른 4면은 가사형(架裟形)의 투조(透彫) 바탕 위에 답할연화상(踏割蓮華像) 위에 서서 비운(飛蕓) 속으로 천의(天衣)를 펄럭이면서 음악을 연주하는 음성보살(音聲菩薩)을 부조했다.
도다이지의 쇼소인에는 수많은 보물들이 수장되어 있는데, 여기에는 고메이(光明) 황후가 부군의 유애품을 도다이지에 헌납한 것을 비롯하여 9천여 점이 넘는다. 보물의 귀중함은 나라시대 당시의 보물들이 거의 그대로의 모습으로 전세(傳世)되어 남아 있다는 점과 유서(由緖)가 지극히 확실하여 남겨진 기록에 의하여 그 성격을 분명히 알 수 있다는 점 때문이다. 또한 종류나 기법이 다채로와 예술적으로 가치가 높으며 세계적인 성격을 갖추고 있다. 당시 일본과 가장 친근했던 한국의 산물이나 중국의 것은 말할 것도 없거니와 동남 아시아·인도 등의 남방 지역, 중앙아시아 지방, 더욱 멀리는 사산 왕조 페르시아, 남러시아나 동로마의 비잔틴 문화의 영향을 받은 것 등, 당나라를 중개로 하여 전해진 것이 있다.
8. 3. 2. 헤이안 시대
화첩 마키에 쿄쇼쿠(花蝶蒔繪挾軾)는 헤이안 시대 전기의 대표적인 칠공예품이다. 후지다 미술관 소장으로서 형식은 갑판(甲板)에 2각(脚)을 순자로 세우고, 하부에는 2단(段)의 고형을 붙이는 받침대를 파내고 있으며, 쇼소인에 전하는 칠공예품과 형식을 같이하고 있다. 갑판에는 천을 바르지 않았으며 전체를 흑칠로 칠하여 갑판을 측면과 다리 밑 받침대에 보상화와 나비를 번갈아 가며 금은 마키에(蒔繪)로 나타내고 있다.
편륜차 나전 마키에 수상(片輪車螺鈿蒔繪手箱)은 후지와라 마키에(藤原蒔繪)의 세련된 무늬와 정교한 세공이 조화된 수상이다. 유수(流水)에 적신 우차(牛車)의 차륜문양(車輪文樣) 65개를 나전과 금마키에로 번갈아 배치했다. 마키에에는 소금(燒金)과 청금분(靑金粉)을 적당히 배치하고 색채에 변화를 주고 있다.
8. 3. 3. 가마쿠라 시대
가마쿠라 시대 이후 계속해서 도기를 생산한 6개의 가마인 세토(瀨戶)·도코나메(常滑)·에치젠(越前)·시가라키(信樂)·니와(丹波)·비젠(備前)을 총칭하여 육고요(六古窯)라 한다. 헤이안 시대까지의 가마는 전국에 흩어져 있었으나 가마쿠라 시대에 이르자 주로 육고요에서 집중적으로 도기가 생산되었다. 이 중에 세토 이외의 가마에서 구워진 것이 야키지메(焼締め) 도기인데 독·항아리·바리 따위 일상잡기가 그 중심이었으며, 민중 사이에서 전국적으로 사용되었다.세토에서는 가마쿠라 시대에 기형(器形)이나 문양(文樣)에 중국 송과 원나라 시대 도자기의 영향을 받아 유일한 시유도기(施釉陶器)를 생산하였다. 다만 고세토(古瀨戶) 도기는 헤이안 시대의 신흥 사무라이 계급이나 사원 등 한정된 범위에서밖에 퍼지지 못했다.
8. 3. 4. 아즈치모모야마 시대
모모야마 시대에는 다도가 더욱 번성하여 도예계에 큰 영향을 미쳤다. 센노 리큐 등 뛰어난 다인(茶人)들의 예리한 심미안이 도자기 발달을 자극하였다. 임진왜란으로 한국 도공들이 일본에 이주하여 기술을 전파했는데, 그 대표적인 예가 한국인 라쿠조지로(樂長次郎)가 만든 라쿠야키차완(樂燒茶碗)이다. 부드러운 질의 도기로 된 차분하고 소박한 아름다움은 말차에 알맞아 애호되었다.세토요(瀨戶窯)는 전란으로 미노(美濃)로 옮겨졌는데, 여기에서 소성(燒成)된 세도도(瀨戶陶)의 양식에 따라 기세토(黃瀨戶)·시노(志野)·오리베(織部)로 나뉜다. 기세토(黃瀨戶)는 표면의 유색(釉色)이 황색을 띄어 붙은 명칭이며, 유약은 종래의 고세도(古瀨戶)의 계보를 따라 목회질의 회유(灰釉)이고 가장 전통적인 세도요예(瀨戶窯藝)라 할 수 있으나, 유조(釉調)는 현저하게 다르고 특히 불투명한 거친 표면으로 된 것에 당대의 특색이 발휘되었다. 시노(志野)는 좀 거친 백토로 만들어진 기부(基部)에 장석질(長石質)의 백색유가 두껍게 입혀진 것이 기본적인 모습이다. 오리베(織部)는 센노 리큐의 수제자이자 후루타 시게나리(古田重然, 후루타 오리베)의 지도를 받고 도기를 만들었던 데서 유래한다. 기발한 기하학적인 무늬나 남만적(南蠻的)인 분위기를 불어넣은 독창적인 의장(意匠)으로 유명하다.
가라쓰야키(唐津燒)는 모모야마시대에 일어난 도예(陶藝)로서 일본에 이주한 한국 사람들에 의하여 시작되어 형자(形姿)·문양 등에 한국 도자기(고려자기 및 이조백자)의 영향이 현저하고 일상잡기를 주로 구웠다. 이 가라쓰야키는 양식에 따라 오쿠고라이(奧高麗)·마다라카라쓰(斑唐津)·에카라쓰(繪唐津)·쿠로카라쓰(黑唐津) 조센카라쓰(朝鮮唐津＝조선을 말함) 등으로 나뉜다.
8. 3. 5. 에도 시대
이삼평에 의하여 시작되었다고 전해지는 일본 최초의 자기(磁器)는 나베시마야키(鍋島燒)이다. 청람색(靑藍色)을 띄는 자기는 소메쓰케(染付)로 부른다. 같은 계통의 자기가 많이 만들어졌으며 이마리야키는 이마리항(伊万里港)에서 수출되었기 때문에 붙여진 이름이다.8. 4. 건축
20세기 초, 유럽의 건축 기술과 양식이 널리 도입되어 도쿄역이나 국회의사당과 같은 주목할 만한 건축물들이 만들어졌다. 기요후 건축 양식의 도쿄역은 벽돌 구조로 지어졌고, 국회의사당은 철근 콘크리트에 외장은 화강암 석재를 사용하였으며, 모두 국내 자재를 사용하여 건설되었다. 그 외에도 제관양식이라 불리는 철근 콘크리트 건물에 기와 지붕을 얹은 양식, 서양관에서 파생되어 기존 기술과 절충해나간 화양절충 건축, 기존 건축 기술을 가진 대목(大木, 목수)이 서양식 건축을 모방하여 지은 의양풍 건축 등, 서양 건축의 영향을 받은 건축 양식은 도시부를 중심으로 기존 기술과 융합하면서 퍼져나갔다.
오가와 지헤이에 의해 많은 예술적인 새로운 일본 정원이 만들어졌다. 무린안이 대표적이며, 지금까지 연못을 바다로, 바위를 섬으로 비유하는 정원에서 마치 산촌의 일부를 잘라낸 듯한 경관에 역동적인 물 흐름을 더한 정원으로, 일본 정원의 흐름 자체를 바꾸는 임팩트를 주었다.
8. 5. 정원
오가와 지헤에는 많은 예술적인 새로운 일본 정원을 만들었다. 무린안이 대표적이며, 지금까지 연못을 바다로, 바위를 섬으로 비유하는 정원에서 마치 산촌의 일부를 잘라낸 듯한 경관에 역동적인 물 흐름을 더한 정원으로, 일본 정원의 흐름 자체를 바꾸는 임팩트를 주었다.
8. 6. 서예
8. 7. 현대 미술
에도 막부의 봉건제 붕괴와 메이지 정부의 서양 근대 문명 흡수 정책으로 인해 일본 미술계는 서양 미술의 영향을 강하게 받았다. 유화가 크게 유행하던 중, 1879년 류치카이(龍池會)가 결성되었고, 1887년에는 일본미술협회(日本美術協會)가 발족되어 구파(舊派)로 불리게 되었다. 도사·스미요시, 마루야마·시조·문인화파의 후예들이 중심이었으며, 야마나 쓰라요시·시바타 제신·다자키 소운·가와바타 교쿠쇼, 노구치 유코쿠, 다키 가테이·가와베 미타테·모리 간사이·기시 지쿠도 등이 대표적인 인물이다.1887년 오카쿠라 덴신은 도쿄미술학교를 설립하여 개성주의가 싹트기 시작하였다. 1907년에는 신파와 구파를 병합한 문부성(文部省) 전람회인 분텐(文展)이 개최되었으며, 와다 산조·나가자와 고코·야마시타 신타로 등이 이 전람회를 거쳐 갔다. 1913년 분텐(文展)에 대립하는 재야 단체로서 니카카이(二科會)가 수립되었고, 아리시마 이쿠마·야마시타 신타로·쓰다 세이후·이시이 하쿠테이·우메하라 류자부로·고스기 호안·사카모토 한지로 등이 멤버로 활동했다.
쇼와 시대 초기에는 세계적인 불경기의 영향으로 사회주의적 경향의 작품이 나타났고, 추상주의나 초현실주의와 같은 새로운 미술 양식도 수입되었다. 제2차 세계 대전을 거치면서 이러한 경향은 주춤했으나, 일본 전통 미술에 대한 재조명 움직임이 나타나 일본건축이나 민예품의 가치가 재평가되었다.
종전 후, 니카카이가 전람회를 개최하고, 니카카이에서 분파한 무카이 준키치 등이 행동미술협회를, 미야모토 사부로 등이 제2기회(第二紀會)를 발족하였다. 일본화에서는 야마모토 규진·후쿠다 도요시로·요시오카 겐지·우에무라 쇼코 등이 창조미술을 결성, 후에 신제작파협회(新制作派協會)의 일본화부에 합류하였다.
국제 교류가 활발해지면서 일본 화단은 국제화단과 동등한 위치에서 평가받게 되었다. 유화의 오카다 겐조, 스가이 구미, 판화의 무나카타 시코·하마구치 요조 등이 국제 무대에서 활동하며 인정을 받았다.
현대 일본 미술은 광고, 애니메이션, 비디오 게임, 건축, 조각, 회화 등 다양한 형태로 나타난다. 특히 건축, 비디오 게임, 그래픽 디자인, 패션, 그리고 애니메이션 분야에서 세계 현대 미술에 큰 영향을 주었다. 미야자키 하야오와 스튜디오 지브리는 애니메이션계의 대표적인 인물로 꼽힌다.
많은 일본 예술가들은 전통적인 기법과 재료를 사용하면서도, 현대적인 주제와 스타일을 탐구하거나 서양의 미술 형식을 수용하기도 한다. 조각가 아키야마 요는 점토 도자기와 세라믹으로 작업하며, 고지마 나오코는 3D 종이 조각 기법을 개척했다. 무라카미 다카시는 "슈퍼플랫"이라는 애니메이션 스타일의 작품으로 국제적인 명성을 얻었다. 쿠사마 야요이, 나라 요시토모, 스기모토 히로시, 시오타 치하루, 모리야마 다이도, 모리 마리코, 타카노 아야, 타바이모 등도 현대 일본 미술의 주요 작가로 평가받는다.[56]
현대 일본 미술은 기술과의 관계, 제2차 세계 대전 이후의 경제적 역사, 세계화 등에 영향을 받았다. 특히 인터넷과 휴대전화의 보급은 사회적 연결성에 대한 비판적 평가를 이끌어냈으며, 만화와 애니메이션 등의 대중 문화 예술은 인터넷 문화에 큰 영향을 미쳤다. ''카와이이'' 미학은 전통적인 개념에서 파생되었지만, 전후 일본의 대중문화에서 탐구되어 현대 일본 문화의 핵심으로 여겨진다.[59]
만화는 메이지 시대에 영국과 프랑스의 풍자 만화의 영향을 강하게 받았다. 호쿠사이 만화등이 "마음 가는 대로 엉뚱하게 그린 그림"이라는 의미의 만화였다.[96] 메이지 시대에 "카툰"의 번역어로 "만화"가 사용되면서 현대적인 의미로 정착되었다.[98]
9. 미학
일본 미술은 독특한 양극성을 특징으로 한다. 예를 들어, 선사 시대의 도기는 조몬 토기의 화려함 뒤에 야요이식 토기의 규칙적이고 세련된 예술성이 이어졌다. 또는 16세기의 두 가지 정반대의 건조물을 예로 들면, 가쓰라 이궁은 자연 소재, 거칠고 손질되지 않은 소재, 우연의 미에 대한 친화성을 중시하는 단순함을 추구한 것이었고, 반대로 닛코 도쇼구는 눈에 보이는 모든 표면을 덮는 선명한 색상의 릴리프 조각으로 채워진 엄격한 대칭성의 건조물이다. 일본 미술은 그 단순함뿐만 아니라 다채로움으로도 평가받았으며, 19세기의 서양 회화와 20세기의 서양 건축에 큰 영향을 미쳤다.
다양한 문화적 전통에서 유래한 일본의 미의식은 독특한 예술 형태의 창출을 가져왔다. 수 세기에 걸쳐 폭넓은 예술적 주제를 창조하고, 세련되게 다듬었으며, 상징적인 의미를 가진 표현에도 이르렀다. 진주처럼, 그것들은 많은 의미의 층과 높은 광택을 얻었다. 일본의 미의식은 서양의 전통에서 비롯된 것과는 분명히 다른 예술 작품을 이해하기 위한 열쇠가 된다.
동아시아의 예술적 전통에서 중국은 공인된 스승이고, 일본은 열심인 제자이다. 그러나 일본의 예술 중에는 중국의 다양한 예술과는 다른 독자적인 양식으로 발전한 것도 있다. 중국의 예술 형태의 당당하고 대칭적으로 균형 잡힌 합리적인 접근 방식은 일본인의 손에 의해 소형화되고, 불규칙하고, 미묘하게 시사적인 것이 되었다. 엄선된 소수의 식물로 정원을 표현하는 소규모 석정, 분재, 화도 (Ikenobo)는 천 년 동안 세련된 귀족의 인기 있는 취미였으며, 현대 문화 생활의 일부로 남아 있다.
적어도 10세기나 11세기까지는 이러한 미의식을 내포하는 문화가 있었다[113]。 헤이안 귀족 시대의 궁정풍 세련됨은 시부미(shibui)라고 불리는 절제된 예술에서의 고상함의 진수로 여겨지는 우아한 간소함으로 발전했다. 선종 불교의 명상 수행에서 유래한 두 용어, 와비, 사비는 고요함의 정도를 나타낸다. 하나는 수수한 우울함(와비) 속에서 발견되는 편안함, 다른 하나는 절제된 아름다움을 즐기는 데 따른 고요함(사비)이다. 이러한 개념은 처음부터 자각된 것이 아니라 후대에 재발견, 정의되어 가게 된다. 에도 시대 이후 예술은 주로 세속적인 것이 되었지만, 이러한 전통적인 미의식과 훈련 방법은 지금도 예술 작품의 저변에 남아 있다.
모노노아와레는 자연, 인생을 접하며 일어나는 감상적이고 섬세한 정취를 뜻하며, 에도 시대의 국학자 모토오리 노리나가에 의해 개념화되었다[115]。 모토오리 노리나가는 모노노아와레를 겐지 이야기에서 찾아내어, 겐지 이야기의 본질은 모노노아와레에 있다고 논했다[116]。 자연이나 인생에 대한 정취를 노래한 와카를 지은 가인으로는 사이교가 유명하다[117]。 전통적으로 모노노아와레를 주제로 달을 감상하는 정경, 화조풍월, 가을 풀의 정경 등이 그려진 회화나 미술・공예 작품이 만들어져 왔다. 이러한 미의식은 전통의 틀에 머무르지 않고 갱신되어 현대까지 이어지고 있다[117]。
모노노아와레는 무상관과 밀접한 관계가 있다[118]。
"무상"이란 사물이 유전하며 영원하지 않다는 것이며, "무상관"이란 흐르는 사물에 접하며 사람과 만물의 삶에 대해 생각하는 인생관적 사상이다.[119] 원래는 불교 사상에서 유래되었으며, 멸망해가는 것에 대한 아름다움을 느끼고, 덧없음에 인생을 겹쳐 생각하는 미의식은 깊이 일본에 뿌리내렸다. 무상관은 헤이케 이야기 및 호조키에[60] 단적으로 묘사되어 있다. 이러한 문학은 중학교, 고등학교 교과서에 채택되는 경우도 많고,[120][121] 일본인의 기초 교양 중 하나가 되어 현대에도 살아 숨 쉬고 있다[122]。
회화로서는 가마쿠라 시대 이후 그려진 구상도가 가장 무상관을 잘 나타내고 있다.
무상관을 표상하는 것으로 벚꽃을 들 수 있다. 잎이 돋아나기 전 가지에 일제히 피어나 짧은 기간에 일제히 흩날리는 특징은 무상관을 느끼게 하며[123][124], 일본의 국화가 되었다. 무상관과 벚꽃을 결부시킨 문학 작품은 많이 남아 있다[125][126]。
|thumb|료안지 석정]]
"간(間)"이란 사물과 사물 사이, 틈을 의미하며[127], 미술에서는 "여백"이라고 불리는 경우가 많다. 공간 개념뿐만 아니라, 중단된 시간, 침묵, 정적, 여운과 같은 시간 개념도 포함한다[128]. 균형 잡힌 조각이나 음악에서 아름다움을 발견하는 것처럼, 조화로운 공백이나 무음, 혹은 침묵과 여운에서 아름다움을 발견하는 미의식은 불교의 "공", "무"와 같은 개념에 근원을 두고 있다[129][130].
수묵화는 가마쿠라 시대에 중국에서 전해졌다[131]. 공백을 사용한 회화는 중국의 수묵화에서 볼 수 있으며, 일본의 독자적인 양식은 아니다[132]. 먹으로 표현하는 것은 유화나 템페라처럼 기저재에 물질을 놓고 겹쳐 그리는 것이 아니라 기저재(종이)와 먹이 동일한 레이어에 공존하기 때문에, 여백과 묘사 부분의 경계가 모호하며, 그려진 것과 여백이 회화의 구성 요소로서 대등한 관계가 되었다[133]. 간과 여백을 가장 효과적으로 표현한 대표적인 작품으로 하세가와 토하쿠의 송림도 병풍이 있다.
노와 아악에서도 간은 중요한 의미를 지닌다. 서양 음악에서 쉼표는 리듬 조절을 위한 짧은 것이 되기 쉬운데 반해, 아악에서는 "간"이 연주와 동등한 음악의 구성 요소가 되어, 침묵의 순간의 아름다움과 내성적인 깊이를 가져다준다[134][135].
간, 여백과 같은 미의식은 미술, 음악뿐만 아니라 화도[136], 서예, 하이쿠 등의 문학에서도 의식되어 중요한 역할을 한다[137].
9. 1. 전통 미학
전통적인 일본 미학은 수 세기에 걸쳐 일본 문화에서 나타난 미의 형태로, 적어도 200년 이상 거슬러 올라간다.[114] 이러한 초기 미학 중 일부는 일본 미학 전체를 구성한다. 즉, 융합 불교 미술, 와비사비, 미야비, 시부이, 그리고 조하큐가 그것이다.일본의 전통적인 미의식은 고대에 기원하는 일본 문화의 미의 형태, 개념이다. 예술 작품이나 정신 세계에서 추출되어 미학으로 명문화된 것은 적어도 200년 이상 전으로 거슬러 올라간다.[114]
불교 미술의 융합 이후, 모노노아와레, 무상, 와비사비, 시부미 등의 일본 전통적 미의식에 의해 현대까지 이어지는 일본의 미의식의 일부가 구성되어 있다.
- '''무상'''
"무상"이란 사물이 유전하며 영원하지 않다는 것이며, "무상관"이란 흐르는 사물에 접하며 사람과 만물의 삶에 대해 생각하는 인생관적 사상이다.[119] 원래는 불교 사상에서 유래되었으며, 멸망해가는 것에 대한 아름다움을 느끼고, 덧없음에 인생을 겹쳐 생각하는 미의식은 깊이 일본에 뿌리내렸다. 무상관은 헤이케 이야기 및 호조키에[60] 단적으로 묘사되어 있다. 이러한 문학은 중학교, 고등학교 교과서에 채택되는 경우도 많고,[120][121] 일본인의 기초 교양 중 하나가 되어 현대에도 살아 숨 쉬고 있다[122]。
회화로서는 가마쿠라 시대 이후 그려진 구상도가 가장 무상관을 잘 나타내고 있다.
무상관을 표상하는 것으로 벚꽃을 들 수 있다. 잎이 돋아나기 전 가지에 일제히 피어나 짧은 기간에 일제히 흩날리는 특징은 무상관을 느끼게 하며[123][124], 일본의 국화가 되었다. 무상관과 벚꽃을 결부시킨 문학 작품은 많이 남아 있다[125][126]。
- '''와비사비'''
이 미학은 일본 문화에서 완벽하지 않은 것에서도 아름다움을 찾는 등 여러 가지 특징으로 알려져 있다. 겸손함과 틀에 얽매이지 않는 것들이 와비사비 미학으로 여겨진다. 와비와 사비는 불완전함 속의 아름다움을 함께 구성한다. 분리되면 두 용어는 서로 다른 의미를 가진다. 와비는 신선하고 단순한 작품을 의미하며, 모든 복잡성을 배제하고 모든 관련 대상에 매우 소박한 느낌을 준다. 자연에서 만들어지고 인간에 의해 만들어진다는 점에서 공통점을 가진다. 우연히 만들어진 것이라면 그 작품에 독특함을 부여한다. 사비는 나이에서 비롯되는 아름다움을 의미한다. 삶의 순환은 사비에서 중요한 역할을 하며, 시간이 지남에 따라 손상된 작품에서 아름다움을 느끼게 해준다. 와비와 사비를 결합하면 단순하게 제작된 모든 작품에 복잡한 디자인이 필요하지 않다는 미학이 만들어진다. 또한, 아름다움을 찾기 위해 완전할 필요도 없으며, 시간이 지남에 따라 더욱 섬세한 아름다움이 나타난다.
와비사비는 일본 문화의 다도와 항상 관련되어 왔다. 이 의식들은 심오한 와비사비 행사라고 여겨진다. 와비사비는 또한 건축, 패션, 철학과 같은 활동과 관련이 있다. 와비사비의 이러한 모든 부분은 동일한 주제, 즉 불완전한 모든 것, 예를 들어 불완전한 작품이 부인할 수 없는 아름다움을 지닌다는 믿음을 공유한다. 그러나 물론 모든 사람이 와비사비의 이념을 찬성하는 것은 아니다. 하지만 다른 사람들이 무엇을 믿든 이 믿음을 유지하려는 사람들이 많다. 전반적으로 와비사비는 일상생활에 대한 매우 사려 깊은 접근 방식처럼 보인다. 사물을 차분하게 바라보고, 비판적인 태도를 보이지 않고 살아가는 방식이다. 와비사비를 이해할 때, 이 미학과 강하게 관련된 용어들이 있다.
- 후킨세이: 비대칭, 불규칙성.
- 간소: 단순함.
- 코코: 기본적이고 풍화된.
- 시젠: 가식 없음, 자연스러움.
- 유겐: 미묘하고 심오한 우아함, 명백하지 않음.
- 다츠조쿠: 관습에 얽매이지 않음, 자유로움.
- 세이죠쿠: 평온함, 침묵.
이러한 각 용어는 와비사비를 완전히 이해하기 위해 사용된다. 이는 전체 미학의 철학적 측면 및 주변 환경을 바라보는 방식과 더 관련이 있다. 이는 인간에 대한 생각, 삶의 특정 측면 뒤에 숨겨진 주제 또는 자연 자체를 포함한 여러 가지를 암시할 수 있다. 각 용어는 와비사비가 불완전하거나 불완전한 작은 것들에 감사하는 미학이라는 점을 강조한다.
- '''미야비'''
미야비는 우아함, 아름다움, 세련됨, 그리고 궁정적인 개념에 중심을 둔 일본 문화의 가장 오래된 미학 중 하나이다. 미야비는 귀족 문화를 표현하는 데 사용되는 용어로, 문화로부터 모든 형태의 무례함과 조잡함을 제거하여 귀족 문화의 적절한 모습과 형태를 만들어낸다. 또한, 미야비는 일본 문화 내에서 사랑, 문학, 감정, 그리고 예술의 세련됨을 칭송한다.
- '''시부이'''
시부이는 사물이나 예술 작품을 그 자체로 이해하는 데서 비롯된다. 어떤 것에서 단순하고 미묘한 아름다움을 찾는 것은 특정 디자인을 설계하거나 검토할 때의 목표이다. 여러 면에서 시부이는 와비사비와 매우 유사하지만, 와비사비는 아니다. 시부이는 단순한 존재 자체로 물건과 사물을 가치 있게 여긴다. 시부이에 있어서 복잡하거나 비합리적인 사고는 없다. 일본 문화의 특정 미학과 마찬가지로, 시부이와 관련된 몇 가지 용어가 있다. 시부미는 시부이의 맛이고, 시부사는 시부이의 상태이다.
이 두 용어 모두 미묘하고 은은한 아름다움과 관련이 있다. 예술이나 패션뿐만 아니라 시부이 미학의 일부로 간주될 수 있는 여러 품목과 사물이 있다. 사람, 동물, 노래, 영화 등 다양한 종류의 미디어가 시부이로 여겨질 수 있다. 예를 들어, 신발 한 켤레, 카메라, 모페드 자전거, 일상 활동에 사용되는 여러 예술 작품이나 물건들이 시부이로 간주될 수 있다. 직접적이고 단순한 것이 시부이의 방식이다. 지나치게 과하거나 현란한 것은 없다.
- '''조하큐'''
조하큐(序破急)는 노(能)에서 유래한 미학으로, 14세기에 나타나 오늘날까지도 일본의 다양한 예술 형식에서 사용된다. 조(序, jo), 파(破, ha), 큐(急, kyu)로 구성되며, 각 단어는 다음과 같은 의미를 지닌다. 조(序)는 '시작', 파(破)는 '파괴' 또는 '균열', 큐(急)는 '급속' 또는 '종결'을 의미한다.
본질적으로, 이 미학은 움직임을 다루는 작품의 경우, 적절한 빌드업을 통해 느리게 시작해야 한다는 것을 의미한다. 마치 이야기가 전개되는 방식과 유사하다. 절정에 도달하면 속도가 빨라지고, 마지막에는 갑자기 속도가 급격하게 빨라지면서 결말에 도달하게 된다.
9. 1. 1. 불교 미술의 융합
"무상"이란 사물이 유전하며 영원하지 않다는 것이며, "무상관"이란 흐르는 사물에 접하며 사람과 만물의 삶에 대해 생각하는 인생관적 사상이다.[119] 원래는 불교 사상에서 유래되었으며, 멸망해가는 것에 대한 아름다움을 느끼고, 덧없음에 인생을 겹쳐 생각하는 미의식은 깊이 일본에 뿌리내렸다. 무상관은 헤이케 이야기 및 호조키에[60] 단적으로 묘사되어 있다. 이러한 문학은 중학교, 고등학교 교과서에 채택되는 경우도 많고,[120][121] 일본인의 기초 교양 중 하나가 되어 현대에도 살아 숨 쉬고 있다[122]。회화로서는 가마쿠라 시대 이후 그려진 구상도가 가장 무상관을 잘 나타내고 있다.
무상관을 표상하는 것으로 벚꽃을 들 수 있다. 잎이 돋아나기 전 가지에 일제히 피어나 짧은 기간에 일제히 흩날리는 특징은 무상관을 느끼게 하며[123][124], 일본의 국화가 되었다. 무상관과 벚꽃을 결부시킨 문학 작품은 많이 남아 있다[125][126]。
9. 1. 2. 와비사비
이 미학은 일본 문화에서 완벽하지 않은 것에서도 아름다움을 찾는 등 여러 가지 특징으로 알려져 있다. 겸손함과 틀에 얽매이지 않는 것들이 와비사비 미학으로 여겨진다. 와비와 사비는 불완전함 속의 아름다움을 함께 구성한다. 분리되면 두 용어는 서로 다른 의미를 가진다. 와비는 신선하고 단순한 작품을 의미하며, 모든 복잡성을 배제하고 모든 관련 대상에 매우 소박한 느낌을 준다. 자연에서 만들어지고 인간에 의해 만들어진다는 점에서 공통점을 가진다. 우연히 만들어진 것이라면 그 작품에 독특함을 부여한다. 사비는 나이에서 비롯되는 아름다움을 의미한다. 삶의 순환은 사비에서 중요한 역할을 하며, 시간이 지남에 따라 손상된 작품에서 아름다움을 느끼게 해준다. 와비와 사비를 결합하면 단순하게 제작된 모든 작품에 복잡한 디자인이 필요하지 않다는 미학이 만들어진다. 또한, 아름다움을 찾기 위해 완전할 필요도 없으며, 시간이 지남에 따라 더욱 섬세한 아름다움이 나타난다.
와비사비는 일본 문화의 다도와 항상 관련되어 왔다. 이 의식들은 심오한 와비사비 행사라고 여겨진다. 와비사비는 또한 건축, 패션, 철학과 같은 활동과 관련이 있다. 와비사비의 이러한 모든 부분은 동일한 주제, 즉 불완전한 모든 것, 예를 들어 불완전한 작품이 부인할 수 없는 아름다움을 지닌다는 믿음을 공유한다. 그러나 물론 모든 사람이 와비사비의 이념을 찬성하는 것은 아니다. 하지만 다른 사람들이 무엇을 믿든 이 믿음을 유지하려는 사람들이 많다. 전반적으로 와비사비는 일상생활에 대한 매우 사려 깊은 접근 방식처럼 보인다. 사물을 차분하게 바라보고, 비판적인 태도를 보이지 않고 살아가는 방식이다. 와비사비를 이해할 때, 이 미학과 강하게 관련된 용어들이 있다.
- 후킨세이: 비대칭, 불규칙성.
- 간소: 단순함.
- 코코: 기본적이고 풍화된.
- 시젠: 가식 없음, 자연스러움.
- 유겐: 미묘하고 심오한 우아함, 명백하지 않음.
- 다츠조쿠: 관습에 얽매이지 않음, 자유로움.
- 세이죠쿠: 평온함, 침묵.
이러한 각 용어는 와비사비를 완전히 이해하기 위해 사용된다. 이는 전체 미학의 철학적 측면 및 주변 환경을 바라보는 방식과 더 관련이 있다. 이는 인간에 대한 생각, 삶의 특정 측면 뒤에 숨겨진 주제 또는 자연 자체를 포함한 여러 가지를 암시할 수 있다. 각 용어는 와비사비가 불완전하거나 불완전한 작은 것들에 감사하는 미학이라는 점을 강조한다.
9. 1. 3. 미야비
미야비는 우아함, 아름다움, 세련됨, 그리고 궁정적인 개념에 중심을 둔 일본 문화의 가장 오래된 미학 중 하나이다. 미야비는 귀족 문화를 표현하는 데 사용되는 용어로, 문화로부터 모든 형태의 무례함과 조잡함을 제거하여 귀족 문화의 적절한 모습과 형태를 만들어낸다. 또한, 미야비는 일본 문화 내에서 사랑, 문학, 감정, 그리고 예술의 세련됨을 칭송한다.9. 1. 4. 시부이
시부이는 사물이나 예술 작품을 그 자체로 이해하는 데서 비롯된다. 어떤 것에서 단순하고 미묘한 아름다움을 찾는 것은 특정 디자인을 설계하거나 검토할 때의 목표이다. 여러 면에서 시부이는 와비사비와 매우 유사하지만, 와비사비는 아니다. 시부이는 단순한 존재 자체로 물건과 사물을 가치 있게 여긴다. 시부이에 있어서 복잡하거나 비합리적인 사고는 없다. 일본 문화의 특정 미학과 마찬가지로, 시부이와 관련된 몇 가지 용어가 있다. 시부미는 시부이의 맛이고, 시부사는 시부이의 상태이다.이 두 용어 모두 미묘하고 은은한 아름다움과 관련이 있다. 예술이나 패션뿐만 아니라 시부이 미학의 일부로 간주될 수 있는 여러 품목과 사물이 있다. 사람, 동물, 노래, 영화 등 다양한 종류의 미디어가 시부이로 여겨질 수 있다. 예를 들어, 신발 한 켤레, 카메라, 모페드 자전거, 일상 활동에 사용되는 여러 예술 작품이나 물건들이 시부이로 간주될 수 있다. 직접적이고 단순한 것이 시부이의 방식이다. 지나치게 과하거나 현란한 것은 없다.
9. 1. 5. 조하큐
조하큐(序破急)는 노(能)에서 유래한 미학으로, 14세기에 나타나 오늘날까지도 일본의 다양한 예술 형식에서 사용된다. 조(序, jo), 파(破, ha), 큐(急, kyu)로 구성되며, 각 단어는 다음과 같은 의미를 지닌다. 조(序)는 '시작', 파(破)는 '파괴' 또는 '균열', 큐(急)는 '급속' 또는 '종결'을 의미한다.본질적으로, 이 미학은 움직임을 다루는 작품의 경우, 적절한 빌드업을 통해 느리게 시작해야 한다는 것을 의미한다. 마치 이야기가 전개되는 방식과 유사하다. 절정에 도달하면 속도가 빨라지고, 마지막에는 갑자기 속도가 급격하게 빨라지면서 결말에 도달하게 된다.
10. 예술가
일본의 예술가들은 전통적으로 표현 수단으로서의 역할을 해왔으며, 사회적 지위가 낮은 장인이나 연예인으로 여겨져 개인적으로 과묵한 경우가 많았다. 서예가는 유교 문학가 계층이나 사무라이 계층에 속하여 높은 지위를 가졌으며, 뛰어난 재능을 가진 예술가는 가마쿠라 시대에 봉건 영주로부터 이름을 받아 사회적으로 인정받기도 했다. 그러나 공연 예술은 일반적으로 덜 존경받았으며, 초기 가부키 연극에서 여배우의 부도덕성은 도쿠가와 막부가 여성의 무대 출연을 금지하는 원인이 되었다. 이후 가부키와 노에서 여성 역할은 남성이 연기하게 되었다.
제2차 세계 대전 이후, 예술가들은 일반적으로 예술 협회에 모였다. 이들 협회 중 일부는 오랜 역사를 가진 전문 단체였고, 다른 일부는 최신 예술 운동을 반영했다. 일본 예술가 연맹은 권위 있는 연례 닛텐(일본 미술 전시회)을 포함한 주요 전시회를 담당했다. 일본 펜 클럽은 국제 작가 조직의 지부로, 약 30개의 주요 작가 협회 중 가장 큰 규모였다. 배우, 무용가, 음악가 및 기타 공연 예술가들은 가부키 협회를 포함한 자체 협회를 조직했으며, 이 협회는 1987년에 현대적인 혁신으로부터 위협받는 전통 예술의 높은 기준을 유지하기 위해 조직되었다. 그러나 1980년대에 아방가르드 화가와 조각가들은 모든 단체를 피하고 "독립적인" 예술가로 활동했다.
예술가(연대순), 예술가, 서예가, 게이샤, 화가, 조각가, 건축가, 사진가, 판화가 등의 분류를 통해 다양한 분야의 예술가들을 확인할 수 있다.
11. 예술 학교
일본에는 국립대학교를 중심으로 미술 분야의 특수 대학이 다수 있다. 가장 중요한 곳은 도쿄예술대학교로, 모든 국립대학교 중 입학이 가장 어려운 곳 중 하나이다. 이곳은 이전 몇 년 동안 여러 예술 행사에 적극적으로 참여해 왔으며, 다른 캠퍼스에서도 다양한 강좌를 운영하고 있다. 또 다른 중요한 중심지로는 다마 미술대학이 있으며, 이곳은 20세기 후반 일본의 혁신적인 젊은 예술가들을 많이 배출했다.
중국 전통 방식에서 유래한 전통적인 미술 교육이 여전히 존재하며, 전문가들은 자신의 집이나 문하생 제도를 운영하는 학교에서 가르친다. 제자는 최고 수준의 훈련을 받거나, 미술 학교를 졸업하거나, 학교의 수장이 되기 전까지 개인적인 스타일을 시도하지 않는다. 많은 젊은 예술가들이 이러한 시스템이 창의성과 개성을 억압한다고 비판해 왔다. 아방가르드의 새로운 세대는 이러한 전통을 깨고 종종 서구에서 훈련을 받는다. 그러나 전통 예술에서는 사제 관계가 과거의 비밀과 기술을 보존한다. 일부 사제 계보는 가마쿠라 시대까지 거슬러 올라갈 수 있으며, 그들은 위대한 거장의 스타일이나 주제를 계속 사용하고 있다. 일본 예술가들은 기술적인 기교를 그들의 직업의 ''sine qua non''으로 여기며, 이는 일본 미술의 특징 중 하나로 세계적으로 인정받고 있다.
국가 정부는 1968년 문부과학성의 특별 기구로 설립된 문화청을 통해 예술을 적극적으로 지원해 왔다. 1989 회계연도 문화청 예산은 5년간의 예산 삭감 이후 378억 엔으로 증가했지만, 여전히 일반 예산의 1%에도 미치지 못했다. 문화청의 문화국은 국내외에서 예술에 대한 정보를 배포했고, 문화재보호부는 국가의 문화 유산을 보호했다. 문화국은 예술 및 문화 진흥, 예술 저작권, 국어 개선 등과 같은 분야에 관여한다. 또한, 국내외 예술 및 문화 축제를 지원하고, 음악, 연극, 무용, 미술 전시, 영화 제작 등에서 순회 문화 행사에 자금을 지원한다. 젊은 예술가와 기성 예술가를 격려하기 위해 특별상이 수여되며, 해외 연수를 할 수 있도록 매년 약간의 보조금이 지급된다. 문화청은 교토와 도쿄에 있는 국립 현대 미술관과 도쿄의 국립서양미술관에 자금을 지원하며, 이곳에서는 일본과 국제 전시회를 개최한다. 또한, 문화청은 예술과 문학 분야의 저명한 인사를 기리고 회원으로 임명하며 350만 엔의 상금을 제공하는 일본예술원을 지원한다. 시상은 일본 천황이 참석한 가운데 이루어지며, 천황은 최고 훈장인 문화훈장을 직접 수여한다.
12. 예술 후원 및 재단
정부의 예술 후원과 진흥은 문화청의 예산을 넘어 일본 기업과의 협력을 통해 확대되었다. 많은 공공 및 민간 기관들이 예술상 수여 분야에서 두각을 나타내고 있으며, 대기업들은 주요 신문사와 함께 전시회 및 공연을 후원하고 연례 상을 수여한다. 많은 문학상 중 가장 중요한 상으로는 나오키상과 아쿠타가와상이 있으며, 아쿠타가와 상은 미국의 퓰리처상에 해당한다.
1989년, 문화 교류를 장려하기 위해 일본 예술 협회는 예술 분야의 "노벨상"인 프리미엄 임페리얼을 제정했다. 이 상은 10만 달러 규모로, 후지산케이 커뮤니케이션 그룹이 주로 자금을 지원하며, 전 세계를 대상으로 수상자를 선정한다.
1980년대에는 문화재 재단을 비롯한 여러 재단이 설립되어 예술을 장려했다. 문화재 재단은 중앙아시아의 실크로드와 중국의 둔황을 따라 해외 유적지를 보존하기 위해 설립되었다. 1988년에는 스미소니언 협회와 아시아 유물에 대한 첨단 기술 연구 협력을 위한 국제 협약이 체결되었다. 정부는 일본 국제교류기금을 통해 기관 및 개인에게 보조금을 지원하고, 학술 교류를 추진하며, 연례 상을 수여하고, 간행물 및 전시회를 지원하며, 해외 공연을 위해 일본 전통 예술 단체를 파견하는 등 중요한 역할을 한다. 문화청은 매년 가을 두 달 동안 열리는 예술제를 후원한다. 주요 도시들 또한 예술에 상당한 지원을 제공하며, 1980년대에는 점점 더 많은 도시들이 공연 예술을 위한 대규모 센터를 건설하고, 마쓰에시의 라프카디오 헌 상과 같은 상을 수여했다. 1980년대에는 여러 새로운 시립 박물관이 이전보다 약 3분의 1 더 많은 시설을 제공했으며, 도쿄는 도큐 그룹의 분카무라와 셰익스피어의 글로브 극장 재건을 포함하여 20개 이상의 새로운 문화 회관을 추가했다. 일본 미술품 구매자들은 1980년대 후반 서양 미술 시장에서 인상주의 그림에 기록적인 가격을 지불하고, 청색 시대의 피카소 그림 한 점에 5,170만 달러를 지불하는 등 높은 대중의 열정을 보였다.
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日本の音楽における「間」の概念の重要性
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日本文化に特有の「間」が脳機能に与える影響とは？ – 音楽と脳の関係を科学的に探求する
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長谷川櫂「間の文化」と書表現の「間」
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