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연극의 역사

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목차

1. 개요

연극의 역사는 고대 의식에서 기원하여 동서양 각 지역의 고전극으로 발전했으며, 근대와 현대에 이르러 다양한 사상과 사회 변화를 반영하며 끊임없이 변화해 왔다. 고전극은 종교적, 우주적 상징성을 강조하며 무용, 음악, 마임 등을 중시하는 동양 연극과, 운명, 성격, 환경을 다루는 서양 연극으로 구분된다. 근대극은 시민 사회의 등장과 함께 현실적인 문제에 주목했으며, 현대극은 사실주의에 대한 반발로 다양한 실험적 시도를 통해 변화를 모색했다. 아시아, 아프리카, 라틴 아메리카 등 각 지역의 연극은 고유한 전통과 함께 서양 연극의 영향을 받아 발전해 왔으며, 20세기 이후 뮤지컬, 실험극 등 다양한 형태로 발전하며 오늘날까지 이어지고 있다.

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연극의 역사
연극의 역사
희극과 비극의 가면
희극과 비극의 가면
기원
고대 그리스기원전 6세기
종교 의식디오니소스 숭배
아리스토텔레스의 "시학"에서 비극의 기원 설명
주요 특징
고대 그리스 연극에우리피데스, 소포클레스, 아이스킬로스 등의 비극 작가
아리스토파네스 등의 희극 작가
야외 극장에서 공연
남자 배우만 출연
가면 사용
로마 연극그리스 연극의 영향
플라우투스, 테렌티우스 등의 작가
검투 시합, 동물 싸움 등의 볼거리 추가
중세 시대
종교극교회를 중심으로 발전
성경 내용 각색
미스터리 극, 기적극, 도덕극 등
세속극유랑 극단, 음유시인 등을 통해 발전
풍자, 해학 등을 담은 내용
르네상스 시대
이탈리아코메디아 델라르테 발전
즉흥 연기, 정형화된 등장인물
영국엘리자베스 시대 연극 부흥
윌리엄 셰익스피어, 크리스토퍼 말로 등
글로브 극장 등
스페인로페 데 베가, 칼데론 데 라 바르카 등
코랄레스 극장
근대
사실주의 연극헨리크 입센, 안톤 체호프 등
사회 문제, 인간 심리 묘사
상징주의 연극모리스 마테를링크, 아우구스트 스트린드베리 등
무대, 상징 등을 통해 심리, 감정 표현
현대
부조리극사무엘 베케트, 외젠 이오네스코 등
인간 존재의 부조리함, 소통 부재 등 표현
실험극전통 연극 형식 파괴, 새로운 시도
제2차 세계 대전 이후 다양한 실험극 등장
아시아
일본노 (能), 가부키 (歌舞伎) 등 전통극 발전
중국경극 (京劇) 등 전통극 발전
인도산스크리트 연극 등 전통극 발전

2. 고전극

동양과 서양의 고전극은 기원이 명확하지 않지만, 고대 종교 의식에서 발전했다는 공통점을 갖는다. 연극과 의식 행위는 유사하며, 이는 초기 연극 형태에 영향을 줬을 것으로 보인다.[2]

아리스토텔레스는 ''시학''에서 연극을 성스러운 신비와 대조하며, 시각 요소를 통해 정화와 치유를 제공한다는 점에서 유사성을 언급했다.[3]

역사가 오스카 브로켓과 프랭클린 힐디에 따르면, 의식에는 의상, 가면 등 즐거움을 주는 요소와 숙련된 연기자가 있었다. 사회가 복잡해지면서, 이러한 요소는 비의례적 조건에서 연출되기 시작했고, 이는 자율적 활동으로서 연극으로 발전하는 첫걸음이 되었다.[4]

고대 그리스에서는 기원전 5세기경 그리스 비극이 성립, 큰 극장에서 상연될 정도로 발달했다. 기원전 330년경, 아리스토텔레스는 ''시학''에서 그리스 비극을 논하며, 서양 연극에 영향을 미치는 드라마 이론을 기록했다.

고대 로마에서는 토착 종교와 그리스 연극이 융합, 오락성이 높은 극이 번성했다. 비극에서는 기원전 1세기경 세네카가 운문으로 된 뛰어난 작품을 남겼다.

2. 1. 동양의 고전극

동양의 고전극은 중국, 한국, 일본, 인도, 동남아시아 지역의 전통극을 말한다. 이들 연극은 불교와 유교 사상, 그리고 각 지역의 샤머니즘 신앙이 융합되어 독특한 형식과 내용을 갖추고 있다.

중국은 유가 사상을 바탕으로 문화를 발전시켰고, 인도는 불교를 통해 아시아 전역에 영향을 미쳤다. 한국과 일본은 불교와 유교 사상을 받아들였으며, 자바와 발리 같은 남방 섬나라들은 힌두교와 불교의 영향을 받았다. 이러한 종교와 사상은 각 민족의 재능과 만나 다양한 형태의 연극으로 발전했다.

동양 고전극은 서양 연극과 달리 개별적인 인간보다는 전체적이고 우주적인 상징성을 추구한다. 이는 오늘날 서구 연극에 비해 동양 고전극이 부진한 이유 중 하나일 수 있지만, 연극의 본질적인 의미를 보존하고 있다는 점에서 장점으로 평가되기도 한다.

동양 연극은 대사 중심의 서구 연극과 달리 춤, 음악, 마임이 중심이 된다. 대사는 부수적인 요소이며, 춤과 음악, 마임은 상징적인 표현 수단으로 활용된다. 무대 역시 사실성을 추구하기보다는 상징성을 강조하며, 배우의 개성이나 성별은 중요하게 여겨지지 않는다. 따라서 중국의 경극, 일본의 노오와 가부키, 한국의 탈춤에서는 여배우를 찾아보기 힘들었다.

동양에서 배우는 초인적인 기량과 변화무쌍한 능력을 갖춘 존재로 여겨진다. 중국 경극의 무술과 인도 카타칼리 무용극이 대표적인 예시이다. 동남아시아의 그림자극과 인형극은 인간 대신 인형을 사용하여 신비롭고 마법적인 연극을 구현했다.

중국 고전극은 <시경>에 나타난 민간 오락, 종교 제례, 공자 이후 유학의 예학 사상에 기반을 두고 있다. 진대에는 각저희라는 가무희가 있었고, 이는 당대의 대면, 발두희 등으로 이어졌다. 본격적인 극문학은 원대의 원곡(북곡)에서 시작되었으며, 이는 명나라 중기의 희문(남곡)과 청말까지의 곤곡, 피황, 즉 경극으로 발전했다.

일본의 고전극으로는 노오(能), 교겐(狂言), 가부키, 조루리 등이 있다. '''노'''는 13세기 말 상류층을 위한 가면극이었고, '''교겐'''은 노와 함께 공연되는 풍자적인 촌극이다. '''가부키'''는 17세기 초 무녀에서 시작하여 대중적인 오락으로 발전했다. '''조루리'''는 정교한 기술로 조종되는 인형극이다.

자와, 발리 섬의 가면극, 그림자극, 인형극은 인도 고전 산스크리트 연극의 영향을 크게 받았다.

2. 2. 서양의 고전극



아테네에서 가장 발달한 그리스 극장은 서구 전통의 근원이며, ''극장''(theatre)이라는 단어는 그리스어에서 유래되었다.[2] 이것은 고전 그리스 시대에 광범위하게 퍼져 있던 연극성과 공연 문화의 일부였으며, 아테네 축제, 종교 의식, 정치, 법, 육상 경기와 체조, 음악, 시, 결혼, 장례식, 그리고 ''심포지엄''(향연) 등이 포함되었다.[6] 특히 도시 국가의 많은 축제에 참여하는 것—그리고 도시 디오니시아에 관람객으로 참석하는 것(혹은 연극 공연에 참여하는 것조차)은 시민권의 중요한 부분이었다.[7] 시민 참여에는 또한 웅변가의 수사법에 대한 평가도 포함되었는데, 이는 법정 또는 정치 회의에서의 공연에서 나타났으며, 이 두 곳 모두 극장과 유사하게 이해되었고 점점 더 극적인 어휘를 흡수하게 되었다.[8] 고대 그리스 극장은 비극, 희극, 사튀로스극의 세 가지 유형의 드라마로 구성되었다.[9]

아테네 비극—가장 오래된 형태의 비극—은 도시 국가의 연극 문화의 중요한 부분이었던 일종의 무용 드라마이다.[10] 기원전 6세기경에 등장하여 기원전 5세기에 번성했으며(5세기 말부터 그리스 전역으로 퍼지기 시작했다), 헬레니즘 문명이 시작될 때까지 인기를 유지했다.[11] 6세기의 비극은 남아 있지 않으며, 5세기에 공연된 1,000편 이상의 비극 중 32편만 남아 있다.[12] 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 완전한 현존하는 텍스트를 가지고 있다.[13] 비극의 기원은 불분명하지만, 5세기까지는 디오니소스(포도주와 다산의 신)를 기념하는 축제의 일부로 열리는 경쟁(''아곤'')에서 제도화되었다.[14] 도시 디오니시아의 경쟁(드라마를 공연하는 가장 권위 있는 축제)에 참가하는 작가는 일반적으로 3편의 비극과 1편의 사튀로스극으로 구성된 4부작을 발표해야 했다.[15] 도시 디오니시아에서의 비극 공연은 기원전 534년경에 시작되었을 수 있으며, 공식 기록(''디다스칼리아이'')은 사튀로스극이 도입된 기원전 501년부터 시작된다.[16] 대부분의 아테네 비극은 그리스 신화의 사건을 극화하지만, 페르시아인—기원전 480년 살라미스 해전에서 패배했다는 소식을 들은 페르시아의 반응을 무대화한 작품—은 현존하는 드라마에서 주목할 만한 예외이다.[17] 아이스킬로스는 기원전 472년 도시 디오니시아에서 이 작품으로 1등상을 받았을 때 25년 이상 비극을 써 왔지만, 최근 역사를 비극적으로 다룬 이 작품은 현존하는 드라마의 가장 초기의 예이다.[18] 130년 이상이 지난 후, 철학자 아리스토텔레스는 현존하는 가장 오래된 극 이론 작품인 ''시학(기원전 335년경)''에서 5세기 아테네 비극을 분석했다. 아테네 희극은 일반적으로 "고희극", "중희극", "신희극"의 세 시기로 나뉜다. 고희극은 오늘날 아리스토파네스의 11편의 현존하는 작품 형태로 남아 있으며, 중희극은 대부분 유실되었고, 신희극은 주로 메난드로스의 작품에서 상당한 파피루스 단편으로 알려져 있다. 아리스토텔레스는 희극을 고통이나 파괴를 일으키지 않는 어떤 종류의 오류나 추악함을 포함하는 우스운 사람들의 묘사로 정의했다.[19]

베네벤토 (이탈리아)에 있는 로마 극장


왕으로 분장한 배우와 두 명의 뮤즈. 헤르쿨라네움의 프레스코화, 기원후 30-40년


서양 연극은 고대 로마 시대에 크게 발전하고 확장되었다. 로마의 역사가 리비우스는 로마인들이 기원전 4세기에 에트루리아 문명 배우들의 공연을 통해 처음으로 연극을 접했다고 기록했다.[20] 고대 로마의 연극은 거리 공연, 누드 댄스, 곡예 등 로마 축제 공연에서부터 플라우투스의 널리 호소력 있는 상황 희극, 세네카(Seneca the Younger)의 고급의, 언어적으로 정교한 비극에 이르기까지 번성하고 다양한 예술 형식이었다. 로마는 고유의 공연 전통을 가지고 있었지만, 기원전 3세기의 로마 문화의 헬레니즘화는 로마 연극에 심오한 영향을 미쳤고, 무대를 위한 최고 품질의 라틴 문학 발전을 장려했다.

로마 공화국(기원전 509–27년)이 기원전 270년에서 240년 사이에 여러 그리스 영토로 확장된 후 로마는 그리스 드라마와 마주하게 되었다.[22] 로마 연극은 그 이전 어떤 문화보다 다양하고 광범위하며 정교했다.[23] 그리스 드라마는 로마 시대 전체에 걸쳐 계속 공연되었지만, 기원전 240년은 정기적인 로마 드라마의 시작을 알린다.[22] 그러나 제국 초부터 장편 드라마에 대한 관심은 다양한 연극적 오락물에 대한 선호로 감소했다.[24]

라틴 문학의 최초의 중요한 작품은 리비우스 안드로니쿠스가 기원전 240년부터 쓴 비극과 희극이었다.[25] 5년 후, 그나이우스 나비우스도 드라마를 쓰기 시작했다.[25] 두 작가의 희곡은 모두 남아 있지 않다. 두 극작가 모두 두 장르에서 작곡했지만, 안드로니쿠스는 비극으로, 나비우스는 희극으로 가장 높이 평가받았고, 그들의 후계자들은 한쪽을 전문으로 하는 경향이 있었는데, 이는 각 유형의 드라마의 후속 발전을 분리시키는 결과를 낳았다.[25] 기원전 2세기 초에 이르러 드라마는 로마에 확고히 자리 잡았고 작가들의 길드 (''collegium poetarum'')가 결성되었다.[26]

현존하는 로마 희극은 모두 ''파불라 팔리아타''(그리스 주제를 기반으로 한 희극)이며 티투스 마키우스 플라우투스와 푸블리우스 테렌티우스 아페르의 작품이다.[27] 로마 희극 작가들은 그리스 원작을 재구성하면서 드라마를 에피소드로 나누는 합창단의 역할을 폐지하고 대사에 음악적 반주를 도입했다.[28] 모든 장면의 행동은 거리의 외부 위치에서 설정되며, 그 복잡성은 종종 엿듣기에서 비롯된다.[28] 플라우투스는 기원전 205년에서 184년 사이에 글을 썼으며 그의 희극 20편이 남아 있다. 그는 대사의 재치와 다양한 운율 사용으로 칭찬받았다.[29] 테렌티우스가 기원전 166년에서 160년 사이에 쓴 여섯 편의 희극은 모두 남아 있으며, 종종 여러 그리스 원작을 결합한 그의 플롯의 복잡성은 때때로 비난을 받았지만, 그의 이중 플롯은 대조적인 인간 행동의 정교한 표현을 가능하게 했다.[29]

초기 로마 비극은 남아 있지 않지만, 당시에는 매우 높이 평가되었다. 역사가들은 퀸투스 엔니우스, 마르쿠스 파쿠비우스, 루키우스 아키우스의 세 명의 초기 비극 작가를 알고 있다.[28] 제국 시대부터 두 명의 비극 작가의 작품이 남아 있는데, 한 명은 알려지지 않은 작가이고, 다른 한 명은 스토아주의 철학자 세네카(Seneca the Younger)이다.[30] 세네카의 비극 9편이 남아 있으며, 모두 ''파불라 크레피다타'' (그리스 원작에서 각색한 비극)이다. 예를 들어 그의 ''파이드라 (세네카)''는 에우리피데스의 ''히폴리토스 (희곡)''를 기반으로 했다.[31] 역사가들은 현존하는 ''파불라 프라에텍스타'' (로마 주제를 기반으로 한 비극)의 유일한 예인 ''옥타비아 (희곡)''를 누가 썼는지 알지 못하지만, 과거에는 비극의 등장인물로 등장했기 때문에 세네카의 작품으로 오인되었다.[30]

고대 그리스 연극과 대조적으로, 고대 로마의 연극은 여성 배우를 허용했다. 대부분은 춤과 노래에 고용되었지만, 소수의 여배우들이 대사 역할을 수행한 것으로 알려져 있으며, 유카리스, 디오니시아 (무대 예술가), 갈레리아 코피올라, 파비아 아레테와 같이 예술로 부와 명성을 얻은 여배우들도 있었다. 그들은 또한 자체 연기 길드인 ''소시에 미마에''를 결성했는데, 이는 매우 부유했다.[32]

서로마 제국이 4세기와 5세기에 쇠퇴하면서 로마 권력의 중심은 이스탄불과 동로마 제국으로 옮겨갔다. 비잔틴 연극에 대한 생존 증거는 미미하지만, 현존하는 기록에 따르면 마임, 비극과 희극의 장면이나 낭송, 춤 및 기타 오락이 매우 인기가 있었다. 콘스탄티노플에는 5세기까지 사용된 두 개의 극장이 있었다.[33] 그러나 연극사에서 비잔틴의 진정한 중요성은 많은 고전 그리스 텍스트를 보존하고 수다라고 불리는 방대한 백과사전을 편찬한 데에 있으며, 여기서 그리스 연극에 대한 많은 현대 정보가 파생되었다.

5세기부터 서유럽은 10세기까지 지속된 일반적인 혼란의 시기에 빠졌다. 따라서 대부분의 조직적인 연극 활동은 서유럽에서 사라졌다. 이 기간 동안 소규모 유목민 집단이 유럽 전역을 여행하며 공연을 펼친 것으로 보이지만, 조잡한 장면 외에는 아무것도 제작하지 않았다는 증거는 없다.[34] 이러한 연기자들은 암흑 시대 동안 가톨릭 교회에 의해 비난받았다.

건데르스하임의 로스비타, 고전 이후 시대의 최초의 극작가


초기 중세 시대에 유럽의 교회는 특정 성경 사건을 극화한 버전을 무대에 올리기 시작했다. 이러한 극화는 연례 축제를 생생하게 만들기 위해 포함되었다.[35] 상징적인 물건과 행동 – 예복, 제단, 향로, 사제가 공연하는 마임 –은 기독교 의식이 기념하는 사건을 상기시켰다. 이것들은 주로 문맹인 관객과 소통하는 데 사용할 수 있는 광범위한 시각적 신호 집합이었다. 이러한 공연은 전례극으로 발전했으며, 가장 초기의 예는 925년경의 부활절의 누구를 찾느냐 (Quem-Quaeritis) 트로프이다.[35] 전례극은 두 그룹이 응답 형식으로 불렀으며, 등장인물을 흉내내는 배우는 참여하지 않았다. 그러나 965년과 975년 사이에 윈체스터의 애설월드는 공연 지침이 포함된 극본인 ''Regularis Concordia (수도원 협약)''을 썼다.[36]

건데르스하임의 로스비타(c. 935 – 973), 북부 독일의 여회원은 테렌스의 희극을 본떠 종교적인 주제를 사용한 6개의 희곡을 썼다. 이 6개의 희곡 – ''아브라함, 칼리마쿠스, 둘키티우스, 갈리카누스, 파프누티우스, 사피엔티아'' –는 여성 극작가가 쓴 최초의 알려진 희곡이자 고전 이후 시대의 최초의 식별 가능한 서양 극작품이다.[36] 이 작품들은 1501년에 처음 출판되었으며 16세기의 종교적 및 교훈적인 희곡에 상당한 영향을 미쳤다. 로스비타의 뒤를 이어 힐데가르트 폰 빙겐(1179년 사망), 베네딕토회 수녀원장이 1155년에 ''Ordo Virtutum''이라는 라틴어 음악극을 썼다.

15세기 고유어 교훈극 ''인내의 성''(매크로 원고에 수록)의 무대 도면


11세기 중반 바이킹 침략이 멈추면서 전례극은 러시아에서 스칸디나비아, 이탈리아로 퍼져나갔다. 이 시기의 전례극이 많이 남아 있지만, 많은 교회에서는 1년에 한두 번만 공연했고, 더 많은 수의 교회는 아예 공연을 하지 않았다.[37]

바보 축제는 희극 발전에 특히 중요했다. 이 축제는 하위 성직자들의 지위를 뒤집어 그들이 상사들과 교회 생활의 일상을 조롱하도록 허용했다. 때때로 연극이 이 행사의 일부로 무대에 올려졌고 어느 정도의 풍자극과 희극이 이러한 공연에 스며들었다. 희극적인 에피소드는 연극이 전례와 분리될 때까지 기다려야 했지만, 바보 축제는 종교적 연극과 세속적 연극 모두에서 희극 발전에 깊은 영향을 미쳤음이 분명하다.[38]

교회 밖에서 종교극 공연은 12세기 무렵에 시작되었으며, 단편 전례극을 더 긴 연극으로 병합한 다음, 이를 고유어로 번역하여 평신도들이 공연하는 전통적인 과정을 거쳤다. ''아담의 연극''(1150)은 야외에서 공연되었다는 것을 시사하는 상세한 무대 연출 지시를 통해 이 이론에 신빙성을 부여한다. 이 시기의 다른 여러 연극이 남아 있는데, 여기에는 ''라 생트 레제렉시옹''(노르만), ''마기 왕들의 연극''(스페인), ''스폰서스''(프랑스)가 있다.

중세 성기가 연극 발전에 중요했던 이유는 길드의 형성과 도시 성장을 이끈 경제적 및 정치적 변화 때문이었다. 이는 중세 후기에 상당한 변화를 가져왔다. 영국 제도에서 중세 시대에 약 127개의 도시에서 연극이 제작되었다. 이 고유어 신비극은 많은 수의 연극의 순환극으로 쓰여졌다: 요크(48편), 체스터(24편), 웨이크필드(32편) 및 미상(42편). 이 시대에는 프랑스와 독일에서 더 많은 수의 연극이 남아 있으며, 중세 후기에는 거의 모든 유럽 국가에서 일종의 종교극이 공연되었다. 이 연극 중 다수에는 희극, 악마, 악당, 광대가 등장했다.[39]

이러한 연극의 배우 대다수는 지역 주민에서 뽑혔다. 예를 들어, 1547년 발랑시엔에서는 100개가 넘는 역할이 72명의 배우에게 배정되었다.[40] 연극은 무대 장치를 이동하는 데 사용되는 바퀴 달린 플랫폼인 가설 무대에서 공연되었다. 종종 자체 의상을 제공하는 영국의 아마추어 배우는 전적으로 남성이었지만, 다른 국가에서는 여성 배우도 있었다. 특정 장소가 아닌 식별되지 않은 공간인 플랫폼 무대는 위치의 급격한 변화를 가능하게 했다.

교훈극은 1400년경에 뚜렷한 극적 형태로 등장하여 1550년까지 번성했다. 가장 흥미로운 교훈극은 인간의 탄생부터 죽음까지의 과정을 묘사하는 ''인내의 성''이다. 그러나 가장 유명한 교훈극이자 아마도 가장 잘 알려진 중세 드라마는 ''에브리맨''이다. 에브리맨은 죽음의 소환을 받고, 탈출하려 애쓰다가 마침내 운명에 순응한다. 그 과정에서 그는 친족, 재물, 우정에게 버림받고, 오직 선행만이 그와 함께 무덤으로 간다.

중세 시대에는 여러 세속 공연도 무대에 올려졌는데, 가장 초창기는 1276년 아담 드 라 알의 ''녹색 숲의 연극''이다. 이 연극에는 풍자적인 장면과 요정 및 기타 초자연적인 사건과 같은 민속 문화 자료가 포함되어 있다. 광대극 또한 13세기 이후 인기가 급증했다. 이 연극의 대부분은 프랑스와 독일에서 유래했으며, 성행위와 신체 배설물을 강조하는 어조와 형식이 유사하다.[41] 광대극의 가장 유명한 극작가는 198편의 희곡을 쓴 한스 작스(1494–1576)이다. 영국에서는 웨이크필드 순환극의 두 번째 양치기극이 가장 잘 알려진 초기 광대극이다. 그러나 광대극은 존 헤이우드(1497–1580)의 작품과 함께 16세기에 이르러서야 영국에서 독립적으로 나타났다.

엘리자베스 시대 드라마 발전의 중요한 선구자는 저지대 국가의 수사학회였다.[42] 이 단체들은 시, 음악, 드라마에 관여했으며, 제시된 질문에 대해 최고의 드라마를 구성하는 단체를 가리기 위한 대회를 개최했다.

중세 후기 말에는 전문 배우들이 영국과 유럽에 나타나기 시작했다. 잉글랜드의 리처드 3세와 잉글랜드의 헨리 7세 모두 소규모의 전문 배우단을 유지했다. 그들의 연극은 귀족의 저택 대강당에서 공연되었으며, 종종 관객을 위한 한쪽 끝에 높은 플랫폼이 있고 배우들을 위한 다른 쪽에 "가림막"이 있었다. 또한 맘머스극도 중요했는데, 크리스마스 시즌에 공연되었고, 궁정 가면극도 중요했다. 이 가면극은 헨리 8세 시대에 특히 인기가 있었으며, 그는 1545년에 놀이의 집과 오락 담당관을 설립했다.[43]

중세 드라마의 종말은 가톨릭교회의 약화, 종교 개혁, 그리고 많은 국가에서 종교극 금지 등 여러 요인으로 인해 발생했다. 엘리자베스 1세는 1558년에 모든 종교극을 금지했고, 1580년대까지 대규모 순환극이 중단되었다. 마찬가지로, 종교극은 1539년 네덜란드, 1547년 교황령, 1548년 파리에서 금지되었다. 이러한 연극의 포기는 그 전까지 존재했던 국제적인 연극을 파괴하고, 각 국가가 자체적인 형태의 드라마를 개발하도록 강요했다. 또한 극작가들이 세속적인 주제로 전환할 수 있게 했으며, 고대 그리스와 고대 로마 연극에 대한 관심이 부활하면서 완벽한 기회를 제공했다.[43]

연극의 정확한 기원은 알려져 있지 않다. 일반적으로 고대 종교적 제사가 발전한 것으로 생각된다.

고대 그리스에서는 기원전 5세기경에 그리스 비극이 성립되어 거대한 극장에서 상연될 정도로 발달했다. 기원전 330년경, 아리스토텔레스는 『시학』에서 그리스 비극에 대해 논하며, 문헌에 남아있는 가장 오래된 드라마 이론을 기록했다. 『시학』에 쓰인 이론은 현재에도 서양 연극에 영향을 주고 있다.

고대 로마에서는 토착 종교와 그리스 연극이 융합하여 오락성이 높은 극이 번성했다. 비극 분야에서는 기원전 1세기경 세네카가 운문으로 된 뛰어난 작품을 남겼다.

  • 고대 이집트 연극
  • 고대 그리스 연극
  • 고대 로마 연극
  • 그리스 신화를 소재로 한 문학 작품 목록

3. 근대극

서양 연극사는 고대극·중세극·근세극·근대극·현대극으로 세분하거나, 고전극·근대극·현대극으로 크게 나누기도 한다. 후자는 고전극과 근대극을 뚜렷하게 구분하는 방식이다.

근대극의 '근대'는 'moderne'을 번역한 말로, '신시대'라는 뜻을 포함한다. 서양 연극사를 고전극·현대극으로 나눌 때 근대극은 현대극에 포함될 수 있지만, 19세기 후반부터 20세기 초까지 자연주의를 중심으로 한 근대극은 이제는 오래된 것이 되었다. 그리고 반(反)리얼·실존·부조리·반(反)연극의 현대극과는 뚜렷이 구별되어야 하기에 근대극도 고전극으로 볼 수 있다.

18세기는 영국의 명예혁명과 프랑스 혁명을 통해 신흥 시민계급이 귀족계급을 대신하여 정치·경제 전면에 진출한 시기이다. 시민계급이 중요해짐에 따라 연극의 주인공으로 시민이 등장하게 되었고, 18세기의 주요 사건은 '''시민극'''의 탄생이다. 시민극은 운문(韻文) 대신 산문으로 쓰였고, 주인공은 중산계급의 소시민이었다.

19세기 초 낭만주의 연극은 고전주의 연극에 대한 반동으로 나타났다. 형식과 질서에 얽매이지 않고 자유로운 삶과 감정을 표현하며, 현실을 넘어 가능성의 세계까지 상상력을 확대했다. 그러나 19세기 후반, 현실적·사실적인 자연주의를 내세운 근대극 운동으로 낭만주의 연극은 쇠퇴했다.

'''근대극'''은 인간이 환경과 대결하는 비극이다. 19세기 후반 유럽은 자본주의 성숙에 따른 세기말적 경향이 짙었고, 사회 불안과 인간 불행이 환경의 부조리에서 비롯된다는 점에 주목하여 문제점을 파헤치고자 했다. 서양 고전 연극은 시대에 따라 내용과 형식은 달랐지만, 인간성의 영원한 체계를 추출하려는 문화재였다.

4. 현대극

연극을 '''현대 연극'''이라고 부른다.

제1차 세계대전을 계기로 사실주의 연극에 대한 반항이 시작되었으며, 제2차 세계대전 이후에는 세계 극계가 사실주의에서 벗어나려는 추세를 보였다.

사실주의 연극은 무대가 인생 그 자체의 표현이며, 상자형 무대에서 공연되어야 한다는 '제4면벽 이론'을 따랐다. 관객은 네모난 방 속 사람들의 모습을 한쪽 벽을 통해 몰래 보는 것이며, 배우들은 관객을 의식하지 않고 일상생활처럼 연기해야 했다. 사실주의 연극은 대사와 회화를 중심으로, 모든 사건은 논리적으로 진행되었다.

이러한 사실주의에 대한 근본적인 부정에서 현대극이 시작되었다. 스트린드베리에서 시작된 표현주의 운동은 독일을 거쳐 미국의 라이스와 오닐에게 영향을 주었다.

브레히트의 서사극(敍事劇)은 무대가 일상생활에서 일어날 수 있는 사건의 가능성을 보여주는 것이라고 주장했다. 관객은 연극을 보러 왔다는 것을 명심하고, 냉철한 이성으로 판단해야 하며, 감정적인 반응을 보여서는 안 된다고 했다.

2차대전 후에는 전통적인 가치관이 무너지고 인간관이 흔들리면서 부조리 연극(不條理演劇)이 등장했다. 이오네스코와 베케트가 대표적인 작가이다.

현대 연극의 극단적인 운동 중 하나는 전체연극(全體演劇)이다. 아르토는 희곡을 불사르라는 슬로건을 내세우며, 연극 본연의 목적으로 돌아가야 한다고 주장했다. 연극은 관객에게 오락이나 아름다운 이야기를 제공하는 것이 아니라, 이미 텔레비전이나 영화에서 더 잘하고 있다는 것이다.

이 외에도 관객의 참여를 촉구하는 환경극장, 고정무대를 거부하는 게릴라 극장 등 다양한 실험적 연극이 등장했다.

현대극은 현대를 사는 인간들에게 알맞은 연극이다. 현대 사회는 질서, 전통적인 가치관, 논리가 사라진 혼돈된 상황이기 때문에, 사실주의 연극은 더 이상 감명을 주지 못한다. 현대 연극은 복잡하고 분화되는 과정에 있으며, 하나의 '이즘'으로 형성되기에는 시간이 더 필요하다.

4. 1. 동유럽의 현대극

폴란드의 현대극은 1863년 바르샤바 지식인과 문인들이 주도한 '영 폴란드' 운동을 통해 획기적인 발전을 이루었다. 이 운동은 1890년부터 1914년까지 절정에 달해 폴란드 문화사에서 빛나는 시기를 만들었다. 이 시기 연극은 가브리엘라 자폴스카, 타데우시 리트네르, 브워지미에시 페르진스키 등의 사실주의·자연주의 연극과 스타니스와프 비스피안스키를 대표로 하는 19세기 낭만파의 상징주의 및 실험적인 연극이 주를 이루었다.

제1차 세계대전 이후 폴란드가 독립하면서 연극은 자유롭게 발전했다. 폴란드 전역에 극장이 건립되기 시작했고, 1913년 바르샤바 제1의 '폴리스 극장'이 개장하여 버나드 쇼의 <사과 수레>가 세계 초연되었다. '레두타'(1919), '아테네움'(아방가르드 극장), '보구슬라브스키 극장' 등이 주목할 만했다. 특히 보구슬라브스키 극장장이자 연출가인 레온 실러는 고든 크레이그의 제자로 폴란드 현대 연극 운동을 이끌었다.

극작가들은 폴란드 문제에 국한되지 않고 현대 유럽 연극의 흐름에 동참하려 했다. 1920년대와 1930년대 희곡에서 이러한 현상이 두드러졌다. 야로스와프 이바슈키에비치는 쇼팽, 조르주 상드, 알렉산드르 푸시킨, 오노레 드 발자크 등 19세기 예술가를 주제로 한 작품을 썼고, 예지 샤니아프스키는 희극에 뛰어났다. 이 시기에는 비키이비치도 빼놓을 수 없다. 그는 시대를 앞서간 전위 작가로, 양차대전 사이의 연극과 1956년 이후 부조리 연극을 연결하는 선구자였다.

제2차 세계대전 이후 공산 정권이 들어선 폴란드 연극은 세 시기로 나뉜다.

  • 1945~1949년: 전쟁으로 파괴된 극장을 복구하고 연극인들이 극단을 조직하던 시기. 예지 자니아브스키의 <두 개의 연극>(1946), 예지 자구르스키와 예지 안제예프스키의 합작 정치희극 <빈켈리이드의 날>(1946)이 대표적. 이 희극은 낭만적 가치, 과거의 이상과 리얼리즘, 프래그머티즘을 내세우는 신실증주의 간의 갈등을 보여준다.
  • 1949~1956년: 사회주의 리얼리즘 강요로 연극이 침체된 시기. 크루츠코브스키의 <독일인>(1949)이 대표작.
  • 1956년 '해빙'~1966년 봉기: 예술이 자유를 누린 시기. 극장 수는 100개가 넘었고, 드라마틱극장, 현대극장, 루도비극장이 유명. 이오네스코, 베케트, 핀터의 폴란드 공연은 전위적인 활동에 영향. 비키이비치 재발견. 곰브로비츠와 므로제크는 세계적인 명성을 얻음. 므로제크는 <경찰>(1958), <스트립쇼>(1961), <탱고(Tango)>(1965) 등에서 인간의 가망 없는 상황을 묘사, 로제비치는 <카드 인덱스>(1960), <증언>(1962)에서 정신의 파탄을 개탄.


50년대와 60년대에는 헤르베르트(<철학자의 동굴>(1956)은 영어로 번역), 그로초비아크 등이 활동. 연출 분야에서는 그로토브스키가 '폴란드 실험극단'을 창설, '가난한 연극'이라는 새로운 연극론과 연출법으로 연극 본질 탐구. 그의 극단은 유럽과 미국 순회. 폴란드는 인형극과 아동극에서도 독자적인 발전.

냉전 시대 서방 국가들과 동유럽 간의 정치적 긴장은 문화 지식 확장의 계기. 폴란드 연극은 큰 영향력과 존경. 폴란드 연극 특이성, 서방 연극 영향과 자립 정도가 명확, 60년대 로제비치와 므로제크 이후 폴란드 연극 과정과 과거 폴란드 연극이 번역과 문화 교류를 통해 밝혀짐.

제1차 세계대전 이후, 1918년 체코 정부 수립으로 체코 연극은 발전. 새로운 극장, 연출, 공연술 향상으로 젊은 작가 작품 공연. 전시대 연극 중 상징주의 경향은 리얼리즘이나 자연주의보다 강함. 스라메크 희곡은 서정성, <여름> 주제는 투르게네프와 베데킨트 영향.

1918년 이후 체코 연극에 영향은 독일 표현주의. 차페크 형제 , <곤충희극> 대표적. 현대 문명 파괴적 힘 경고, 인류 야망에 한계 요구. 프란티셰크 란게르 작품은 버나드 쇼와 영국 풍속 희극, 표현주의 계열. 전자 <바늘 구멍으로 들어가는 낙타>(1923), 후자 <교외>(1925). 러시아 영향으로 노동 계급 사회주의 연극 운동.

1930년대 체코 연극 쇠퇴. 20년대 작가들 무대 지배했지만 지적, 기술적 쇠퇴. 제2차 세계대전, 독일 점령, 전후 스탈린 시대는 연극 궁지, 새로운 작가 출현 불가능. 1948년 이후 러시아 사회주의 리얼리즘은 치명적 장애.

1956년 이후 검열 완화로 토폴과 하벨 등장. 토폴 <시로브타이드의 끝>(1963)은 리얼리즘에서 벗어나 체코 민족 의식 양식화. 하벨은 이오네스코처럼 언어와 커뮤니케이션 관심, 므로제크처럼 공산주의 관료 계급 슬로건에 위협받는 언어 운명 다룸. <가든 파티>(1963), <비망록>(1965) 대표적.

체코 극장은 국립극장 비롯 우수 시설, 스보보다 무대 장치 발전. 인형극과 아동극 성행, 젊은 연기자 소극장 운동 활발.

헝가리 현대극은 19세기 시작. 1837년 최초 영구 극장 개관, 1840년 정부 보조 국립극장. 극장장 지글리게티는 극작가, 헝가리 국민극과 뮤지컬 코미디 창시자. 1860년대 초 극작가 등장, 두 번째 헝가리어 극장 국민극장, 1864년 최초 연극 학교 개교. 헝가리 오페라 하우스 1884년 설립.

20세기 초 많은 새로운 극장 부다페스트 건립, 브로디, 라코시 등 새로운 작가 배출. 브로디는 현대 부르주아 연극 처음 시도.

제1차 세계대전 이전 헝가리 극문학 두 조류. 모리츠 헝가리 도시와 지방 묘사, 몰나르와 헤르체그 세계적, 세련된 주제. 몰나르 <릴리옴(Liliom)>(1909)은 로저스-해머시타인 뮤지컬화.

제1차 세계대전 이후 경제 공황으로 연극 쇠퇴. 헬타이, 일례스, 비로, 코도라뉘, 네메트 라슬로 등 등장, 5, 60년대까지 활약. 1949년 극장 국유화, 극예술 전국 확대, 국립극장과 연극 센터 설립. 관객 수 급증, 배우 생계 보장. 극예술 아카데미(1957)와 연극 연구소 설립은 극계 자극. 메스테르하지, 다르바스, 후베이 미클로스 등, 최근 주르코 라슬로 주목. <나의 사랑 엘렉트라>(1968) 대표적. 헝가리 약 3,000개 아마추어 극단 활동.

루마니아는 터키 정치적 지배와 슬라브 국가 국경으로 19세기부터 통일된 국민 문화 발전. '연극협회' 국립극장 모체. 알렉산드리 극작가, 하스데우 루마니아 연극 사상 처음 사극. 카라기알 루마니아 최고 극작가, 부르주아 계급 풍자.

'연극협회' 1854년 국립극장, 1877년 국립 오페라와 국립극장 '루마니아 연극 연기협회' 통일, 국내 작가 격려, 외국 걸작 공연. 기카 연출 셰익스피어 작품 공연, 파스칼리, 마노레스큐, 로마네스큐 등 배우 배출. 앙트완, 스타니슬라브스키 연출법 다발리스, 엘리아드 도입. 다발리스 자연주의 연극 도입, 빅토르 위고식 낭만 사극.

루마니아 상징주의 에프티뮤, 마니유 도입, 메테를링크, 후기 입센 스타일 루마니아 민속 결합.

금세기 초 연극 사회극과 사극 지배. 사회극 대표 작가 로만, 사극 델라브란체아. 제2차 세계대전 후 공산 정권 수립, 사회주의 리얼리즘 지배, 해빙으로 극작가 실험. 오프로이우 <나는 에펠탑이 아니다>(1964), 바랑가 피란델로적 <여론>(1967) 대표적. 공산 정권 수립 연극 선전 도구, 36개 지방 극장, 국립극장 부설 극장.

유고 연극 역사, 전통. 1991년 세르비아, 몬테네그로만 유고 연방, 나머지 독립. 유고슬라비아 슬로베니아, 크로아티아, 세르비아, 마케도니아 구성 다민족 국가, 1918년 통합, 1945년 헌법 6개 공화국 연방 국가. 유고 소수 민족 고대 연극 전통 지정학적, 언어상 다양 발전, 단일 연극 문화 중심지 없음. 연극 활동 중심지 언어 단위 성장, 세르비아 연극 베오그라드, 노비사드, 크로아티아 연극 자그레브, 두브로브니크, 슬로베니아 류블랴나, 트리스테, 마케도니아 스코플례, 비톨라 정착. 각 공화국 직업 극단, 실험 극단. 자그레브 크로아티아 국립극장 1861년, 베오그라드 세르비아 국립극장 1869년, 류블랴나 슬로베니아 국립극장 1892년.

양차 세계대전 사이 유고 연극 자금 부족, 검열 속 연기, 공연 수준 향상, 버나드 쇼, 입센, 피란델로 작품 포함.

당시 국내 작가 포포비츠, 보이노비츠, 누지케, 캉카 등. 포포비츠 풍자 희극 <애국자>(1849), 누지케 <민중의 선량>(1896), <괴인물>(1887), <병자>(1936) 등 풍속 희극 유고 연극 중요 레퍼토리. 캉카 슬로바키아 현대 문학 운동 중심 인물, <악한들>(1912), <베타이노비의 왕>(1902) 등. 보이노비치 <듀브로브니크 3부작>(1902), <파라솔을 든 여인>(1912) 등. 연출 스튜피카, 가벨라 활약, 스튜피카 유고 라인하르트.

1941년 독일 침략 연극 활동 중단, 해방, 극단 조직, 1949년 66개. 지방 도시 활발 연극 활동, 중심지 베오그라드, 자그레브, 류블랴나. 자국 작가 부족, 외국 작품 공연.

제2차 세계대전 전 유고 24개 극장, 1962년 52개 증가, 120개 아마추어 극장, 30개 아동 극장. 정부 보조, 싼 요금 연극 제공. 정부 간섭 거의 없음. 유고 연극 중요 행사 '듀브로브니크 예술제' 1950년 개최, 세계 각국 극단, 연극인 참가.

유고 공산권 국가 중 실험극 왕성, 이오네스코, 베케트, 페터 바이스, 올비, 하벨 등 전위 작가, 유고 신인 작가 작품 공연. 부라토비츠 베케트 <고도를 기다리며> 개작 <고도가 왔다>(1966) 발표.

1950년대 이후 유고 연극 레퍼토리 다양성 유고 사회 다이내미즘 결과. 두 세계대전 사이 유고 정부 정치적, 예술적 억압 반동, 1948년 소련 연방 탈퇴 결과. 현대 유고 작가 외국 예술 성과 도전, 양식 변화. 신사실주의 르포, 초현실주의 드라마까지 여러 주제, 역사적 마르크시즘, 실존적 변증법 영향.

터키 통치 불가리아 연극 역사 짧음. 바조프 다면적 예술 활동 시작, 불가리아 극단 유럽 영향 민감. 도덕극, 애국적 드라마 진부. 키리로프 <종달새>, 카리마 <잠을 깨다> 등 입센 영향. 상징주의, 니체 철학 윤리감 하리스토프 비극. 스트라시미로프 전설 소재 <성 이반 리르스키> 비극, <보리아보의 결혼식> 전원 희극, <라베카>, <적교(吊橋)>, <흡혈귀> 등. 프랑스 상징주의, 안톤 체호프 영향 야보로프 융합. 비극적 사랑 테마 희곡 <비토샤 산의 산기슭에서>(1911) 사회 혐오. <천둥이 칠 때>, <메아리치다> 등. 토도로프 상징극. 불가리아 고대 민요, 전승 세계 입센 후년 극 무드, 테크닉 시도. <벽돌 직인(職人)>, <요정(妖精)>, <용(龍)의 결혼> 등 대표작.

제1차 세계대전 이후 불가리아 연극 활동 활발. 국립 극단 사라호프, 상징파 시인 밀레프 인솔. 많은 배우 모스크바 예술 극단 학습, 레퍼토리 모방. 1925년 러시아 배우 맛살리티노프 소피아 국립 극단, 부속 학교 지도, 러시아 영향 결정적.

두 대전 사이 극작상 유파 없음. 헤이도크 극(불가리아 로빈 후드), 국민 영웅 그린 사극 인기. 농민 어리석음, 욕심 요브코프 <백만장자>(1930) 풍자, 코스토프 <금광(金鑛)>(1925) 등 도시 부르주아 계급 야유. 미카일로프스키 가정극 가벼운 수법 <신들이 웃을 때>, <부부애(夫婦愛)의 비극> 등 상연.

1945년 이후 불가리아 극장 번영, 배우, 가수, 인형 조종자 각자 극장. 오리지널 각본 탄생 X. K. 유리야노프, 라스테스베티노프 헤이도크 극 시추에이션 나치즘 저항 공산당원 각본. 프로파간다 극 지다로프 <황제의 자비>, A. 그리아스키 <약속> 등. 1953년 스탈린 사망 후 소련 압력 완화, 공산당원 공산당 중요 위치 차지 모습 그린 지에노프 <공포> 상연.

4. 2. 서유럽의 현대극

1596년 돌출 무대에서 공연이 진행 중인 모습을 그린 스완 극장의 스케치로, 전형적인 엘리자베스 시대의 지붕이 없는 극장이다.


영국 르네상스 극장은 중세 시대 영국과 유럽 다른 지역에서 종교 축제의 일부였던 미스터리극 등 여러 중세 연극 전통에서 파생되었다. 다른 자료로는 아테네 비극을 재현하려 했던 "도덕극"과 "대학극"이 있다. 이탈리아의 가면극 전통과 궁정에서 자주 상연되었던 화려한 가면극 또한 공공 극장 형성에 기여했다.

엘리자베스 1세 여왕의 치세 이전부터 극단은 주요 귀족 가문에 소속되어 계절에 따라 다양한 장소에서 세속적인 작품을 공연했다.[58] 이것이 엘리자베스 시대 무대에서 공연한 전문 배우의 기반이 되었다. 이 배우들의 순회 공연은 지역 배우들의 미스터리극과 도덕극 공연을 점차 대체했다.[58] 1572년 법은 공식적인 후원을 받지 못하는 무면허 극단을 방랑자로 규정하여 제거했다.[58]

런던 시 당국은 일반적으로 공공 공연에 적대적이었지만, 여왕의 연극 취향과 추밀원의 지원에 의해 그들의 적대감은 무너졌다.[59] 극장은 특히 템스 강을 건너 도시 거주자들이 접근할 수 있지만 당국의 통제를 벗어난 서더크 자치구에 생겨났다. 극단은 공공 공연이 여왕 앞에서 자주 열리는 공연을 위한 단순한 리허설이라고 주장했지만, 후자는 명성을 얻었고 전자는 전문 배우의 실제 수입원이었다.

엘리자베스 시대 말기에 이르러 전문직의 경제 상황과 함께 드라마의 성격도 변화했다. 엘리자베스 시대에는 드라마가 사회 계층과 관련하여 통일된 표현이었다. 궁정은 평민이 공공 극장에서 보는 것과 같은 연극을 보았다. 개인 극장의 발전으로 드라마는 상류층 관객의 취향과 가치에 더 맞춰졌다. 찰스 1세 치세 후반에는 공공 극장을 위해 새로운 연극이 거의 쓰이지 않았으며, 이전 수십 년 동안 축적된 작품으로 유지되었다.[60]

청교도는 무대에 대한 반대를 표명하며, 무대는 일반적으로 이교적일 뿐만 아니라 종교적 인물을 묘사하는 모든 연극은 본질적으로 우상 숭배적이라고 주장했다. 1642년 잉글랜드 내전이 발발하자 청교도 당국은 런던 시 경계 내에서 모든 연극 공연을 금지했다. 연극의 부도덕함을 비난하는 광범위한 공격은 영국에 남아 있던 극적 전통을 짓밟았다.

개신교가 연극성에 대한 양가적인 관계를 특징으로 했다면, 반종교개혁 가톨릭은 명확한 감정적, 복음주의적 목적을 위해 연극성을 사용했다.[61] 바로크 가톨릭 교회의 장식적 혁신은 점점 더 정교해지는 무대미술과 공생적으로 진화했다. 중세 연극 전통은 가톨릭 국가에서 유익하다고 여겨지는 곳이라면 어디에서든 유지되고 발전될 수 있었다. 이탈리아의 ''Sacre rappresentazioni''와 유럽 전역의 ''성체 축일'' 축하 행사가 그 예이다. 스페인에서 ''성체 축일'' 축하 행사의 중심을 이루는 단막극인 ''Autos sacramentales''는 가톨릭 성체 신학의 추상적인 개념을 구체적이고 승리적으로 실현시켰으며, 특히 페드로 칼데론 데 라 바르카의 작품에서 두드러진다. 개신교 신학에서 예정설에 대한 강조는 고전극에서 운명론에 대한 새로운 인식을 가져왔지만, 이것은 상쇄될 수 있었다. 비극 희극의 개념 자체가 논란의 여지가 있었는데, 그 이유는 이 장르가 고전 이후의 발전이었기 때문이다. 그러나 비극 희극은 신성한 섭리의 자비로운 작용을 보여주고 자유 의지의 개념을 옹호하는 데 적합했기 때문에 반종교개혁 시대의 인기 있는 형태가 되었다. 조반니 바티스타 구아리니의 ''Il pastor fido''(충실한 양치기, 1580년대 작, 1602년 출판)는 이 시대의 가장 영향력 있는 비극 희극이었으며, 티르소 데 몰리나는 희극적인 결말을 통해 비극적인 플롯의 함의를 독창적으로 전복시킨 것으로 특히 유명하다. 이와 유사하게 신학적으로 동기 부여된 장르적 기대의 전복은 프란체스코 스포르차 팔라비치노의 ''Ermenegildo''와 같은 ''tragœdiæ sacræ''의 배경에 자리 잡고 있다.[61] 이러한 유형의 성스러운 비극은 성인들의 삶을 각색한 중세 연극에서 발전했으며, 그 안에서 순교자 주인공들은 비극적이면서도 승리적인 방식으로 죽음을 맞이한다. 순교자 숭배를 장려하는 반종교개혁 가톨릭의 경향을 강화하면서, 이러한 연극은 유럽 전역에서 여러 드라마의 영웅인 토마스 모어 경과 같은 동시대 인물을 기념하거나 민족주의적 감정을 불러일으키는 데 사용될 수 있었다.[61]

대략 1590년부터 1681년까지 이어진 스페인 황금 시대 동안 스페인에서는 라이브 연극 제작이 엄청나게 증가했을 뿐만 아니라 스페인 사회 내에서 연극의 중요성 또한 커졌다. 르네상스 시대 스페인의 모든 참여자들에게 접근 가능한 예술 형식이었으며, 귀족 계급의 후원을 많이 받았을 뿐만 아니라 하층 계급의 관람도 많았다. 황금 시대의 스페인 희곡의 양과 다양성은 세계 연극 역사상 전례가 없었으며, 예를 들어 영국 르네상스 연극의 극적 생산량을 최소 4배나 넘어섰다. 스페인 황금 시대 연극은 질보다 양을 강조한다는 비판을 받기도 했지만, 이 시대의 10,000편에서 30,000편에 이르는 많은 희곡들은 여전히 걸작으로 여겨진다.

이 시대의 주요 예술가로는 셰익스피어의 동시대 인물로서 스페인 무대의 평행선으로 여겨지는 로페 데 베가,[68] 사르수엘라를 발명하고 로페의 뒤를 이어 스페인 최고의 극작가가 된 칼데론 데 라 바르카가 있다. 길 비센테, 로페 데 루에다, 후안 델 엔시나는 16세기 중반에 스페인 연극의 기초를 세우는 데 기여했으며,[71][72][73] 프란시스코 데 로하스 소리야와 티르소 데 몰리나는 황금 시대 후반에 중요한 기여를 했다.[74][75] 주요 공연자로는 로페 데 루에다(이전에 극작가로 언급됨)와 나중에 후안 라나가 있었다.

스페인의 새로운 국가 연극에 영향을 미친 원천은 이 나라가 결국 만들어낸 연극만큼이나 다양했다. 이탈리아 코메디아 델아르테에서 유래한 이야기 전통과 서유럽의 떠돌이 음유 시인 엔터테인먼트의 독특한 스페인적 표현은 초기 스페인 연극의 이야기와 음악에 각각 대중적인 영향을 미쳤다. 반면, 신 아리스토텔레스 비평과 전례극은 문학적, 도덕적 관점을 제공했다. 스페인 황금 시대 연극은 유럽과 전 세계의 후대 연극에 극적인 영향을 미쳤다. 스페인 드라마는 영국 르네상스 연극의 동시대적 발전에 즉각적이고 중요한 영향을 미쳤다. 또한 스페인어를 사용하는 전 세계의 연극에 지속적인 영향을 미쳤다. 또한 번역되는 작품의 수가 증가하면서 스페인 황금 시대 연극의 영향력이 커지고 비평가와 연극 후원자들 사이에서 명성이 높아지고 있다.

4. 3. 남유럽의 현대극

이탈리아를 시작으로 남유럽, 즉 지중해 연안 여러 나라의 연극을 살펴볼 수 있다. 17세기 후반 이탈리아는 프랑스 연극의 영향을 많이 받아 독자적인 연극 활동은 미미했다. 국가적 통일은 이루어졌지만, 정부 지원을 받는 상설 극단은 없었다. 이러한 침체기 속에서 시인 가브리엘레 단눈치오가 등장하여 이탈리아 연극 재건에 힘썼다. 단눈치오의 영향을 받은 작가로는 루소 디 상 세콘도가 있으며, 그는 <인형극>(1918)과 같은 독자적인 작품을 선보였다.

단눈치오 양식에 대한 반항으로 미래파와 황혼파(黃昏派：Crepuscolarsmo)가 등장했다. 미래파는 F. T. 마리네티(1876-1944)를 중심으로, 황혼파는 F. M. 마르티니(1886-1931)를 대표로 하며, 셈 베넬리가 이 계열에 속한다. 피란델로는 이탈리아 작가로서 현대 연극에 큰 영향을 주었다.

피란델로와 동시대 작가로는 디에고 팟브리, D. 니코데미, L. 캬렐리, L. 안토넬리 등이 있다. 우고 베티는 상징적인 작풍으로 삶과 미래의 승리를 주장했다.

전후 세대로는 L. 스쿠알치나, 디에고 팟브리가 주목받았다. E. 데 필립포는 코메디아 델 아르테의 근대판 소극(笑劇)을 썼으며, 나폴리 방언극을 전 유럽적 연극으로 확대시켰다.

제2차 세계대전 이후 이탈리아 연극은 부흥하였고, 각지에 상설 극장이 생겨났다. 밀라노의 피콜로 테아트르가 대표적인 예시이다. 로마를 중심으로 고대 극장에서 고대극 상연도 활발히 이루어지고 있다.

그리스는 1827년 터키 통치에서 벗어나 독립한 이후, 고대극 부흥이 국민 의식과 연결되었다. 1967년 발굴된 아테네의 '헤로도스 앗티코스 극장'에서 소포클레스의 <안티고네>가 상연되었다. 포토스 폴리티스는 고대극의 근대화에 노력했다. 1927년 델포이에서 '델포이 연극제'가 개최되었고, 1936년 이후 아테네의 헤로도스 앗티코스 극장에 그리스 국립극단이 정착하였다. 제2차 세계대전 이후 '아테네 페스티벌'을 통해 아이스킬로스, 소포클레스, 에우리피데스의 비극과 아리스토파네스의 희극 상연이 이루어졌다.

국립극단은 알렉시스 미노티스 연출, 카티나 파크시누와 안나 시노디누를 중심으로 코러스 훈련에 힘쓰며 고대극 복고를 시도했다. 칼로로스 쿤의 '예술극장'은 전위적인 연출로 주목받았다. 1957년 디미트리스 론디리스의 '피라이콘 극단'은 해외 순회 상연을 전문으로 했다.

근대 그리스어 창작도 활발하여, 안토니오스 마테시스, 데메트리오스 베르날다키스 등이 활동했다. 민중적 전통에 기반한 가창부(歌唱部)가 있는 희극도 나타났으며, 데메트리오스 코로미라스가 대표적이다. 니콜라스 라스카리스는 프랑스풍 풍속 희극을 창작했고, 티모스 모라이티니스도 같은 시기에 활동했다.

20세기에는 여러 작가들이 활동했으나, 1967년 군사정권은 연극을 엄격히 통제했다. 미키스 테오도라키스는 추방되었고, 많은 배우들이 출연 금지 처분을 받았다. 작품 내용도 검열을 받았으며, 아이스킬로스의 <프로메테우스>와 같은 작품은 상연이 금지되었다.

'황금세기(黃金世紀)'(시그로 데 오로)의 연극으로 유럽에 영향을 끼친 에스파냐는 18세기 이후 프랑스 고전주의와 낭만주의의 영향을 받았다.

19세기 말 극단의 제1인자는 호세 에체가라이였으며, 그는 1906년 노벨상을 받았다. 그의 대표작으로는 <무서운 매개(媒介)>, <돈 환의 아들>, <미친 신(神)> 등이 있다.

벤트 페레스갈도스는 자신의 소설을 각색한 작품을 발표했다. <엘렉트라>는 논란을 일으켰지만, 이후 상징주의적 작품으로 전환했다.

고전극 부흥 움직임이 정부 주도로 이루어졌으며, 로오베 데 베가, 칼데론, 기롄 데 카스트로의 작품이 상연되었다.

하신토 베나벤테와 같은 계열인 알바레스 퀸테로 형제는 안달루시아 서민 생활을 그렸다. 그레고리오 마르티네스 셰라는 승려나 가정부인을 주인공으로 한 작품을 썼다.

프란시스코 빌랴스페사는 <시라노 드 베르주라크>풍의 작품을 남겼다. 라몬 델 발레 인클란은 부르주아 연극에 반항하며 야만극(野蠻劇：코메디아스 바르바라스)을 통해 새로운 비극 장르를 개척했다.

미겔 미우라는 추리극 작가로, 알폰소 파소는 하층 계급을 묘사하는 사회성 있는 작가로 활동했다. 안토니오 부에로 발레호는 사회 모순에 절망하는 작품을 썼다.

그 외에도 하신토 베나벤테, 에두아르도 마르퀴나, 아소린, 미겔 데 우나무노, 하신토 그라우, 페데리코 가르시아 로르카, 라파엘 알베르티, 알폰소 사스트레 등이 있다.

4. 4. 북유럽의 현대극

루트비히 홀베르크를 제외하면 19세기 후반까지 북유럽에는 주목할 만한 극작가가 없었다. 그러나 입센과 스트린드베리의 등장으로 북유럽 연극은 세계적인 명성을 얻었으나, 그 후 다시 빛을 잃었다.

  • '''노르웨이'''

올레 불이 1850년에 노르웨이 극장을 열면서 노르웨이어 상연이 시작되었고, 이 극장에서 입센과 비에른스티에르네 비에른손이 청년 시절을 보냈다. 비에른손의 <파산>(1875)은 입센의 <사회의 기둥>보다 2년 먼저 나왔으며, <인력 이상(人力以上)>(1883)은 그의 최고 걸작으로 꼽힌다. 군네르 헤이베르크도 사실주의 작가로 유명하다. 20세기에는 헬게 크로그와 노르달 그리그가 대표적인 극작가이다. 크로그는 <도상(途上)>(1931), <결별(訣別)>(1936) 등을 쓴 사실주의 작가이며, 그리그는 <패배>(1937)라는 표현주의 걸작을 남겼다. 제2차 세계대전 이후 노르웨이 극장은 다시 활기를 찾았으며, 보르겐, 베소스, 스카게스타, 비외르네베 등이 주목할 만한 작가로 꼽힌다. 가르보르크와 뒤운은 신(新) 노르웨이어로 작품을 쓴 작가들이다.

  • '''덴마크'''

19세기 초 낭만파를 대표하는 극작가로는 엘렌실레게르가 있으며, J. L. 헤이베르크와 함께 입센에게 큰 영향을 주었다. 20세기에는 카이 뭉크와 셰르 아벨이 주목할 만한 작가로 꼽힌다. 나치에게 학살된 뭉크의 <닐스 엣베센>, <이상주의자>는 덴마크 근대극의 대표작이다. 아벨은 <안나 소피 헤드비크>, <구름 위의 나날> 등을 쓴 반(反)자연주의 작가이다. 나치 점령기의 저항운동은 아벨의 <시르케보르크>, 피셰르의 <전선(戰線)>, 소야의 <후일(後日)에> 등에 반영되었다. 1950년 이후 덴마크 연극은 시극(詩劇)이 유행하였다.

  • '''스웨덴'''

18세기에 직업극단이 생겼으며, 올로프 달린이 대표적인 작가이다. 구스타프 3세 때 오페라가 유행하면서 스웨덴 연극은 융성하기 시작했다. 19세기에는 낭만적 경향이 두드러졌으며, 실러의 <마리아 슈트아르트> 상연(1821)이 새로운 시대를 열었다. 에두아르드 슈바르츠는 <햄릿> 공연(1853)에서 주연을 맡아 내면적인 연기 기술을 개척했다. 스트린드베리에 의해 스웨덴 연극은 세계적으로 유명해졌다. 레플레르와 베네딕트손은 자연주의적 경향을 대표하는 작가였다. 라게르크비스트는 스트린드베리의 표현주의적 작풍을 계승했으며, <천국의 비밀>(1919), <자기의 생명을 되살린 사나이>(1928) 등을 썼고, 1951년 노벨상을 받았다. 벨그만, 다게르만 등도 중요한 작가로 꼽힌다. 현재 스톡홀름, 웁살라, 마르메 등에서 연극이 활발하며, 스웨덴은 북유럽 연극의 중심지로 인정받고 있다.

  • '''핀란드'''

핀란드는 오랫동안 스웨덴어를 공용어로 사용했기 때문에 자국어 문학 발전이 늦었다. 1872년에 처음으로 핀란드어 극장이 생겼으며, 키비와 칸트 부인이 창성기를 대표하는 작가이다. 핀란드는 인구 4백만 명에 7천 개 이상의 아마추어 극단과 많은 극장을 보유하고 있다. 헬싱키에는 스웨덴 극장을 포함하여 5개의 스웨덴어 극단이 있다.

  • '''아이슬란드'''

아이슬란드 연극은 19세기 낭만파 국민시인 요쿰손에 의해 시작되었으며, 그의 작품 <무법자>는 오늘날에도 상연된다. 에이나르손은 최초의 무대 창립에 공헌했으며, <원단(元旦)의 밤>(1871)을 썼다. 1911년 아이슬란드 대학 설립과 1918년 덴마크로부터 독립 후 자국어 문학이 발전하기 시작했고, 스테판손, 토어다르손 등의 극작가가 등장했다. 락스네스도 뛰어난 희곡을 썼다. 수도 레이캬비크에는 2개의 레퍼터리 극장이 있다.

4. 5. 앵글로아메리카의 현대극

영국 문학과 연극은 역사적으로 분리되어 있었지만, 서로 연결되어 있다.[103] 미국 연극은 시작부터 독특하고 다양했으며, 미국이 국가 정체성을 추구하면서 사회를 반영했다.[106] 1752년 버지니아주 윌리엄스버그에서 공연된 최초의 연극은 셰익스피어의 "베니스의 상인"이었다.[107]

일시적인 청교도 사회로 인해 연극은 1774년부터 1789년까지 금지되었다.[108] 금지 기간 동안 연극은 종종 도덕적 강의라는 제목으로 숨어 있었다.[110] 연극은 독립 전쟁으로 인해 잠시 중단되었지만, 1781년 전쟁이 끝난 후 빠르게 재개되었다.[108] 연극은 서부로 확산되기 시작했고, 종종 마을에는 보도나 하수도가 생기기 전에 극장이 생겼다.[111]

국가가 확장됨에 따라 연극도 확장되었다. 1812년 전쟁 이후 연극은 서부로 향했다.[108] 1800년부터 1850년 사이에 고전주의 철학은 19세기 미국 연극에 큰 영향을 미친 낭만주의에 거의 완전히 사라졌으며, "고귀한 야만인"을 우상화했다.[108] 새로운 심리학적 발견과 연기 방법으로 인해, 결국 낭만주의는 사실주의를 낳았다.[108] 이러한 사실주의 경향은 1870년부터 1895년 사이에 발생했다.[108] 이 연극 시대에는 도덕적인 영웅이 자신의 환경의 산물인 현대인으로 바뀐다.[112]

이 시기의 연극은 할리우드가 등장하여 미국 연극을 위협했다.[114] 하지만 이 시기 연극은 쇠퇴하지 않고 오히려 세계적으로 명성을 얻고 주목받았다.[114] 테네시 윌리엄스와 아서 밀러는 이 시기에 세계적인 명성을 얻었다.

4. 6. 라틴아메리카의 현대극

라틴아메리카 제국의 연극 사정은 나라마다 크게 다르다. 20세기 중엽 라틴아메리카 연극은 아르헨티나, 멕시코, 브라질, 우루과이, 쿠바 순으로 발달하였고, 그 밖의 국가들은 상대적으로 덜 발달하였다.

20세기 초 영화의 등장으로 라틴아메리카 전반의 연극은 일시적으로 타격을 입었다. 그러나 1930년대 이후 극작가들이 19세기 후기 스페인 작가의 모방을 중지하고 유럽이나 뉴욕의 우수한 연극으로부터 기교와 형식을 직접 받아들여 라틴아메리카의 연극은 활기를 되찾기 시작했다.

제2차 세계 대전 이후 라틴아메리카 연극계에는 아르헨티나의 오스바르드 드라군, 멕시코의 세르지오 마가냐, 브라질의 호르헤데 안도라데와 알리아노 사우스아, 쿠바의 비루히리오 비뉴라, 칠레의 아레한드로 시베킹 등 유능한 작가들이 많이 나타났다. 그러나 정치 정세 불안정과 검열 강화 등으로 인해 창조적이고 독자적인 연극을 전개하는 데까지는 이르지 못했다.

20세기 초 아르헨티나에서는 국민연극운동이 일어나 크리오죠(유럽에서의 이주민의 자손)와 새로운 이민과의 알력을 그린 작품이 만들어졌다. 이 운동을 통해 여러 극작가가 탄생했는데, 그 가운데 가장 유명한 인물은 우루과이 출신의 프로레치오 산체스(1875-1910)였다. 그의 작품에는 자연주의적인 사회극이 많으며, 희극 분야에서도 활약했다. 부에노스아이레스에는 상업극장이나 실험적인 소극장이 많으며, 특히 '데아트로 콜론(콜럼부스좌)'은 전속 가극단, 교향악단, 발레단을 가지고 활발히 운영되고 있다.

멕시코의 연극은 아르헨티나만큼은 아니지만, 로돌포 우시글리의 <그늘의 왕관>(1947)이나 자비에라 비라우르치아의 <위험한 게임>(1950)을 비롯한 많은 극작가들의 노력으로 최근 눈부신 발전을 보이고 있다.

국가의 강력한 지원을 받는 브라질 연극은 상당히 높은 수준에 이르렀다. 현대의 저명한 극작가로는 호라시 카마르고(<신이 너에게 보상하지 않음은>을 1932년에 발표)와 기르에르메 피게레드(<여우와 포도>를 1935년에 발표)가 있다. 또한 기르에르메 피게레드는 현대 세계 명배우 중 한 명으로 꼽힌다.

쿠바의 연극은 빛나는 역사를 가지고 있었지만, 20세기 초에는 심한 불황에 빠졌다. 한때 부포스 쿠바노스(bufos cubanos)라는 정치풍자극이 유행했지만, 1920년대에는 쇠퇴하였다. 그러나 1930년대에는 작곡가와 극작가에 의한 자르주엘라 쿠바나(zarzuela cubana)라는 일종의 뮤지컬 코미디가 탄생하여 국내뿐 아니라 스페인이나 라틴아메리카 여러 나라에까지 인기가 높았다. 1950년대에는 야외극장에서의 발레 공연이나 지방 순회 극단 활동이 활발해졌다. 1959년 이후의 쿠바 연극은 카스트로 정권의 정치 선전 도구로 변한 경향이 짙다.

5. 아시아 연극

인도네시아 연극은 지역 문화의 중요한 부분으로, 수백 년 동안 발전해 왔다. 인도네시아의 오래된 연극 형태는 대부분 지역 문학 전통(구전 및 기록)과 직접적으로 연결되어 있다. 순다족의 와양 골렉(나무 막대 인형극)과 자바 및 발리의 와양 쿨리트(가죽 그림자 인형극)가 대표적이며, 이들은 라마야나와 마하바라타를 현지화한 버전에서 레퍼토리를 가져온다. 이러한 이야기는 배우를 사용하는 자바와 발리의 와양 웡(인간 연극)의 자료를 제공하기도 한다. 와양 웡은 라마야나 또는 마하바라타 에피소드를 주제로 하는 고전적인 자바 춤 극 공연의 한 유형이다. 9세기의 프람바난 사원의 부조 패널은 라마야나 서사시의 에피소드를 보여준다.[159][160][161] 마하바라타 에피소드의 각색은 11세기에 Mpu Kanwa가 작곡한 아르주나위와하와 같은 주목할 만한 사례와 함께 Kahuripan 및 Kediri 시대부터 자바 문학 전통에 통합되었다. 동자바의 페나타란 사원은 부조에 라마야나와 마하바라타의 주제를 묘사하고 있다. 와양 웡은 배우와 여배우가 인형 역할을 맡는 와양 쿨리트(중부 자바의 그림자 극) 스타일의 공연이었다. 이 형식에 대한 최초의 기록은 서기 930년 동자바에서 제작된 석비 Wimalarama에 있다. 이 장르는 현재 중부 자바, 발리, 치레본뿐만 아니라 순다족(서자바)에서도 가면을 쓰거나 쓰지 않는 형태로 공연된다.[159][160][161]

와양 웡 극 공연, 프람바난 사원 단지 근처


캄보디아의 고대 수도인 앙코르 와트에서는 인도의 대서사시 《라마야나》와 《마하바라타》의 이야기가 사원과 궁전 벽에 조각되어 있다.

태국에서는 중세 시대부터 인도의 서사시에서 따온 줄거리를 바탕으로 연극을 공연하는 전통이 있었다. 특히, 태국의 국민 서사시인 ''라마키엔''(인도의 ''라마야나''의 태국 버전)의 연극 버전은 오늘날까지도 태국에서 인기가 있다.

스페인 정부의 333년 통치 기간 동안, 그들은 섬에 가톨릭 종교와 스페인 문화를 도입했고, 이는 점차 토착 문화와 융합되어 현재 주요 언어 문화 집단이 공유하는 "저지대 민속 문화"를 형성했다. 오늘날, 스페인의 영향을 받거나 스페인이 도입한 극 형태는 군도 전역의 시골 지역에서 계속해서 살아 숨 쉬고 있다. 이러한 형태에는 코메디아, 단막극, 시나쿨로, 사르수엘라, 그리고 드라마가 포함된다. 최근 몇 년 동안, 이러한 형태 중 일부는 개발도상국의 상황과 요구에 더 부응하도록 활성화되었다.

15세기 말에서 16세기에 스페인 유대인들이 오스만 제국에 나타나면서 연극 공연이 처음 언급되었다. 이후 로마, 그리스, 아르메니아와 같은 다른 소수 민족들이 이 분야에 참여하게 되었다. 그 후 코메디아 델 아르테의 터키식 형태인 ''오르타 오유누''가 제국 전역에서 매우 인기를 얻었다.[162]

중세 이슬람 황금 시대의 가장 인기 있는 형태의 연극은 인형극(손 인형, 그림자극 및 마리오네트)과 배우들이 이슬람 역사의 에피소드를 재현하는 ''타지예''로 알려진 라이브 수난극이었다. 특히 시아 이슬람 연극은 알리의 아들 하산 이븐 알리와 후세인 이븐 알리의 ''샤히드''(순교)를 중심으로 이루어졌다. ''akhraja''로 알려진 세속극은 중세 ''아다브'' 문학에 기록되었지만, 인형극과 ''타지예'' 연극보다 덜 흔했다.[163]

5. 1. 인도 연극

인도 연극의 가장 초창기 형태는 산스크리트 연극이었다.[142] 기원전 15세기에서 서기 1세기 사이에 등장하여 1세기에서 10세기 사이에 번성했는데, 이 시기는 인도 역사에서 상대적으로 평화로운 시기였으며 수백 편의 희곡이 쓰여졌다.[143] 리그베다와 같은 베다 경전은 야지나 의식 중에 연극이 상연되었음을 보여준다. 텍스트에 언급된 대화는 한 사람의 독백에서 세 사람의 대화에 이르기까지 다양하며, 인드라, 인드라니, 브리샤카피 사이의 대화가 그 예이다. 대화는 종교적인 맥락뿐만 아니라 세속적인 내용을 담고 있는데, 리그베다의 한 독백은 도박 때문에 삶이 파멸되고 아내와 사이가 멀어지고 부모님마저 그를 싫어하는 도박꾼에 대한 이야기이다. 기원전 5세기의 파니니는 두 명의 인도 극작가 쉴라린과 크리샤슈바가 쓴 극본 나타수트라에 대해 언급한다. 파탄잘리 또한 켐사바다와 발리반다와 같이 유실된 희곡의 이름을 언급한다. 기원전 3세기로 거슬러 올라가는 시타벵가 동굴과 기원전 2세기의 칸다기리 동굴은 인도에서 가장 초기의 극장 건축의 예이다.[144] 10세기와 11세기에 시작된 이슬람 정복으로 인해 연극은 금지되거나 완전히 금지되었다.[145] 이후, 토착 가치와 사상을 재확인하려는 시도로, 15세기부터 19세기까지 아대륙 전역에서 촌극이 장려되었고 많은 지역 언어로 발전했다.[146] 현대 인도 연극은 19세기 중반부터 20세기 중반까지 영국 제국하의 식민 통치 시대에 발전했다.[147]

산스크리트 문학의 최고 성과로 평가되는 산스크리트 드라마는[156] 영웅(nayakasa), 여주인공(nayikasa), 광대(vidusakasa)와 같은 전형적인 등장인물을 활용했다. 배우들은 특정 유형을 전문으로 했을 수 있다. 기원전 1세기의 칼리다사는 고대 인도의 가장 위대한 산스크리트 극작가로 여겨진다. 칼리다사가 쓴 세 편의 유명한 로맨틱 극은 ''말라비카그니미트람''(말라비카와 아그니미트라), ''비크라모르바시얌''(비크라마와 우르바시 관련) 및 ''아비지냐나샤쿤탈람''(샤쿤탈라의 인정)이다. 마지막 작품은 ''마하바라타''의 이야기를 바탕으로 했으며 가장 유명하다. 이 작품은 처음으로 영어와 독일어로 번역되었다. ''샤쿤탈라''(영문 번역본)는 요한 볼프강 폰 괴테의 ''파우스트''(1808–1832)에 영향을 미쳤다.[156]

바바부티(7세기경)는 ''말라티-마다바'', ''마하비라차리타'', ''우타르 라마차리타''의 세 편의 희곡을 썼다. 이 세 작품 중에서 마지막 두 작품은 ''라마야나''의 전체 서사시를 다루고 있다. 강력한 인도 황제 하르샤 (606–648)는 희극 ''라트나발리'', ''프리야다르시카'' 및 불교 드라마 ''나가난다''의 세 편의 희곡을 쓴 것으로 알려져 있다.

쿠티야탐은 서기 초 무렵에 시작된 것으로 여겨지는 고대 산스크리트 연극의 유일하게 남아있는 표본이며, 유네스코에 의해 인류 구전 및 무형 유산 걸작으로 공식 인정받고 있다. 바바이 (떠돌이 연주자)는 구자라트의 인기 있는 민속 극 형태로, 서기 14세기에 생겨난 것으로 전해진다. 바오나와 안키야 나트는 16세기 초부터 마하푸루샤 스리만타 샹카르데바에 의해 창작되고 시작되어 아삼에서 행해지고 있다. 자트라는 벵골에서 인기가 있으며, 그 기원은 16세기의 박티 운동으로 거슬러 올라간다. 하리아나, 우타르 프라데시, 마디아 프라데시의 말와 지역에서 인기 있는 또 다른 민속 극 형태는 스왕으로, 움직임보다는 대화 중심적이며, 18세기 후반 – 19세기 초에 현재 형태로 생겨난 것으로 여겨진다. 야크샤가나는 카르나타카에서 매우 인기 있는 연극 예술이며, 적어도 16세기부터 다양한 이름으로 존재해 왔다. 반고전적인 성격을 띠며, 카르나틱 음악을 기반으로 한 음악과 노래, 화려한 의상, ''마하바라타''와 ''라마야나''를 기반으로 한 줄거리를 포함한다. 또한 노래 사이에 구어체 대화를 사용하여 민속 예술적인 풍미를 더한다.

카타칼리는 17세기[157] 케랄라 주에서 시작되었으며, 세련된 외모, 정제된 몸짓, 추가된 주제와 더불어 더욱 화려한 노래와 정교한 드럼 연주를 통해 수년에 걸쳐 발전해 왔다. 매력적인 분장, 정교한 의상, 섬세한 몸짓, 잘 정의된 신체 움직임이 돋보이는 고도로 양식화된 고전 인도 무용극으로, 앵커 재생 음악과 보완적인 타악기에 맞춰 연출된다.

라빈드라나트 타고르는 민족주의, 정체성, 정신주의, 물질적 탐욕에 대한 탐구와 질문으로 유명한 희곡을 쓴 선구적인 현대 극작가였다.[158] 그의 희곡은 벵골어로 쓰여졌으며, 《치트라》(Chitrangada, 1892), 《어둠의 방의 왕》(Raja, 1910), 우체국 (Dakghar, 1913), 《붉은 협죽도》(Raktakarabi, 1924)가 있다.[158]

벵골 연극의 또 다른 선구적인 극작가로서, 라빈드라나트 타고르의 정당한 후계자는 나티아구루 누룰 모멘이었다. 그의 전임자 타고르가 19세기에 벵골 문학에 모더니즘을 도입한 반면, 누룰 모멘은 그에게서 물려받은 모더니즘의 바통을 잡고 그의 데뷔작인 "루판타르"와 네메시스 (모멘 희곡)를 통해 20세기에 세계적인 수준의 연극으로 끌어올렸다.

5. 2. 중국 연극

중국 고전극은 시경에 나타난 민간의 계절적 오락, 종교적 제례, 공자 이후 유학의 예학사상에 기반을 두고 있다. 진대에는 각저희라는 무악형식의 가무희(歌舞戱)가 있었고, 이는 당대의 대면(大面)·발두희(撥頭戱) 등으로 이어졌다. 그러나 본격적인 극문학은 원대의 원곡(元曲：北曲)에서 싹텄다. 이는 16세기 초 명나라 중기의 희문(戱文：南曲)과 19세기 청말(淸末)까지의 곤곡(崑曲) 및 피황(皮黃), 즉 경극(京劇)으로 이어진다. 이들은 중국의 국극(國劇)을 대표하는 고전극으로서, 화극(話劇)으로 불리는 신극과 대립·발전해 왔다.

기원전 1500년경 상 왕조 시대부터 중국에는 음악, 광대 놀이, 곡예 공연 등을 포함하는 연극 오락이 있었다.

한나라 시대에는 그림자극이 처음으로 등장했다. 그림자극은 광둥 남부와 베이징 북부의 두 가지 형태로 나뉘었다. 이 두 스타일은 인형 제작 방법과 막대 위치에 따라 구분되었다. 두 스타일 모두 모험과 판타지를 묘사하는 연극을 공연했으며, 정치적 선전에는 거의 사용되지 않았다. 광둥 그림자 인형은 더 크고 두꺼운 가죽으로 만들어져 상징적인 색상이 사용되었다. 검은색은 정직함, 빨간색은 용기를 나타냈다. 광둥 인형의 막대는 머리에 직각으로 부착되어 관객에게 보이지 않았다. 베이징 인형은 더 작고 얇은 가죽으로 만들어졌으며, 생생한 페인트로 칠해져 다채로운 그림자를 드리웠다. 움직임을 조종하는 얇은 막대는 목의 가죽 칼라에 부착되어 몸과 평행하게 달리다가 90도 각도로 꺾여 연결되었다. 이 막대는 그림자를 드리울 때 보였지만, 인형 그림자 바깥에 위치하여 외관을 방해하지 않았다. 막대가 목에 부착되어 여러 머리를 사용할 수 있었고, 사용하지 않는 머리는 무명책이나 상자에 보관했다. 머리는 밤에 제거했는데, 이는 인형이 밤에 살아난다는 미신 때문이었다. 일부 인형극 배우는 머리와 몸을 আলাদা 보관하기도 했다. 그림자극은 11세기에 발전의 정점에 도달한 후 정부의 도구가 되었다.

당나라는 '1000개의 오락의 시대'로 불리기도 한다. 이 시대에 현종은 배원의 자제라고 알려진 연기 학교를 설립하여 주로 음악적인 드라마를 제작했다.

송나라 시대에는 곡예와 음악을 포함하는 많은 대중 연극이 있었고, 원나라 시대에는 4막 또는 5막 구조의 더 정교한 형태로 발전했다.

원나라의 희곡은 중국 전역으로 퍼져나가 다양한 지역 형태로 발전했으며, 그중 가장 잘 알려진 것은 오늘날까지도 인기 있는 경극이다.

5. 3. 일본 연극

부토를 공연하는 자이츠 교헤이


일본의 고전극은 노오(能), 교겐(狂言), 가부키, 조루리 등이 대표적이다. 노오는 13세기 말 상류층의 오락을 위한 가면극이었고, 교겐은 노와 함께 연출되는 풍자적인 촌극이다. 가부키는 17세기 초 무녀로부터 시작되어 대중 오락으로 발전했다. 조루리는 정교한 인형극이다.[85][86]

14세기에는 소규모 극단들이 희극을 공연했다. 간아미(1333~1384)의 아들 제아미 모토키요(1363~1443)는 뛰어난 배우였고, 아시카가 요시미쓰 쇼군(1358~1408)의 후원으로 노(能)를 발전시켰다. 노는 판토마임과 성악이 혼합된 양식이다.

도쿠가와 이에야스(1543~1616) 시대에 일본은 통일되었고, 분라쿠(인형 조루리)가 번성했다. 치카마츠 몬자에몬(1653~1725)은 분라쿠를 예술 형태로 발전시켰다. 인형 조종사는 평생 훈련을 받으며, 대사는 한 사람이 여러 목소리로 연기한다.

가부키는 분라쿠 이후 오쿠니라는 여배우에 의해 시작되었다고 전해진다. 가부키는 노와 분라쿠의 영향을 받았지만, 더 대중적이었다. 배우들은 춤, 노래, 팬터마임 등 다양한 훈련을 받는다. 초기에는 소녀, 소년들이 공연했지만, 16세기 말에는 남성 극단으로 구성되었다.

부토는 제2차 세계 대전 이후 일본에서 등장한 전위예술이다. 히지카타 타츠미와 오노 카즈오가 창시했으며, 권위에 도전하고 기존 춤의 피상성을 비판했다.

조몬 시대 유물 중에는 흙으로 만든 가면 등 연극의 기원과 관련된 유물이 있다. 『고고시』, 『일본서기』에는 고대 연극적 행위에 대한 기록이 있다. 아마테라스 오미카미의 천암호 에피소드에서 아메노우즈메노 미코토가 춤을 추고, 야마사치히코와 우미사치히코에서는 야마사치히코가 우미사치히코에게 우스꽝스러운 흉내를 내게 한다.

『육국사』에는 각지의 예능을 천황이 관람했다는 기록이 있다. 고대 일본은 한반도와 중국 대륙의 영향을 받아 연극을 발전시켰다. 스이코 천황 때 기악이, 나라 시대에는 산악이 전해졌다. 산악은 조정의 보호를 받았다.

헤이안 시대에는 산악호가 폐지되었지만, 사루가쿠가 발전했다. 덴가쿠와 엔넨도 발달했다. 가마쿠라 시대에는 전문 연자 집단이 자(座)를 조직했다. 야마토 사루가쿠의 칸아미, 제아미는 노 (노가쿠)를 완성했다.

에도 시대에는 노가 상급 무사의 예술로 여겨졌다. 가부키와 인형 조루리가 발달했다. 이즈모노 오쿠니의 가부키와 샤미센을 사용한 조루리가 결합한 인형 조루리는 에도 시대에 발달했다.

메이지 시대에는 서양 문화의 영향으로 가부키가 구식으로 여겨져 연극 개량 운동이 일어났다. 신파 연극도 생겨났다.

20세기에는 신극이 오사나이 가오루 등에 의해 시작되었다. 간토 대지진 이후 쓰키지 소극장이 신극의 중심지가 되었다. 다이쇼 시대·쇼와 시대에는 다카라즈카 가극단, 쇼치쿠 소녀 가극단 등 소녀 가극이 발족되었다.

6. 아프리카 연극

연극이 의식에서 진화했다는 확실한 증거는 없지만, 의식 행위와 연극 사이에는 유사성이 존재한다.[2] 초기 연극과 의식의 유사성은 아리스토텔레스가 그의 저서 ''시학''에서 연극을 성스러운 신비의 공연과 대조적으로 정의하면서 증명되었다. 연극은 관람객에게 단식, 키케온 음료, 행진을 요구하지 않았지만, 시각, 즉 "테아마"를 통해 관람객에게 정화와 치유를 가져다준다는 점에서 성스러운 신비와 유사했다. 이러한 공연 장소는 "테아트론"이라고 불렸다.[3]

역사가 오스카 브로켓과 프랭클린 힐디에 따르면, 의식에는 의상과 가면과 같은 즐거움을 주는 요소뿐만 아니라 숙련된 연기자들이 포함된다. 사회가 복잡해짐에 따라 이러한 요소들은 비의례적인 조건에서 연출되기 시작했고, 이는 자율적인 활동으로서의 연극으로 가는 첫걸음이 되었다.[4]

가장 초기의 기록된 유사 연극 행사는 기원전 2000년 고대 이집트의 "수난극"과 관련이 있다. 신 오시리스의 이야기는 문명 전역의 축제에서 매년 공연되었다.[115] 현대에 들어와 연극 예술은 19세기 후반 유럽과의 상호 작용을 통해 발전했다.[116][117][118]

야쿱 사누와 아부 칼릴 카바니가 시작을 알렸고, 이후 유세프 와흐비 극단, 파티마 루쉬디를 비롯하여, 아보 엘 세우드 엘 에비아리, 이스마일 야신, 바디에 카이리, 알리 엘 카사르, 나기브 엘 리하니 등이 코미디를 다른 방식으로 선보였다.[119][120][121]

1930년대와 1940년대에 소위 홀 극장에서 350편 이상의 연극이 상연되었으며, 바이라므 엘-투니시, 아민 세드키, 바디에 카이리, 아보 엘 세우드 엘 에비아리가 공동으로 제작하고 아지즈 이드, 비샤라 와킴, 압델 아지즈 칼릴이 연출을 맡았다. 리하니 극단은 1916년부터 1983년까지 약 70년 동안 활동했고, 람세스 극단은 1923년부터 1960년까지 240편 이상의 연극을 제작했다. 국립 극단은 1935년부터 현재까지 80년 이상 지속되었다.[122][123]

1952년 혁명 이후 알프레드 파라그, 알리 살렘, 노만 아슈르, 사드 에딘 와흐바 등과 같은 많은 극작가들이 등장했다. 국립 극단의 경우, 가장 많은 작품을 제작한 연출가는 예술가 파투흐 나샤티와 자키 툴라이마트이다.[124]

몰리에르, 피에르 코르네유, 윌리엄 셰익스피어 등 세계적인 극작가들의 작품도 이집트 무대에 올려졌다.[125][126]

이집트 연극사에서 무니라 엘 마흐디야는 20세기 초 자신의 이름을 딴 극단을 설립하면서 최초의 이집트 가수이자 배우로 시작했다. 무니라 엘 마흐디야는 무함마드 압델 와하브를 발굴하여 세예드 다르위시가 갑작스럽게 사망한 후 클레오파트라와 마르쿠스 안토니우스의 연극 멜로디를 완성할 기회를 주었다. 1960년대 초부터 살라 주르피카르와 같은 영화 배우들이 연극 무대에 진출했고, 1970년대에는 ''알 아얄 키브릿''(1979)과 같은 코미디가 지배적이었다.

2020년, 이집트 문화부의 이네스 압델-다임 장관은 현대 이집트 연극 시작 150주년을 기념하기 위해 이집트 국립 연극 축제의 다음 세션을 헌정했다.

가나의 현대 연극은 20세기 초에 등장했다.[129] 이는 유럽의 아프리카 식민지에 대한 문학적 논평으로 처음 나타났다.[129] 코비나 세키가 1915년에 쓴 ''The Blinkards''는 유럽 문화를 맹목적으로 따르는 아프리카인들을 풍자한다.[129]

아마 아타 아이두의 ''아노와''는 성 평등과 여성 존중의 필요성을 강조한다.[129]

에푸아 서덜랜드가 1975년에 쓴 ''The Marriage of Anansewa''는 '아난세셈'(민담)이라는 아칸족의 구전 전통을 바탕으로 한다. 주인공 아난세는 교활하고 이기적이며 인간과 동물의 본성에 대한 통찰력을 가진 인물로 묘사된다.[129]

요루바 극장에 대한 선구적인 연구에서 조엘 아데제지는 그 기원을 가면극인 에군군("조상의 숭배")으로 추적했다.[130] 알라린조 연극 전통은 16세기에 에군군 가면극에서 시작되었다. 알라린조는 신비로운 분위기를 풍기는 가면을 쓴 여행하는 배우들의 단체였다. 그들은 마임, 음악, 곡예를 활용했다. 알라린조 전통은 1950년대부터 1980년대까지 나이지리아에서 가장 널리 퍼져있고 고도로 발전된 형태의 극장이었던 대중 여행 극장에 영향을 미쳤다. 1990년대에 대중 여행 극장은 텔레비전과 영화로 옮겨갔으며 현재는 거의 라이브 공연을 하지 않는다.[134][135]

"총체 극장"은 1950년대에 나이지리아에서 발전했다. 그것은 비자연주의적 기법, 초현실주의적 육체적 이미지, 그리고 유연한 언어 사용을 활용했다. 1970년대 중반에 글을 쓴 극작가들은 이러한 기술 중 일부를 사용했지만, "사회의 문제에 대한 급진적인 이해"와 함께 그들을 명확하게 표현했다.[136]

전통적인 공연 방식은 현대 나이지리아 극장의 주요 인물들에게 강한 영향을 미쳤다. 휴버트 오군데의 작품은 알라린조 전통과 에군군 가면극에서 영향을 받았다.[137] 월레 쇼잉카는 그의 작품에서 신 오군에게 복잡한 형이상학적 의미를 부여한다.[138]

나이지리아의 여행 극장 지지자들로는 듀로 라디포와 모세 올라야가 있다.

아프리카계 미국인 연극의 역사는 이중적인 기원을 가지고 있다. 첫 번째 기원은 아프리카계 미국인들이 오두막과 공원에서 공연했던 지역 극장에 뿌리를 두고 있다. 그들의 공연은 아프리카 문화에 뿌리를 두고 있었으며, 미국의 환경에 영향을 받기 시작했다. 아프리카 그로브 극장(African Grove Theatre)은 1821년 윌리엄 헨리 브라운에 의해 설립된 최초의 아프리카계 미국인 극장이었다.[141]

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